LA CASA DE BELLEVUE DE PAUL CÉZANNE

LA CASA DE BELLEVUE 1890

La casa de Bellevue
óleo sobre lienzo 60 x 73 cm
Ginebra , Musée d´Art et d´Historie

Alrededor de 1885 , Maxim Conill que se había casado en 1881 con Rose Cézanne , hermana del pintor, adquiere la propiedad de Bellevue , cerca de Aix . Las frecuentes visitas a Rose  ofrecen al artista ocasión de encontrar nuevos motivos de indagación: la propiedad de Conill,   compuesta de cuerpos arquitectónicos de diversas alturas , tiene una especie de afinidad con  la mirada analítica de Cézanne , que estudia atentamente su articulado despliegue en el espacio.

Dedica purísimas vistas al palomar, que se presenta a sus ojos en formas simplificadas y lineales; en el cuadro de Ginebra se centra en todo el conjunto , deteniéndose en el apretado  juego de volúmenes . El pintor mira Bellevue desde abajo, siguiendo la profunda diagonal  del camino que conduce a las casas , subrayada por la hilera regular de árboles en segundo  plano . Muros y cuerpos de edificio se suceden ordenadamente mostrándose al sol y captando  con decisión la luz fuerte y difusa de Provenza . 

Un vivo deseo de armonía y orden domina la escena , que revela el trabajo lento y meticuloso   del pintor; éste procede a base de pinceladas `pequeñas , en una rica gama de verdes, arillos,  ocres, marrones, azules , con detenida concentración . Si bien el cuadro da una impresión de   plena compenetración entre arquitectura y naturaleza . Cézanne insiste en la diferencia entre    piedra y vegetación , tratando los dos elementos de manera distinta. Si su trazo es regular y   candencioso en los edificios, cuando se detiene en la vegetación , por el contrario, adquiere     una particular fuerza de movimiento merced a la dirección más quebrada e irregular de la   pincelada

Mercedes Tamara 

31 julio 2012

Bibliografía : Paul Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo

LA PLAYA DE SAINTE-ADRESSE CLAUDE MONET

LA PLAYA DE SAINTE-ADRESSE 1867

La playa de Sainte- Adresse
óleo sobre lienzo 75x 101 cm
Chicago, The Art Institute

Monet se traslada a Sainte-Adresse en el otoño de 1866 porque, a causa de las deudas contraidas se ve forzado a dejar Ville d´Avray . En la playa de Saint-Avray pinta varias marinas inspiradas en el estilo de su maestro Boudin . De éste había aprendido la técnica de trazar bocetos directamente del asunto y luego reelaborarlos en el estudio .

 En comparación con las vistas de su primer maestro , las de Monet son más frescas y espontáneas . No se atiene, como a menudo hace Boudin , a los cánones de la vista  tradicional, basados en estilemas dieciochescos que prescribían tonos amarillentos  apagados y puntos de vista frontales y estáticos . Monet empieza a ver y a utilizar colores que se aproximan lo más posible a los del asunto representado , valiéndose de una fractura a base de pequeñas pinceladas mórbidas y casi palpables.

Esta obra es un ejemplo de la técnica que el pintor utiliza en estos años. La linea que define el limite entre la playa y el mar está ligeramente escorzada . Dos barcas descansan en la orilla y tres pequeñas figuras de hombres rodean otra embarcación que está más alejada del borde del agua . Algunas velas surcan las aguas a lo lejos . En la parte opuesta de la ensenada se ve un paisaje sobre el cual se yergue el campanario de una iglesia .


El cielo , totalmente cubierto de nubes blanco-azuladas , ocupa más de la mitad del campo visual representado. En general, la marina está resuelta con una precisión en la representación de los detalles que`poco después será abandonada para siempre por Monet.

Mercedes Tamara 

30 julio 2012

Bibliografia : Claude Monet, Edit Biblioteca El Mundo

GRUPA VALENCIANA DE JOAQUIM SOROLLA

GRUPA VALENCIANA 1906

Grupa valenciana
óleo sobre lienzo 200 x 185 cm
Museo de Bellas Artes , Valencia 

Estas dos obras fueron presentadas en la exposición de la galeria Georges Petit de París el 11 de junio de 1906 . Con ellas el pintor consiguió grandes beneficios , siendo la mejor pagada de la exposición . La primera fue adquirida por el Conde de Heeren por 25.000 francos y la segunda -considerada por Sorolla como una de sus mejores obras - por Pedro Gil Moreno de Mora en 10.000 francos.

Se trata en ambos lienzos de una de las primeras manifestaciones del retrato al aire libre iniciado dentro de su producción en 1904 , con la representación de su mujer-Clotilde-en la playa . Como siempre ocurre cuando afronta este género a Plein air , el pintor se detiene , sobre todo, en el entramado de luces y sombras, en los efectos de los rayos solares que se filtraron a través del follaje . Son seductoras impresiones e imágenes  de su querida familia , rodeada de la belleza de la naturaleza de su tierra valenciana.

Del cuadro Grupa valenciana existen dos versiones , una pintada en 1906 - la que aquí se presenta - y otra posterior , de 1908 , que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Barcelona. Es la perfecta disculpa para presentar el retrato de sus dos hijas Maria  Clotilde y Elena , montadas sobre un caballo pardo y bellamente enjaezado . Ambas portan ricos vestidos y trajes de varón , lleva las riendas , mientras María , detrás y a la grupa , luce un maravilloso atuendo de labradora valenciana.

En 1871 el Ayuntamiento de Valencia había creado la Feria de julio-en imitación a la de abril sevillana-potenciando así las costumbres y el traje regional valenciano que, utilizado por la burguesía del momento, se enriquece con bellas telas y joyas . Sorolla recoge en  este lienzo una costumbre que se hizo muy común a finales del siglo XIX : el paseo de  parejas a caballo en la Feria.

El hecho de que este tema fuera tan representativo de la comunidad valenciana , fue lo que convenció posteriormente al artista para incluirlo -ya en 1915- en uno de los paneles de la decoración Las Provincias de España con destino a la Hispanic Society of America de  Nueva York. Con el título Las grupas . Valencia, llevó a cabo la misma composición - para la que estos dos lienzos le sirvieron como estudio preparatorio.

Maria vestida de labradora valenciana 1906
óleo sobre lienzo 189 x 95 cm
Colección particular

La otra versión del retrato al aire libre es la de su hija María con el traje de labradora valenciana . Curiosamente en este utiliza una pincelada que podemos calificar casi de postimpresionista- pequeños toques de colores preferiblemente puros y de fuerte  luminosidad , aplicados con gran soltura unos junto a otros-A pesar de que Sorolla  rechazaba la descomposición -más o menos científica - de la apariencia de los colores del espectro solar, el lienzo está cubierto por un espeso entramado de trazos breves de colores , a veces claros-tenues y frágiles - a veces brillantes - pastosos y grasos.

Sin embargo y a pesar de su modernidad , Sorolla seguía preservando a los medios tradicionales de representación . Aunque aclaró decisivamente su coloración y dio  mayor soltura  a su empaste , no llegó nunca a una descomposición de los pigmentos que disolviera la plasticidad de los cuerpos representados o afectara al exacto dibujo de las cosas.

El cuadro contiene una auténtica inundación de flores y arbustos floridos que subrayan su aspecto decorativo , en el ambiente de un jardín con cambiantes efectos de luz y  sombra

Mercedes Tamara 

28 julio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

UN BAR EN EL FOLIES-BERGÈRE DE EDUARD MANET

UN BAR EN EL FOLIES-BERGÈRE 1881-1882

Un bar en el Folies- Bergére
óleo sobre lienzo 96x 130 cm
Londres, Courtauld Institute Galleries

Se trata del último cuadro importante del pintor , desde siempre considerado como su testamento; es testimonio de la evolución y, al mismo tiempo , de la extrema coherencia de su desarrollo artístico . En el cuadro se ven muchos componentes característicos de  toda la trayectoria creativa de Manet : la ambientación parisina, la tranche de vie moderna,una composición calibrada , el uso del negro , una extraordinaria naturaleza muerta.

 La obra, sin embargo, hace alarde de una sutileza psicológica raras veces alcanzada por el artista , unida a una factura de gran equilibrio , entretejida de ecos impresionistas , que replantea de forma personal.

Manet se basa una vez más en la ubicación del observador dentro del espacio pictórico, pero entabla esta vez un diálogo especialmente sutil entre quien mira y quien es mirado.A primera vista tenemos la impresión de estar ante una escena convencional , en la que la camarera absorta y melancólica, mira hacía nosotros sin vernos , y más allá de la cual podemos pasear la mirada por la clientela del atestado local . Si observamos con más atención , sin embargo, percibimos el detalle de la derecha y nos damos cuenta de que todo lo que se ve detrás de la joven en realidad se refleja en el espejo. La relación espacial se complica así de manera imprevisible y el cliente con sombrero de copa alque se dirige la camarera, coincide con el propio observador.

Como ya sucedía en la obra maestra de venerado Velázquez Las meninas , la realidad no es la que parece: la actitud que parecía solicita si se miraba de espaldas a la muchacha de espaldas en realidad no existe. El Folies Bergère , café concierto muy en boga en la época de París , frecuentado por una variada humanidad y punto de encuentro por excelencia , se transforma así en un lugar de ausencia y soledad.

Mercedes Tamara

26 julio 2012

Bibliografía Edouard Manet, Edit Biblioteca El Mundo

DALIAS DE BERTHE MORISOT

DALIAS 1876

Dalias
óleo sobre lienzo 45,7 x 55,9 cm
Colección privada

DALIAS es uno de los pocos bodegones pintados por Morisot en la década de 1870 , un período en el que conquistó estima por las representaciones íntimas de la vida familiar femenina . Su recelo para afrontar temas de naturalezas muertas podría haberse originado en una resistencia a la idea tradicional de una mujer artista , de la que se espera que produzca pinturas de flores , frutas y objetos decorativos.

En este caso, Morisot podría haberse inspirado en la experiencia de bodegones con su cuñado Eduard Manet o en las pinturas de flores de Monet y Renoir .Dalias evidencia su técnica pictórica y su deseo de subvertir las convenciones de este tipo de escenas. La artista coloca el amplio recipiente de cerámica , como una sopera, levemente a la izquierda de la composición . Con un punto de vista ligeramente elevado por encima del plano de la mesa , ésta y el florero parecen estar algo desproporcionados , lo que confiere a la pintura un sutil dinamismo . El jarrón domina la composición hasta el punto de que las flores alcanzan la parte superior y casi se sale del cuadro.

Morisot subraya este hecho pintando el florero con capas intensas y abundantes de blanco , capturando la atención del espectador y creando el efecto del reflejo de la luz solar . La colocación asimétrica del recipiente se refleja en la distribución de los objetos secundarios : una forma indistinta abajo a la izquierda parece un abanico,que yace sin un motivo aparente , mientras un pequeño retrato en un marco oval está casi escondido detrás de las flores , en la parte superior derecha . La sensación del conjunto es de suspensión y tentador desafío , característica de muchas de las escenas domésticas de Morisot: ¿ qué es lo que podríamos encontrar si tuviéramos la llave  para abrir el cajón de la parte baja , cuya cerradura nos atrae irresistblemente ?

Morisot nunca expuso Dalias y no firmó la tela. Sin embargo , la obra fue elegida por Monet , Renoir y Degas para la exposición en memoria de Morisot , prematuramente fallecida en 1895. Mallarmé , en especial, elogió la habilidad de la artista como pintora de bodegones, afirmando que le gustaría que se expusieran otros ejemplos de este  tipo realizados al final de su trayectoria creativa

Mercedes Tamara 

25 julio 2012

Bibliografía : " Gran Atlas del Impresionismo " Edic Electa
                         " El Impresionismo " Edic Taschen

LAS MODELOS DE JACQUES SEURAT

LAS MODELOS 1886-1888

óleo sobre tela 200 x 250 cm
Merlon, ( Penn ) Barnes Foundation

El cuadro reproduce a la misma modelo, desnuda y en tres poses diferentes . Para Paul Adams es la misma escena que aparece en el perfil de la Grande Jatte . La escena se desarrolla en el estudio del Boulevard Clichy . En la pared de la derecha hay cuatro estudios de Seurat enmarcados en blanco , y en la izquierda la Grande Jatte . Seurat adopta aquí una forma casi académica , que recuerda la de Las Oceánidas de Henry Lehmann , su profesor en la Ecole des Beaux Arts , que presenta en torno a una roca  cuatro mujeres desnudas, de frente, de espaldas, de perfil y de tres cuartos .

El personaje de la derecha también recuerda a la Bañista de Valpinson de Ingres.Seurat renueva sin embargo el tema clásico a través de un asunto de connotación social , de la representación no convencional del espacio y de la técnica empleada.La composición es ordenada y simple : cada una de las modelos está colocada en  uno de los ejes que dividen el cuadro en cuatro partes iguales .

Al situar la escena por primera vez en un interior experimenta nuevas coloraciones, aplicadas minuciosamente con una tupida profusión de rayitas y puntitos , en dos o tres estratos superpuestos . La ejecución más bien mecánica y la composición  monumental y clásica contrastan claramente con el naturalismo de la reproducción de la modelo . En esta composición experimenta además con el marco pintado con puntitos : sucesivamente los irá recortando y utilizando para otras obras.

Mercedes Tamara 

18 julio 2012

Bibliografia :Los genios de la pintura, SEURAT. Gran biblioteca Sarpe.

EL PILLO DE LA PLAYA DE JOAQUIM SOROLLA

EL PILLO DE LA PLAYA 1891

El pillo de la playa 1891
óleo sobre lienzo 80,5x 124 cm
Museo Sorolla, Madrid

En estos momentos el artista ha terminado su período de formación , decidiendo irse a vivir a Madrid , donde cree tener más posibilidades para el desarrollo de su futura carrera . Esta tela datada en 1891 , puede ser considerada como punto del costumbrismo marinero que Sorolla  desarrollará , fundamentalmente a partir de 1894 cuando pinta La vuelta de la pesca. Enviado a la Exposición Internacional de Berlín de ese año , de ella conservamos una de las  pocas descripciones completas que el artista hace de su obra .

" Esta tarde espero a Jménez Aranda para que vea qué tal llevó el cuadro para Berlín, el  asunto es sencillo, se titula El pillo de la playa , con dos figuras de buen tamaño, ella estásentada en la arena, arreglando las redes , pero vista de espaldas y él tumbado en la arena está fascinándola y diciéndole cosas, ella se ríe; el fondo es un trozo de quilla de un barco  de pesca, la cual proyecta una sombra ( pues la luz es el sol ) sobre la arena, pasando el  asunto a la sombra, en el fondo se ve la linea azul del mar y la arena que se interponen entre la sombra del primer término y el agua,le da de pleno el sol produciendo un efecto bastante agradable , por lo fuerte del contraste .

Como queda bien claro a través de las palabras de su autor, el lienzo se divide en dos mitades -una sombreada y otra luminosa-que siguen una marcada linea diagonal. El  segundo término, en luz adelanta algunas de las características de su personalísimo  estilo : ejecución suelta , paleta con predominio de tonos claros, uso de sombras  coloreadas, luminismo solar etc. Sin embargo, también es verdad que todavía , en  estos años , Sorolla no ha abandonado el dibujo riguroso y la atenta observación del natural, que se revelan en el conjunto de la composición, en la que llaman la atención
del espectador algunos detalles primorosamente descritos, como los corchos de lasredes. No obstante, interpreta todo ello con una técnica personal de trazo algo familiary suave, que da protagonismo fundamental al problema del claoscuro y los valores tonales 

Las redes 1893
óleo sobre lienzo 50 x 70 cm
Colección particular

Es precisamente en estos momentos cuando tiene lugar la relación del joven valenciano con la corriente estética costumbrista , fundamentalmente a través de su encuentro con el pintor sevillano José Jiménez Aranda , que había sido amigo y compañero de Fortuny y que había  obtenido un clamoroso éxito de ventas como aquel. Sorolla, impaciente por el inicio del viejo maestro, se siente realmente orgulloso cuando éste manifiesta su agrado por esta pintura. El resultado de esta crítica era ya de esperar, ya que el cuadro del " pillo " tiene muchísimo  que ver con la producción pictórica del sevillano, caracterizado por un regionalismo , con brotes de naturalismo e intimismo.

Hubo también, como se ha dicho anteriormente, otras influencias, como la de de Bastien- Lapage, con cuyo cuadro titulado La siega del heno -.que despertó gran interés en el Salón de 1878-podemos establecer una relación, no únicamente por el tema empleado-el descanso de las clases trabajadoras- sino por la propia composición de ambos,  dinámica y algo asimétrica, la técnica del trazo grueso, el uso del color claro y la soltura del paisaje que les sirve de fondo.

Mercedes Tamara 

16 julio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

VINCENT VAN GOGH DE TOULOUSSE LAUTREC

Vincent van Gogh
pastel sobe papel 54 x 45 cm
Amsterdam, Stedelijk Museum

Vincent van Gogh llega a París desde Amberes en febrero de 1886 ; por consejo de su hermano Theo entra en el taller de Ferdinand Cormon donde conoce a Lautrec . Los dos , a pesar de sus grandes diferencias de carácter- hipersensible y maniqueo el holandés , seguro de sí y pasota el francés -entablan una amistad nutrida de recíproca estima , frecuentando los mismos locales de Montmatre , intercambiando ideas y consejos sobre pintura . En 1887 exponen juntos en el Gran Bouillon , un restaurante de Montmatre , precisamente para llamar la atención sobre su común investigación . La asociación se interrumpe en 1888: Van Gogh propone a su amigo constituir una especie de comunidad de artistas , pero obtiene una clara negativa ; después acepta su sugerencia de ir a Provenza para encontrar luz y color . Volverán a verse en abril de 1890 , época en que Lautrec hospeda al pintor holandés en París, tres meses antes de  su suicidio.


La obra revela numerosas aportaciones del arte de Van Gogh en la factura nerviosa e ntrincada;la aplicación del color al pastel permite asomar al soporte de papel, que se deja deliberadamente a la vista. La imagen es estudiadísima en sus rasgos esenciales, que nos muestra la conocida fisonomía del pintor, que queda en estado abocetado en las partes ( el brazo derecho, la mano  izquierda , la ventana del fondo ) que no tienen relevancia en la dinámica de la composición.


El contorno nervioso del trazo delinea de manera exacta el perfil de Van Gogh y pone de manifiesto su carácter atormentado , colocando frente al espectador la imagen de un hombre inquieto, emblema del artista incomprendido.

Mercedes Tamara Lempicka

14 julio 2012

LA CAMA DE TOULOSSE LAUTREC

LA CAMA 1892

La cama
óleo sobre cartón 54 x 70,5 cm
París Musée d´Orsay 

Las primeras representaciones de parejas femeninas más o menos explicítamente entregadas al amor sáfico se remontan a 1892 , es decir, a la época en la que Lautrec centra sus investigaciones artísticas en la maisons closes , incluso viviendo algunas temporadas en uno de los burdeles de Montmatre . De este modo , rodeado de personas como él diferentes de los cánones que la sociedad civil parece imponer , el pintor se encuentra enseguida a sus anchas.




La crítica ha discutido ampliamente su predilección por esta sexualidad " distinta " interpretando esta serie de pinturas unas veces como expresiones de voyeurismo, otras como figuraciones de tipo psicológico . Sin embargo, obras como ésta son - por lo que parece muy apreciadas por los amigos de Lautrec .  Si bien sigue siendo" indecorosa " a los ojos de la crítica oficial , gracias a las anteriores representaciones de Coubert ( 1860 ) la iconografía del amor sáfico de hecho una gran novedad : especialmente en la última década del siglo XX es un motivo recurrente de la literatura decadentista ( el primero de todos fue Verlaine ) y aparece también en las obras de artistas como Felicien Rops .


En este caso concreto , la intención de Lautrec no carece de ironía , puesto que la imagen retoma la caricatura de unos cónyuges que duermen pacíficamente en la cama; la impresión general , de todos modos, es de gran ternura y penetración psicológica en esta representacion de dos mujeres tan afectuosamente próximas casi como si fuesen dos niñas

Mercedes Tamara Lempicka 

13 julio 2012 

Bibliografía_ Toulousse Lautrec , Edit Biblioteca El Mundo

LE CHAHUT DE JACQUES SEURAT

LE CHAHUT 1890

Le Chahut
óleo sobre tela 171,5 x 140,5 cm
Otterlo, Rijkmuseum Kröller- Mullerç

El argumento de este cuadro de gran formato parece que estaría basado en el último acto del espectáculo presentado en el Concert de l´Ancien Monde. Seurat se dispone a reproducir el ambiente alegre y animado del café-concert a través de la dirección ascendente de las líneas y la armonía de los colores.

La estilización lineal y decorativa , ya utilizada en el nudo de los cabellos de la Mujer joven maquillándose , la aplica aquí de forma sistemática y casí cómica en trajes y accesorios . La nota de humorismo que aparecía en la Gende Jatte reaparece aquí en las figuras caricaturescas y en el carácter de parodia que se da a la escena . Es sabio el juego de líneas cuyo ritmo está marcado por una sucesión de diagonales paralelas, presentando un riguroso y regular trazado que permite el arabesco . Seurat emplea un " poinlillement " cada vez menos sistemático , con pinceladas muy variadas y lineas que van  perfilando los sujetos.

En diciembre de 1889 hubo en París una exposición de obras de Chéret, cuyas invenciones gráficas Seurat admiraba . En esos carteles , Chéret observaba la ley de contrastes de colores, por lo que El Chahut muestra grandes analogías con los Girard ( como analiza Hebert ) Por otra parte, esa visión tan singular, remite evidentemente a Degas.

Desde el punto de vista espacial , es una de las composiciones más complejas del artista, que parece anticipar algunas de las innovaciones cubistas : efectivamente  Braque tenía un estudio en 1907 , una reproducción de  El Chahut. Se conocen dos dibujos preparatorios ( uno de ellos perdidos ) dos estudios al óleo y un estudio final.

Mercedes Tamara 

10 julio 2012

Bibliografía : Seurat : Catalógo completo, Edit Akal

MANOJO DE ESPÁRRAGOS DE EDOUARD MANET

MANOJO DE ESPÁRRAGOS 1880

Manojo de esparrágos
óleo sobre lienzo 46 x 55 cm
Colonia, Wallraf- Richartz- Museum

En Manojo de espárragos , Manet ofrece un ejemplo de refinamiento que existía en su época en París . Se presenta como adepto de la Nueva Pintura : aquí se pone en práctica el tema de " el arte por el arte " . El contraste con la obra Tres pares de zapatos que Van Gogh pintópoco después , no podría ser mayor . El estilo personal se convierte en el tema de la pintura :el modo en que se hace proporciona dignidad a un objeto poco espectacular.

Cuando el cliente compró por primera vez el cuadro ( Charles Ephrussi, editor de la Gazette des Beaux Arts ) giró a Manet 1000 francos en lugar de 800 acordados, el pintor le envió  como agradecimiento el pequeño cuadro con un único Espárrago, añadiendo que este faltaba en el manojo . El espárrago olvidado y solitario parece la antitesis de toda escenificación  retóricamente amplificada, como una instántanea casual , condimentada con ironía visual :  un pequeño encore , una abreviatura .moderna también en la elección del encuadre.

EL Espárrago 1880

Marcel Proust ( 1871-1922 ) vio el Manojo de espárragos y le inspiró un paisaje de la novela de época En busca del tiempo perdido . A comienzos del siglo XX, la naturaleza muerta , pertenecía al pintor de Berlín : Max Liebermmann, quien escribió : " El dicho de que un rábano bien pintado es mejor que una Virgen mal pintada , forma ya parte del tesoro de la estética moderna: sin embargo , la frase está equivocada , pues tendría que decir : un rábano bien pintado es tan bueno como una Virgen bien pintada " .

En los Espárragos de Manet se plasma algo momentáneo , que adquiere una forma definitiva .  Gracias a concentrase en lo sustancial y gracias a pinceladas vigorosas y rápidas , esta obra pintada con garbo y brío es un golpe de primera , que ilustra el " faire du premier coup " de  Manet . Con alta elasticidad y esfuerzo artístico , el cuadro está pintado de un "solo golpe " El tema es la pintura en si , su ritmo y su exhibición . La forma se disuelve en un devenir  dinámico e interiormente animado; la intuición y la concepción se funden . Al ver, lo pintado  se convierte en verdad, verificación y presente, el presente del observador.

En Desayuno en la hierba de 1863 ( París, Musée d´Orsay ) el icono de la Modernidad de  Manet , una naturaleza muerta arrebatadora, compuesta por una mezcolanza sensual - erótica de cesta de picnic, traje de verano y sombrero de sol , introduce en la composición el tema y el ambiente del cuadro y el interés de Manet por la estética de la naturaleza  muerta se convierte también en las otras obras vigorosas,

Bajo la impresión de una llamada generalizada a realizar temas contemporáneos , en Manet la naturaleza muerta se convierte en un representante de la " vie moderne " cultivada y  burguesa . Para Manet , la naturaleza muerta suponía la piedra de toque de la pintura.  Sobre los espectadores a los que la pintura no les decía nada , solía afirmar " su ojo ya se acostumbrará .

Mercedes Tamara
8 julio 2012

Bibliografía : Manet Edit Biblioteca El Mundo

LA MARÍA , HONFLEUR DE JACQUES SEURAT

LA MARÍA , HONFLEUR 1886

LA MARÍA, HONFLEUR
óleo sobre tela 54,5 x 64,5 cm
Praga, Galeria Narodni

Desde un primer momento , Seurat aplica las teorías científicas al arte , cuyo desarrollo sigue atentamente . En esta contribución científica encuentra respuestas prácticas para sus exigencias estéticas , que evolucionarán a lo largo de la carrera. Al igual que los Impresionistas , que habían aportado soluciones intuitivas , Seurat aborda el problema de la traducción de las sensaciones  ópticas y se interesa por la ley de los complementarios, ligada a la división de los tonos .

Sin embargo, su experiencia no se limita a estas teorías . Al mismo tiempo estudia a los maestros y su trabajo en el color , analiza obras de Delacroix , Couture para aprender la reciproca influencia de los colores .Con estas observaciones , madura personalmente su sistema personal que él llamará " método " . Pero no aplica sus teorías más que cuando aportan un elemento determinante  para sus investigaciones estéticas , pero no aplicará la mezcla óptica hasta 1885.

Todas sus investigaciones demuestran su aspiración a la perfección , que alimenta con un estudio ininterrumpido de la pintura. Este desarrollo se observa en la búsqueda de un marco ideal: sustituye el marco blanco de los impresionistas por un marco pintado que se prestará a múltiples experimentos.

La María, Honfleur ( detalle )

En La María Honfleur (1886 ) es la más compleja de las escenas marinas de Seurat . En ella organiza un juego de verticales y diagonales e implanta un paisaje armonioso entre el primero y el segundo plano . Su técnica ha evolucionado después de Grandcamp : aquí renuncia a las pinceladas a espátula y aplica un " pointillage " más sistemático , logrando una superficie más homogénea y un control más sutil de la mezcolanza óptica de los colores . Este trabajo minucioso fue concluido en París , en el estudio, donde ultimó varias marinas realizadas en Honfleur.

Mercedes Tamara 

7 julio 2012

Bibliografia :Seurat : Catalógo completo, Edit Akal

LA SIESTA DE JOAQUIM SOROLLA

LA SIESTA 1911

La Siesta 
óleo sobre lienzo 200x 201 cm
Museo Sorolla , Mdrid 

Cada vez la pintura de Sorolla va buscando derroteros más innovadores , sin renunciar nunca al camino ya aprendido y asimilado . De esta forma traslada a un prado guipuzcoano todas las características que habían resultado" infalibles " en sus cuadros de playa , lo que había hecho  ya, con anterioridad , en sus lienzos con la temática del baño realizado en la Granja de San  Ildelfonso .

En esta vertiginosa visión en picado y no existe linea de horizonte ; el paisaje , en esta caso la hierba , no es más que un breve fragmento . La gran movilidad de la perspectiva , que da  dinamismo a la composición, contrasta extrañamente con la pasividad de las mujeres . El cuadro , aunque parece simple, tiene una construcción realmente compleja y también novísima La composición no respira, no hay aire , está ahogada por la frondosa alfombra de la hierba. Como si se tratara realmente de cuatro flores, los cuerpos de las muchachas están vistos desde arriba , literalmente aplastados contra el mullido suelo , lo que contribuye a esa sensación  tan lograda de pereza, de pesadez , de adormilamiento.

Voluntariamente no ha creado un centro , falta un eje ordenador de la visión . De esta manera  el ojo se desplaza en zig-zag por toda la composición , de un punto a otro , cediendo a la llamada  de las bellisímas notas de color de las luminosas telas , desperdigadas por el equilibrio contexto  del cuadro .

Parece que la figura humana , con este tratamiento sintético y decorativo , tiene exactamente la misma importancia que la propia hierba , son meras presencias físicas , sin prácticamente distinción entre el sólido de los cuerpos y el espacio que los contiene. Las transparencias de la telas , las notas de color de las mismas -donde dominan , además del blanco , los amarillos y  malvas -cada una con su propio timbre , reclaman simultáneamente , nuestra atención.

El antecedente más próximo del tema está en el cuadro de Gustave Coubert Las señoritas al borde del  Sena 1857. También el impresionista Auguste Renoir había pintado a sus corpulentas bañistas echadas al borde del agua , pero seguramente es la obra del americano Sargent , la que pudo influir directamente sobre nuestro pintor. Sus cuadros con figuras femeninas descansando al sol , leyendo, durmiendo, dibujando o jugando al ajedrez , anticipan soluciones muy próximas a esta y ya desde el año 1887 -incluso tiene una bonita acuarela titulada también La siesta de  1907- Las imágenes de este abandono sensual son variadas e innovadoras en sus composiciones, pintando a sus modelos -como en el caso de Sorolla siempre amigos o familiares-desde perspectivas y puntos de vista realmente inusuales .Muy parecida composición es la de Dos muchachas con vestidos blancos  ( colección privada ) pintada durante una excursión a los Alpes  italianos o, en el mismo año que esta , las maravillosas acuarelas realizadas en Simplon  Pass en el Tirol : Sombrilla verde o Leyendo , ambas en el Museo of Fine Arts de Boston.

Pero , a pesar de este importante precedente , entiendo que esta obra de Sorolla- que nos habla como nadie de sensualidad, belleza e indolencia- supera con creces a las del pintor americano, sobre todo por su gran modernidad y su expresivo decorativismo , que anticipa soluciones muy queridas para la vanguardia.

Mercedes Tamara 

6 julio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

FRUTERO CON MANZANAS DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

FRUTERO CON MANZANAS 1883

Frutero con manzanas 
óleo sobre lienzo 54,1 x 65,3 cm
Colección Sterling Clark

FRUTERO CON MANZANAS fue realizado justo dos años después de Cebollas , aunque las dos naturalezas muertas no podrían ser más diferentes  En contraste con la informal disposición en cascada de las cebollas , las manzanas están cuidadosamente apiladas y representadas  frontalmente . Es probable que este cambio de enfoque fuera inspirado por el amigo y colega  de Renoir Paul Cézanne a quien visitó en 1882 . En general, el artista tendía a usar bodegones  como instrumentos para experimentar y en pinturas como Frutero con manzanas podemos  percibir su creatividad  en busca de nuevos derroteros expresivos.

En todo el lienzo , los colores cálidos y serenos dialogan entre ellos, creando una textura vivida y variopinta . Hay una insistente diversidad de tonos que contrastan con la habitual inclinación  de Renoir a articular las composiciones alrededor de un color dominante . Los vibrantes y  variados colores de las manzanas acentúan las coloridas superficies : verdes, amarillos , rojos y azules se yuxtaponen en una miriada de combinaciones . Se percibe la sensación de que Renoir está trabajando conscientemente para expandir la gama cromática , aunque el conjunto  de la pintura mantiene una sorprendente armonía.

A pesar de ese carácter experimental . Renoir firmó y fechó la obra , con lo que indicó que la consideraba un trabajo acabado. Quizás más desconcertante que la ecléctica estructural tonal de Frutero con manzanas es la presencia de una pieza de fruta podrida en primer plano . Este motivo no se encuentra con frecuencia en la pintura de bodegones del siglo XIX y contradice la tendencia de Renoir a evitar signo de decadencia y vejez en sus obras.

Mercedes Tamara 

4 julio 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

CONTANDINA DE ASIS DE JOAQUIM SOROLLA

 CONTANDINA DE ASIS  1888 

Contandina de Asis
óleo sobre lienzo 39,5 x 55,5 cm
Museo Sorolla Madrid

En sus primeros años de la estancia como pensionado en Roma , Sorolla dedica buena parte de  su tiempo  a analizar la figura humana , a través de una serie de obra que tienen como protagonista el tema de la ciocara o contadina. En ellas se dejará llevar por el influjo de la  pintura de sus contemporáneos españoles , cuyo arte no respondería totalmente a lo que será  su personalidad y sensibilidad artística.

En verdad que cuadros con la misma iconografía habían sido pintados por todos los españoles pensionados en Italia, desde sus maestros Francisco Padilla, José Villegas y Emilio Sala  pasando por Rosales, Mariano Barbasán, Joaquin Agrasot , etc.

La influencia de éstos se detecta en el dominio absoluto de la linea , así como en la habilidad de construir formas a través del color , con una búsqueda de mayor corrección en el dibujo  y más atención en el detalle.

Campesina italiana en la pradera  1888
acuarela sobre papel 35 x 54 cm
Colección particular

Y aunque el realismo siempre fue fundamental en el Sorolla de esta época , le diferencia de todos ellos la manera de expresarse, con una pincelada libre y extraordinariamente vigorosa, fresca y  sin vacilaciones. De esta nueva forma de expresión tiene también la "culpa " su primer viaje a París -en abril de  1885 -donde había visitado el Salón de Artistas Franceses, la exposición de Bastien-Lepage en el hotel Chimay , así como la de Adolf Monzel en las Tullerias , que le abren los ojos al  naturalismo moderno.

El cuadro muestra el interés del artista por la captación de los tipos y la descripción pintoresca de sus rusticas indumentarias, con un fino sentido del color y una factura precisa y definida en la figura de la mujer, en contraste con el resto de la composición. apenas esbozado. aunque  de gran modernidad y riqueza plástica

Constandina de Asis  1888
óleo sobre lienzo 33,5 x 46.8 cm
Colección particular

Obra muy representativa de los primeros años romanos, la técnica de empaste denso, todavía está sujeta a un dibujo que modela las figuras con una marcada corporeidad, sin la desenvoltura de su obra posterior. No obstante, está resuelta con la rica textura pictórica característica de  este artista , decididamente inmerso en el realismo renovador propugnado por el círculo de  pintores residentes en Roma en esos años.

Este es el punto de partida de lo que se entendería, más adelante en el tiempo, como la modernización de la pintura española. Y no deja de ser un atrevimiento el gran desarrollo concedido a un  tema de género absolutamente banal. Destinado a responder a unas instancias que sólo admitían como valioso la consideración del asunto histórico,éste es un intento fallido de antemano-incomprensible para el artista que quiere triunfar :a no ser, en efecto, que  pretenda una obra de choque , una propuesta nueva- Ya sea en la intención, como en los  resultados, se abre aquí una vía de exaltación de lo regional llamada a tener un enorme éxito.

Mercedes Tamara

2 julio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa