viernes, 30 de diciembre de 2011

VERANO DE SOROLLA





VERANO 1904


Verano
óleo sobre lienzo 149x252 cm
Museo de Bellas Artes de Cuba





En 1904 Sorolla se lanzó a un ritmo enfebrecido y creciente dándolo todo en su afán de expresar lo esencial - la luz que es lo más variable , lo más fugitivo  lo más traidor -con fin de trasladarlo , instantáneamente , de la manera más fiable posible , al  lienzo. Esto supone realmente una imposibilidad física , un esfuerzo de titanes , agotador,en el que la mano, por rápida que sea, será incapaz finalmente de seguir las  "impresiones " de la vista.

Pero el valenciano no cejará en su empeño si es verdad que un artista llegó a conseguir en alguna ocasión este sueño, sin duda debió de ser Sorolla .Es cierto que el levantino nace de alguna manera superdotado para la visión del color y la luz , pero también se debe reconocer que, este don, lo acrecentó a fuerza de trabajo y lucha sin fin. No hay que creerse que la mayoría de los cuadros de Sorolla, fueron creados tan espontáneamente como se pudiera sospechar . Antes de acometer cada una de sus obras , hubo un período de  preparación en el cual el pintor , por medio de estudios numerosos de dibujo y de color,ya de conjunto, ya de detalle, trató de familiarizarse con el asunto que debía representar




Así , también de esta bellisíma composición conservamos multitud de apuntes, dibujos  y bocetos. El tema es sencillo y, a la vez, tierno y cotidiano: un grupo de pequeños chavales avanzan, en diagonal y de izquierda a derecha ,hacía un niño pequeño , casi un bebe, que se resiste al baño, protegiéndose  entre las faldas de su madre.Como suele ser habitual en estos momentos ,la composición se  vuelve a estructurar a través de lineas diagonales,  en tres términos o franjas que,en ocasiones como ésta, viene marcada por los trazos oblicuos que sugiere la espuma del oleaje.

Por supuesto aquí ya ha desaparecido  todo residuo de costumbrismo y en su lugar la tela se entiende como grandes manchas de color y de luz. Una vez que Sorolla ha encontrado su registro , ya  no lo abandonará nunca : figuras infantiles en el agua, paleta brillante, brillos acharolados sobre la piel  mojada de los niños  luz envolvente  y a veces cegadora , que nunca disuelve del todo los volúmenes , el fluir del agua transparente que se deposita en la orilla en suave espuma , en fin, todo un amplio repertorio aplicado a estos cuadros.


Mercedes Tamara 


30 diciembre 2011





Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa



jueves, 29 de diciembre de 2011

ORILLAS DEL RÍO SENA EN BY ( ALFRED SISLEY )

ORILLAS DEL RÍO SENA EN BY  1880-1881



Orillas del río Sena
óleo sobre lienzo 54,4x 73 cm
Colección Clark






SISLEY pintó Orillas del río Sena en By poco después de mudarse a los alrededores de Moret-sur-Loing, en el centro norte de Francia en 1880. Este cambio afectaría a  toda la producción de Sisley , ya que la mayor parte de su obra posterior estaría dedicada a la representación de esta zona.


Orillas del río Sena en By representa un  tramo de la ribera del río y el sendero bordeado de árboles. Una mujer vestida de azul con un sombrero de paja de una  dimensión humana a esta imagen , que  retrata los cambiantes efectos de la luz solar sobre el río.


En mucho de los paisajes del primer período de Sisley, aparecen una carretera o un puente colocados angularmente que a menudo dirigen la mirada del observador hacía el centro de la escena . En esta obra el sendero cumple una  función similar .aunque aquí el repliegue espacial está menos acentuado que de costumbre y la mirada se desvía en varios puntos .


Lo primero que vemos es una mujer de azul mientras que camina abajo hay una pared de árboles que tapa lo visual , lo que anima a  la mirada a detenerse en la superficie de la pintura, caracterizada por una intrincada red de pinceladas de colores vibrantes Orillas  del río Sena en By es una de las primeras obras en las que Sisley emplea técnicas que ponen de relieve la rapidez del tratamiento pictórico y sus entrecortados efectos de color.


La luz radiante y la pincelada fluida evocan una especie de luminiscencia húmeda , como si  fuéramos testigos de las consecuencias inmediatas de una lluvia. Hay una exhuberancia de colores en todo el lienzo , desde las gradaciones de azul  y gris en el cielo hasta los verdes y amarillos  vibrantes del paisaje ,mientras que toques de  carmesí y rosa añaden calidez a la tonalidad  general del cuadro.


Mercedes Tamara 
29 diciembre 2011

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado



miércoles, 28 de diciembre de 2011

ENCAJONANDO PASAS DE JOAQUIM SOROLLA

ENCAJONANDO PASAS 1900
ENCAJONANDO PASAS
Óleo sobre lienzo 89 x 126 cm
Colección particular



Desde principios del siglo XX , Sorolla es considerado internacionalmente como un artista moderno , relacionado con la escuela naturalista europea . Como se ha dicho en este año de 1900, viaja por segunda vez a París , donde tiene ocasión de conocer a un grupo de pintores escandinavos y  finlandeses que serán vitales para el desarrollo ulterior del arte moderno, que no se cimentó únicamente con las experiencias del impresionismo francés.


El realismo socialmente comprometido -tal y como lo había anticipado Millet, Coubert o Bastien-Lepage- se abrió camino hasta los lienzos de estos artistas nórdicos. Al contrario de los realistas clásicos  que desarrollaban sus temas sobre el  mundo del campesinado rústico-estos  modernos naturalistas de las nuevas generaciones elegían el trabajo industrial como protagonista de su obra. El tema  también interesó especialmente a la  escuela impresionista que, en su obsesión por captar el ritmo acelerado de la vida moderna , solía recurrir al tópico del  trabajo industrial como excusa para  retener el ambiente vibrante y laborioso  de las fábricas.


Transportando la uva
En estos momentos Sorolla se había alejado definitivamente de la "pintura de tesis", es decir, de las escenas melodramáticas que encierran una lección moral, y se dirigía hacía un tipo de cuadro con verdadera intención social colectiva, cuyo asunto se basaba en el tema laboral de la fábrica o el taller. Estéticamente este interior refleja el  conocimiento de la pintura barroca del siglo XVII , por lo que su esquema se  ajusta al gran escenario cuajado de  muchos personajes .Es en rigor, un retrato colectivo o de corporación .Sus recursos técnicos son igualmente seiscientas , recogido de la pintura interior holandesa..

Esta influencia también había sido aprovechada por Sorolla en su Retrato del doctor Simarro ,en el que utilizaba un solo foco de luz rtificial, a diferencia de éste,donde la luz solar penetra por los ventanucos y baña toda la escena. Esta influencia holandesa se tamiza a través de lo velazqueño y el empleo de la perspectiva aérea, que propicía la profundidad a través de los sucesivos planos de luces y sombras y el uso de líneas diagonales.


Mercedes Tamara
28 diciembre 2011


Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

lunes, 26 de diciembre de 2011

THÉRÈSE BERARD DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

THÉRÈSE BERARD 1879

THÉRÈSE BERARD
óleo sobre lienzo 55,9 x 46,8 cm
Colección Sterling Clark





En 1879 , PAUL BERARD, un banquero protestante, mecenas y amigo intimo de Renoir , invita a su castillo a Wagemont , al noreste de Dieppe. Renoir retrata a Thérèse , la nieta del anfitrión . El cuadro es uno de los numerosos retratos de vástagos de la familia realizados por el artista .


En este cuadro Thérèse , de trece años , con su larga melena suelta sobre los hombros , desvía la mirada con una actitud recatada y de algún  modo melancólica . Renoir dedica mucha atención no sólo a los ojos , que miran hacía abajo , sino  también al elaborado cuello de encaje que adorna el vestido de la joven .


Parece que ese atuendo, típico de los niños de campo , no gustaba a la  modelo, la cual, según la tradición familiar, no se encariñó demasiado con su retrato justamente a causa de su vestido. Renoir , por su parte, no sólo hizo lo posible  por representar a la perfección las características de la indumentaria, sino que también y utilizó el  color como punto de partida para las tonalidades violáceas más oscuras del fondo , creando una  orquestación de azules y violetas.


A pesar del uso audaz de una limitada gama de colores , Thérèse Berard es, de algún modo convencional en la pose y en la expresión . El mismo Renoir observaba que en un retrato " es necesario que una madre reconozca a  su hija ". También se puede avanzar la hipótesis de que el artista quisiera reducir al mínimo cualquier  experimento para secundar los gustos de los nuevos mecenas.


En efecto, a diferencia de su habitual método de trabajo , antes de comenzar a pintar dibujó con lápiz la figura sobre la tela ya preparada, para luego poder aplicar el color en capas  finas que reemplazan la densa pincelada que conocemos , quizás el intento de crear un parecido mayor y una superficie pictórica más adecuada al gusto de quienes le habían encargado la obra.

Mercedes Tamara


26 diciembre 2011



Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

sábado, 24 de diciembre de 2011

HOTEL PLAZA, NUEVA YORK DE JOAQUIM SOROLLA

HOTEL PLAZA, NUEVA YORK 1911


Hotel Plaza
Gouache sobre cartón 44,4 x 21,7 cm
The Hispanic Society of América
Nueva York








Los apuntes suelen mostrar ese hechizo sugerente que  tiene el simple toque del pincel ,dado con acierto, y que generalmente se pierde en la obra grande . Pero es que la pintura de Sorolla es siempre espontánea y sincera : no fuerza la originalidad , y en sus temas , cualquiera  que sea el tamaño , nada hay preconcebido, sino visto y recreado con la verdad del que, situado ante un natural, se va llenando de emociones que traduce en matices , sin que la tentación de lo efectista le haga perder la solidez.


En estos pequeños goaches , el maestro utiliza soluciones muy nuevas que no se había permitido con anterioridad nada más que en pequeños bosquejos y bocetos, donde se podía expresar  de una manera más libre que en los grandes  lienzos .

Lleva a cabo aquí un salto cualitativo que define una forma de pintar y la creación  de espacios totalmente distintos. En este nuevo espacio las proporciones que se expresan más, en relación de luz y color, que de tamaño u distancia . Intenta conseguir nuevas gamas y timbres interpelando notas disonantes, rompiendo la linea melódica del color . Suscita así en la superficie pintada oscilaciones y vibraciones dinámicas que se transmiten al espectador ; parece que el cuadro es considerado más como una realidad autónoma y viviente , que como una mera representación.


ENTRADA A CENTRAL PARK 1911
Guache sobre papel 30,5x 43,5 cm
Museo Sorolla, Madrid




Hay una deformación expresiva del espacio Con la fuerza mágica de su técnica ha obligado a la ciudad a identificarse con un único fragmento de su realidad : un tejido denso animado , rico, vibrante de notas sobre una superficie . Pinta con pequeños toques que dejan sobre la tela , cada uno, una nota cromática .

El espacio del cuadro no es la proyección de una perspectiva del espacio real , sino que tiene exactamente la extensión y profundidad definida  por la gama brillantes de colores. Eliminando todas las barreras, el objetivo es manifestar una sensación visual con  absoluta inmediatez , con una técnica rápida y de toque . Parece que se ha fijado únicamente en la armonía de las notas de color, sin preguntarse realmente a qué objeto o realidad pertenecen.




Nieve en el Central Park de Nueva York
Gouache sobre papel 35,5x 70,5 cm
Museo Sorolla, Madrid



No necesita de la casualidad , ni espera la mancha para aprovechar la sugerencia de los primeros trazos . Su temperamento y su seguridad es tal que parece que loarrolla todo, pero esta facilidad de una traducción instantánea de lo que la pupila ve, sólo le es dado a unos pocos que  parece desafiar lo que se espera de ellos.


Así y a diferencia de sus más convencionales cuadros de playa, representa la luz -en un día invernal-y en un paraje realmente opuesto al que suele frecuentar- a través de las capas de nubes o de la niebla , que adquieren el carácter de estructuras casi abstractas ,formadas por manchas, estrías y remolinos de color .


Mercedes Tamara 


24 diciembre 2011



Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa











jueves, 22 de diciembre de 2011

RETRATO DE MADAME MONET ( MADAME MONET LEYENDO ) PIERRE AUGUSTE RENOIR

RETRATO DE MADAME MONET ( MADAME MONET LEYENDO  1874


Retrato de Madame Monet ( Madame Monet leyendo )
óleo sobre lienzo 61,6 x 50,3 cm
Coleccióm Sterling Clark

RENOIR pintó este retrato de Camille , la primera esposa de Monet , mientras era huésped en su casade Argenteuil , a algo más de diez kilómetros de París, lugar que visitó varias veces en los años setenta. Los tres abanicos japoneses uchiwa que vemos en la pared podrían ser un regalo del propio Renoir , dado que se estilaba ofrecertres abanicos cuando alguien entraba en casa.


Aunque se trata aparentemente de un retrato ( se tituló Retrato de Madame M , cuando se expuso por primera vez en 1904 ) la pintura en realidad se articula más bien como una  escena de género- el observador tiene una gran dificultad en reconocer los rasgos de Camille, inmersa en una mirada de manchas de color - o bien como un experimento de fragmentariedad en el pasaje del color sumado a un audaz esquema compositivo.


El artista parece extraviarse entre los motivos intrincados del sofá , combinado con la rica tela de caftán turco de la mujer retratada. El azul del vestido hace resaltar la figura , creando al mismo tiempo una relación visual con la pared de detrás , mientras los paneles frontales del  caftán tienen resonancia de rosas y los verdes  del revestimiento del sofá. Pequeñas manchas  de color enriquecen la superficie de la pintura con un elemento matérico y confieren una mayor
intensidad a la que, de otro modo, habría sido una común escena cotidiana.


No se sabe mucho de Camille , que al parecer  fue una mujer tranquila y modesta que prefería mantenerse a la sombra de su marido. Su rostro es conocido gracias a su frecuente presencia en las pinturas de Monet y de su círculo de amigos. El mismo Renoir la retrató en diferentes ocasiones,en al menos dos de ellas con el mismo caftán azul del cuadro de la colección Clark.


Sin embargo, en este caso el pintor no se ocupa de describir con exactitud los rasgos de la expresión,sino que parece más bien interesado en crear laimagen genérica de una mujer que está leyendo.


Este tema podría resultar irritante para aquellos observadores de la época que, viendo la naturaleza " impresionable " de las mujeres , consideraban una amenaza al creciente éxito de la narrativa destinada al público femenino. Si bien Retrato  de Madame Monet no proporciona ningún  elemento para una interpretación explicítamente ligada a este debate , la imagen de una mujer concentrada en la lectura debía de tener algo marcadamente moderno para el público de  fines del siglo XIX.


Mercedes Tamara 
22 diciembre 2011

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado


sábado, 17 de diciembre de 2011

RETRATO DE PÈRE TANGUY DE VICENT VAN GOGH

RETRATO DE PÈRE TANGUY 1887


Retrato de Père Tanguy
óleo sobre lienzo 92 x 75 cm
París , Musée Rodin






Van Gogh retrató a su amigo el comerciante de pintura Julien Tanguy , a quien los artistas  impresionistas llamaban" Pere Tanguy " , en tres versiones distintas. Este. el último retrato , es de invierno de 1887/88. Tanguy era una institución importante tanto para los artistas de Barbizon como para los impresionistas: ofrecía a pintores que no disponían de medios la  única posibilidad de conseguir los materiales necesarios, pues estaba dispuesto a cambiar sus cuadros por pintura y lienzos.




 De este modo se convirtió en el primer coleccionista de las obras de Cézanne . Su comercio se convirtió en  un punto de encuentro entre los pintores: " Es un hombre bueno y gracioso ; pienso frecuentemente en él " escribió Van Gogh a su hermano desde Arles : " No te olvides de saludarle de mi parte ...Dile que si  necesita cuadros para los escaparates le puedo enviar algunos desde aquí : los mejores ". Tanguy tenía un  buen número de las más maravillosas obras de Van Gogh en depósito en su tienda.




Durante toda su actividad artística desde 1882 hasta que se suicidó en 1890 , Van Gogh trabajó con un" amor sensual por los materiales " y un énfasis existencial de los que carecían sus predecesores impresionistas . Mientras que Cézanne, Seurat y Pissarro ralentizaron el proceso pictórico en la década de 1880, Van Gogh lo aceleró y creó una obra increiblemente amplia en tan solo unos años . " Pues solo siento la vida si trabajo como 
un salvaje".


Esta pintura tupida, espontánea, inmediata da a su obra un aspecto fuertemente impresionista . Van Gogh compuso frontalmente a  Père Tanguy , quien aparece sentado, con las manos entrelazadas, una pose que conoce de los retratos de Rembrandt. La pared que se ve tras Père Tanguy está cubierta de estampas japonesas, que Van Gogh había comprado por poco dinero a un especialista japonés en París. Una representación del monte Fuji ( Fujiyama ) cuelga, en otros de los retratos de Père Tanguy realizados por Van Gogh , directamente tras la cabeza del retratado. El monte parece una  traducción plástica de la figura y personalidad de Tanguy , y  sobre todo de su dignidad y humanidad.


El pintor Émile Bernard era íntimo amigo de Van Gogh y Gauguin Van Gogh soñaba con una comunidad de artistas formada por esos amigos en su casa de Arles . Los dos Van Gogh y Bernard trabajaron en sus retratos de Père Tanguy con el método divisionista de los neoimpresionistas : colocan puntos o lineas muy juntos unos  al lado de los otros y descomponen los colores locales en valores  cromáticos individuales. Los dos artistas situaron a su modelo  delante de una pared y eligieron espacio plano similar al que tanto admiraban en las estampas japonesas.


A pesar de que Bernard se acerca mucho más a Julien Tanguy .el retrato de Van Gogh es más intenso y reconfortable Y de hecho ha conseguido -partiendo del color-representar la realidad " más intensamente ".


Mercedes Tamara 
17 diciembre 2011


Bibliografía : Vicent Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo

jueves, 15 de diciembre de 2011

MUCHACHA DORMIDA DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

MUCHACHA DORMIDA 1880

Muchacha dormida
Óleo sobre lienzo 120 x 91,9 cm
Colección Sterling Clark





Esta pintura se expuso por primera vez en el  Salón de 1880 , donde recibió críticas negativas porque había sido instalada en un espacio cuya  mala iluminación la perjudicaba. En 1882 , el  marchante de arte de Renoir , Paul- Duran-Ruel. la exhibió en la séptima exposición de los impresionistas . Aunque no conquistó nunca el reconocimiento crítico que el pintor esperaba,la tela se convirtió en la joya del petit salón de su residencia particular y la reprodujo en la  portada del catálogo de una importante retrospectiva del pintor organizada en 1892.


La modelo del cuadro se ha idemtificado como Angèle , una chica del barrio parisino de Montmatre  famosa por sus numerosos amantes, su vida desordenada y vocabulario subido de tono. Aquí aparece representada mientras duerme en un sillón rojo, atavíada con un vestido azul,medias a rayas de campesina y una camisola que le deja un hombro al descubierto. Mientras que el vestido y las medias son indumentos típicos de la clase proletaria , el sombrero con plumas y el sillón con ruedas , característicos de la pequeña burguesía, son obviamente objetos del artista. Las alusiones eróticas que impregnan el lienzo- la pose desembarazada de la modelo, el hombro descubierto, el gato en el regazo- no pasarán inadvertidas a críticos y caricaturistas, que  ironizaron sobre la pintura.


Según algunos Renoir quiso simplemente fijar en el lienzo la imagen de la modelo exhausta , después de una noche agitada , y estas hipótesis es avalada por algunas fotografías  de rayos X , que revelan  que originalmente había una botella de vino cerca  de la pierna derecha de la joven. También es verdad que una muchacha retratada en una pose informal se había convertido en un género pictórico , ya que era un motivo más humano y natural, si bien aquí  el papel del artista y del observador es más de voyeur que estético.


Un examen más atento revela la complejidad del proceso que se llevó a la composición final. Algunos  indicios muestran que en el fondo , ahora indefinido, era originariamente un espacio más caracterizado, quizá con una puerta a la izquierda. El cambio más significativo se evidencia en el sillón, que según  las intenciones iniciales del pintor era más ancho y probablemente de mimbre .De todos modos, Renoir logró dar vida a una imagen con una presencia bien definida y vigorosa: las tonalidades contrastadas de azul y rojo están articuladas en pinceladas  ágiles : la camisola blanca , realizada con un empaste aplicado libremente para intensificar el contraste  con los tonos de la piel


Mercedes Tamara 


15 diciembre 2011

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado



viernes, 9 de diciembre de 2011

TORMENTA SOBRE PEÑALARA , SEGOVIA DE JOAQUIM SOROLLA

TORMENTA SOBRE PEÑALARA , SEGOVIA  1906


TORMENTA SOBRE PEÑALARA SEGOVIA
óleo sobre lienzo 62 x 93 cm
Museo Sorolla Madrid





En este caso nos ofrece un panorama atípico y sorprendente del paisaje castellano que se aleja, tanto de la visión mantenida por los pintores adscritos a la Generación del 98,como  el propio formulismo tan  luminoso de Sorolla, situándosea las puertas de una pintura totalmente nueva y moderna.




Refleja la libertad con la que interpreta sus particulares impresiones del paisaje , y siempre ansioso por captar  nuevas realidades. Combina diversos tipos de  pincelada, una más suelta y desflecada para las masas nubosas- con toques largos de color puro en el cielo -y otra más apretada y densa para la tierra; en este ritmo cambiante destaca la libertad cromática de la ladera amarilla del primer término.




Alrededores de Segovia 1906
óleo sobre lienzo 62,5x 93,5 cm
Museo Sorolla , Madrid



Todo el cuadro está pintado en  tonalidades y colores, que, a primera vista , pueden parecer extraños e irreales; impresión que queda desmentida tras una mirada más atenta. Es una fórmula que luego utilizará también para algunas de sus otras panorámicas de Sierra Nevada , dispone el paisaje en tres franjas, que difieren entre si por el forma, colorido y textura.


Cada una de ellas sugieren poseer independencia y parecen tener  vida propia. En todas se observa un movimiento, un dinamismo que va, in crescendo, desde la suave ondulacion del primer plano, hasta la velocísima y vertiginosa zona superior, con un cielo cambiante de luces y sombras características del fenómeno metereológico descrito.


Mercedes Tamara


9 diciembre 2011


Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa











SEMBRADOR A LA PUESTA DEL SOL DE VICENT VAN GOGH

SEMBRADOR A LA PUESTA DEL SOL  1888

Sembrador a la puesta del sol
óleo sobre lienzo 64 x 65 cm
Museo Kröller Muller




 Las imágenes de temas campesinos se hallaron en el centro de los intereses de Van Gogh durantecasi toda su carrera. En su juventud había trabajado como encargado en diversas filiales de Goupil , una  galería de arte especializada en paisajes de pintura francesa y holandesa del S- XIX y en venta de reproducciones de obras de arte.

De este modo pudo familiarizarse con las obras de Millet , el que más y mejor que ninguno había celebrado la vida campestre y sus ritmos transformando visiblemente las labores del campo en un momento  de comunicación entre el hombre y la naturaleza .

El artista figuró siempre entre sus pintores favoritos y en diversas ocasiones Van Gogh se inspiró en obras suyas , copiándolas, variándolas  y rehaciéndolas . El sembrador , en especial , era una de sus obras favoritas , también por el poder valerosamente  simbólico del hombre solo en medio de la naturaleza y de su gesto portador de vida.

El cuadro fue pintado en Provenza donde el artista había ido en busca de una luz más fuerte y de tonos más vivos : el sur representaba en su imaginación una especie de paraíso incontaminado . Dominan en el lienzo dos tonos complementarios : el violeta del campo y de la figura en contraposición con el amarillo del cielo y las espigas . Las ropas del sembrador son de los mismos colores que la naturaleza que le rodea en una simple identificación. Sin embargo, no está en el cuadro : ocupado por la visión de la esfera del sol, casi cegadora . La dirección de las pinceladas simulan los rayos y también el campo sigue una dirección  circular , como si el astro se liberase una fuerza 
benéfica, vivificante que todo lo invade.

Mercedes Tamara 
9 diciembre 2011


Bibliografia : Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo

MARCELLE DE TOULOUSSE LAUTREC

MARCELLE 1894


MARCELLE
óleo sobre cartón
48 x 34 cm
Museo de Toulousse Lautrec







A comienzos de la década de 1890 Toulousse Lautrec multiplica sus visitas a los prostíbulos,  de los que es tanto cliente como observador, aunando, como era su costumbre , los diferentes episodios de su vida y de su arte . No se interesa tanto por el intercambio entre el hombre y la prostituta como por las propias pupilas  de las que se capta las actitudes y la  vida cotidiana con una mirada que no pretende ser moralizadora , sino observadora.


Lautrec bosqueja del natural con lápiz azul en las hojas de un cuaderno los rostros de las prostitutas que luego retoma en sus pinturas , a modo de repertorio del que pueda abastecerse. Se trata de un retrato casi fotográfico, con un enfoque cerrado; la chica está representada de perfil , de busto, estática , probablemente sentada frente a una cama apenas evocada por un paño azulado .


Su mirada está dirigida hacía delante a un punto fuera del campo del cuadro , procedimiento de que el artista emplea con frecuencia y que otorga al personaje un aspecto natural , pero que a la vez lo distancia del espectador .  La silueta está rodeada de un trazo azul seguro y preciso ; la piel  aparece plasmada en pinceladas largas y densas, mientras que la camisa , abierta con despreocupación , está representada mediante anchos toques de blanco . Lautrec centra su atención en el rostro, en el trazado preciso de la boca , de la nariz y de la ceja, indicadas con firmeza ; en el moño  representado mediante plumeados cruzados del mismo azul cobalto ; y subraya el contorno de la cabeza con un verde diluido que forma como un aura , procedimiento al que recurre con frecuencia.


La linea predominantemente rápida y flexible , modela las formas con elegante maestría . La figura destaca sobre un fondo del que se excluye todo decorado , con el cartón ofreciendo un valor de color sobre el que se recorta únicamente el perfil de la modelo en una factura libre que sintetiza verdad y semejanza.





Mercedes Tamara 
9 diciembre 2011




Bibliografía : Toulousse -Lautrec , Edit Biblioteca El Mundo

EN LA TERRAZA DE SEVRES DE MARIE BRACQUEMOND

EN LA TERRAZA DE SÈVRES 1880

En la terraza de Sévres
Óleo sobre lienzo 88 x 115 cm
Ginebra , Asociation des Amis du Petit Palais



Nacida según los historiadores entre1840 y 1841 con el nombre de Marie Quivoron, Marie Bracquemond es el fruto de un matrimonio concertado e infeliz . Su padre, un capitán de marina , fallece poco después de su nacimiento y su madre vuelve a casarse con un tal M.Pasqiou , que arrastra a la pequeña familia al Jura , a Suiza , a Auvernia y a Etampes antes de establecerse en Sèvres, donde permanecerá hasta el final de su vida.




Toma sus primeras clases de pintura con un maestro llamado Wasser, lecciones que  le permiten ser aceptada en el Salón de 1857 Entonces conoce a Dominiue Ingres ( 1780-1867 ) que la incluye entre sus alumnos , entre  los que destacan Hyppolyte Flandrin ( 1809-1864 ) y  Émile Signol ( 1804-1892 ) Esta enseñanza informal será decisiva para el resto de su carrera artística :pronto recibe un encargo de la emperatriz Eugenia de realizar una pintura en la que se represente a Cervantes en prisión y es invitada por el conde de Nieuwerkerke a realizar copias en el Musée du Louvre. 




Philippe Burty , por su parte, la incluye entre los  " alumnos más inteligentes de Ingres " Es durante  una de esas sesiones de copia cuando repara en ella el pintor Felix Bracquemond ( 1833-1914 ) , que se  convertirá en su marido en 1869, a pesar de la oposición de su madre .Felix y Marie trabajan juntos en el estudio Haviland en Auteil . Ella diseña un servicio de mesa que será presentado en la Exposición Universal de París de 1878. Participa sobre todo en las exposiciones colectivas de los pintores impresionistas de 1879 ,1880 y 1886 y en esa época  muchos de sus dibujos se publican en La Vie Moderne.


El contacto asiduo de los pintores  impresionistas hace que su estilo cambie definitivamente y a partir de 1887 , abandona el trabajo de taller para pintar al " aire libre " como confirma En la terraza de Sévres .




Los elementos característicos de la pintura impresionista abundan en esta obra : el encuadre cerrado, muy cerca de los personajes y la impresión de instantánea fotográfica que sorprende a los protagonistas casi de espaldas : ya  están presentes en la Famelie Bellevi (1861 ) ( París, Musée d´Orsay ) de Edgar Degas ( 1834-1917 ) . El rechazo de la teatralidad académica y la voluntad de  captar el momento se convierte en los elementos centrales de la representación de la realidad . Del mismo modo, los trazos barren , se cruzan, a veces se disuelven como en las obras más sensibles de Alfred Sisley ( 1839-1899 ) .
 




Mercedes Tamara
9 diciembre 2011



Bibliografía : El Impresionismo Edic Taschen

jueves, 8 de diciembre de 2011

SANTA CRISTINA EN LLORET DE MAR DE JOAQUIM SOROLLA

SANTA CRISTINA EN LLORET DE MAR  1915

SANTA CRISTINA EN LLORET DE MAR
óleo sobre lienzo 70 x 100 cm
Museo Sorolla , Madrid


Joaquim Sorolla dedicó varios cuadros a paisajes y costumbres que existen por algunas zonas de la geografia española . En la pintura Santa Cristina en LLoret de Mar , muestra unos picos mediterráneos que recortan su silueta contra el mar desde una colina cercana . Además de un precioso paisaje con valor por si mismo, conduce a la vinculación de Sorolla con artistas europeos, en este caso con Paul Cézanne .

La solidaridad superficial entre los tonos , las ramas, las rocas y el mar semeja un telón de fondo que pone término a un escenario. recurso velazqueño que se coloca en una órbita de pensamiento plástico/ en este  caso hay que evitar hablar de influencias/ parecido a determinados experimentos de Cézanne en varios de entre las docenas de cuadros que pintó con un protagonismo principal de los árboles , muchas veces también pìnos mediterráneos .

Hay proximidad a esos planteamientos en el lienzo de Sorolla, como también podría relacionarse con Cézanne  la resolución de la copa de pinos a base de pinceladas muy expresivas .

La vinculación de los paisajes sorollescos con distintas actitudes de pintores europeos puede rastrearse en mucha de las obras  del valenciano -como veremos al analizar otras pinturas `paisajísticas de Sorolla

Mercedes Tamara 

8 diciembre 2011

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa


CASTAÑOS Y FACTORIA EN EL JAS DE BOUFFAN CÉZANNE

 CASTAÑOS Y FACTORIA EN EL JAS DE BOUFFAN
CASTAÑOS Y FACTORIA EN EL JAS DE  BOFFAN
Óleo sobre lienzo 92x 73 cm
Pasadena Norton Simon Museum

  

Encerrado en una profunda soledad , rodeado sólo de afecto de sus familiares y de unos pocos amigos , el pintor gusta de pasar el tiempo en los alrededores de Jas de Bouffau , su querida residencia familiar,con sus paseos de castaños y sus estanques de  piedra llenos de agua.



Sus parajes quebrados , sus rincones y amenos formados por el armónico encuentro de arquitectura y vegetación lo cautivan y en  los años ochenta se convierten en uno de los temas favoritos de indagación , sobre el cual, en calma y concentración , trabaja con más insistencia. Pinta la finca paterna de verano y de invierno, se deleita en la relación entre las geometrías nítidas de los edificios y las densas hileras de árboles , en la búsqueda de nuevas y sutiles armonías.

Una atmófera silenciosa y absorta emana de este panorama estival y soleado de los castaños y la factoría de Jas de Boffan , realizada alrededor de 1884 Cézanne elige el formato vertical y encuadra los edificios utilizando como bambalinas dos gruesos castaños que, con su exhuberante follaje , proyectan una sombra densa en el  primer término. La mirada puede alejarse así por el prado iluminado por el sol y llegar después a la factoría que, con su disposición regular y geométrica , es fácilmente traducida por Cézanne en una sencilla  y lineal superposición de paralepípedos que el sol ilumina con fuerza acentuando su abstracta reguleridad. El equilibrio entre curvas y rectas, entre las masas compactas y los blandos efectos del follaje logra aquí resultados de perfección absoluta.


Mercedes Tamara 
8 diciembre 2011


Bibliografía : Paul Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo

IRIS DE VICENT VAN GOGH



IRIS 1889 

IRIS
óleo sobre lienzo 51x 73 cm 
Los Angeles , The Paul J. Getty Museuma



A los iris que había en el manicomio de Sant Rèmy dedicó Van Gogh varios lienzos que se encuentran entre los más bellos de su producción . El artista ha encuadrado las plantas en un  primerísimo plano , situándose casi a nivel del suelo y eliminando el horizonte . Resulta una visión extremadamente concentrada y el observador se siente literalmente inmerso en la representación.

Aunque a primera vista la pintura resulte caótica, el artista ha organizado con atención masas y colores . La parte llena de la derecha ocupada por los iris , es compensada por la zona del terreno desnudo del lado opuesto, cuyo color rojizo se  repite además en las flores del segundo plano. Además la breve franja del prado , arriba a la izquierda , es un segundo momento de " vacío " que introduce un ulterior movimiento de equilibrio.

El espacio de lienzo está atravesado diagonalmente por los iris y domina la obra la refinada yuxtaposición del verde luminoso de las hojas lanceadas y el violeta intenso de la flores.

La representación de las plantas cobra un notable  valor ornamental y Vicent recurre, como ya había hecho en otras ocasiones , al expediente de llenar toda la superficie del cuadro , cuyo margen corta una parte de los elementos pintados que se salen del plano de la obra .

Mercedes Tamara 
8 diciembre 2011


Bibliografía : Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo