RINCÓN DEL JARDÍN DEL HERMITAGE CAMILLE PISSARRO

RINCÓN DEL JARDÍN DEL HERMITAGE 1874

Rincón del jardín en el Hermitage
óleo sobre lienzo 61 x 81 cm
Musée d ´Orsay , París

Rincón de jardín en el Hermitage parece alejarse del mundo familiar de Pissarro en favor de éste, más ordenado y urbano de los jardines de Monet. En este cuadro casi cuadrado, un jardín de recreo substituye los habituales huertos de pueblo y en lugar de las coles, las ensaladas y las alcachofas, se colocan las flores, los árboles, y los arbustos de horticultura. La diferencia no es anodina. Se ha reprochado duramente a Pissarro, durante la primera exposición impresionista de 1874, su tendencia a representar la clásica hortaliza en lugar de la vegetación noble. Pero Pissarro, que se describe en una carta a su hijo Lucien en 1887 como "un burgués sin dinero", no es el hombre de un solo entorno. No vive como un rústico ermitaño entre los campesinos de las cercanías de Pontoise. No solo ha podido ver las composiciones análogas de Renoir y de Monet, sino que también ha conocido muy bien la finca descrita aquí, propiedad de Marie Desraimes (1828-1894), gran burguesa y comprometida republicana.

Si Pissarro ha representado en varias ocasiones, en torno a 1876, el parque que rodea el amplio edificio, parece que aquí se concentra en el diálogo entre dos niñas que juegan en un banco, a la sombra de la abundante vegetación. Muy sutilmente, desde la conveniente distancia, se asoma a los secretos y al imaginario de la infancia. Ambas figuras centrales forman el punto de articulación, como en Corot, de una organización formal que orquesta múltiples líneas serpentinas. Y este pequeño banco con flores adopta el aspecto de barca mágica, entre los cuentos para niños y la navegación de recreo, tan apreciada por el impresionismo.

En la derecha, el furtivo recuerdo arquitectónico, introduce un hábil desequilibrio como si se tratase de transmitir la sensación de una mirada móvil. Este movimiento del ojo no trastorna sin embargo la solidez de la composición en la que notamos la intensa huella cezaniana. Ambos artistas trabajan a menudo juntos y se influencian mutuamente. La manera de colocar el color en cortas y vibrantes estrías, sensible en particular a la masa verde de los arbustos que se balancean en la parte superior del lienzo, es la marca de esta colaboración decisiva y duradera.

Mercedes Tamara

24 -febrero 2013

Bibliografia : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann

ARAGÓN , LA JOTA JOAQUIN SOROLLA

ARAGÓN , LA JOTA 1914

Aragón , la jota
óleo sobre lienzo 351 x 301 cm
Nueva York, The Hispanic Society of  Americ

En el extremo noroccidental de Aragón y a menos de veinte kilómetros de Roncal en la vecina Navarra , el valle de Ansó es una de las comarcas más apartadas de Huesca. En Aragón , la jota Sorolla lleva al espectador a ese recóndito enclave pirenaico, que  a comienzos del siglo XX atrajo a ciento de artistas por la singularidad de su indumentaria y sus costumbres.


Uno de estos artistas , Carlos Vázquez Úbeda ( 1869-1944) nacido en Ciudad Real y afincado en Barcelona en 1898, visitó Ansó en 1900 y se dejó conquistar por aquel  rincón de la Edad Media que había llegado incólume hasta el siglo XX . A partir de  entonces dedicó diferentes pinturas a la vida de los ansotanos, y es probable que fuera él quien diera a conocer el lugar a su amigo Sorolla, que en 1901 había sido su padrino de boda.


El valenciano visitó el valle de Ansó al menos en dos ocasiones después de aceptar  el encargo de los murales , una en agosto de 1912 y otra en 1914. Una de las cosas que le fascinaron fue el atuendo de las mujeres, cuyos vestidos en forma de A en  lana verde, las llamadas " basquinas ansotanas " conservaban un carácter netamente medieval . Quienes lleven residiendo mucho tiempo en Madrid recordarán que las mujeres de Ansó todavía vestían asi en la década de 1950, cuando venían a la capital vendiendo hierbas medicinales , parece posible que el uso del traje típico como reclamo comercial hubiera favorecido su pervivencia en la vida cotidiana. Cabe observar que el interés de Vázquez por el valle de Anso era coincidente con el de  generación del 98 por los aspectos tradicionales de la sociedad española.

Tipos aragoneses
óleo sobre lienzo 209 x 141
Madrid Museo Sorolla

Sorolla ha mantenido el carácter festivo del ciclo mural mostrando a los asotanos  en una fiesta que tiene por telón de fondo las abruptas estribaciones del Pirineo. Un grupo de hombres y mujeres bailan la jota, la antigua danza emblemática de la región aragonesa. Vemos a las mujeres en el paso llamado " aplastar la araña ", donde el apoyo de la planta del pie sigue en movimiento de giro; al detenerse la danzante su basquiña aún sigue girando, con un efecto que Sorolla ha detenidoen el tiempo . Diez señala que esta parte de la composición , así como figuras sueltas de mujeres con el traje tradicional , están ya en los bocetos de gouache de 1912, cuando el pintor aún no había descartado la disposición de figuras en friso por delante de un fondo continuo de paisajes y edificios .


La jota de 1912 parece más genérica ( tal vez como propia de todo Aragón ) mientras que el gouache de 1914 se localiza inequívocamente en Anso . El paso a un gran formato vertical ha permitido a Sorolla logra monumentalidad sin debilitar la sensación de movimiento y tampoco ha descuidado esos toques prodigiosos que  tantas veces ponen viveza en sus cuadros de caballete. A la izquierda, por ejemplo, una muchacha a las que Anderson identifica como una nuera o prometida, con un " sofocante de lazadas " centra la atención de un par de mozos . Sorolla deja abierta la pregunta de si son su novio y un amigo o dos rivales alentados por la esperanza  de hacerla cambiar de opinión.




Mención aparte merecen los aspectos abstractos de la composición . Las formas facetadas del fondo montañoso que Sorolla analizó en estudios al óleo de 1914 ocupan más de un tercio de la obra y como se ha señalado las sombras de los  árboles invisibles animan el primer término de manera igualmente abstracta. Esa  referencia a elementos que no ven por estar " fuera del encuadre "denota la influencia de la fotografía y quizás del cine en la madurez del artista.

Mercedes Tamara 

23-02-2013

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

LOS PARAGUAS PIERRE AUGUSTE RENOIR

LOS PARAGUAS 1881

Los paraguas
óleo sobre lienzo 180.3 x 114,9 cm
National Gallery Londres

Los paraguas constituye la prueba visual de una evolución fundamental en la  carrera de Aguste Renoir ( 1848-1919 ) . Se cree que el cuadro fue pintado en dos momentos distintos de su vida, entre los que Renoir se apartó del impresionismo y comenzó a trabajar de manera más formal.


Suele considerarse que el artista comenzó pintando el grupo de la izquierda a finales de la década de 1870. La mujer y las niñas están tratadas con tal suavidad  que parecen casi adheridas a la tela. Sin embargo, en el lado derecho del cuadro se observa un interés mayor por las nociones tradicionales de la linea y la forma
que por el color. Figuras como la de la joven del primer plano pero también han sido pintadas con suavidad, pero de un modo que sugiere solidez gracias a un contorno bien definido, con lo que la fecha de creación de esta parte rondaría el año 1885.



Resulta imposible dar con una razón que explique este cambio de estilo, aunque en 1881 Renoir visitó Italia, donde contempló los trabajos de Rafael y otros artistas renacentistas que tal vez pudieran empujarle a reconsiderar su metodología.  Limitándose a azules, verdes, marrones y a colores crema , el colorido de Renoir refleja el clima y la sobriedad de la escena 

Mercedes Tamara 
15 -febrero-2013

Bibliografia : Renoir, Edit Biblioteca El Mundo

LAS ROCAS DE POURVILLE CLAUDE MONET

LAS ROCAS DE POURVILLE 1882

Las rocas de Pourville
óleo sobre lienzo  63,9 x 76,8 cm
Rochester, Memorial  Art  Gallery of the University  of Rochester

Claude Monet nació en París el 4 de noviembre de 1840 . Pasó toda su niñez en El Havre , adonde su familia se había trasladado cuando él contaba cinco años de edad Su casa estaba cerca del mar, en el suburbio de Sainte-Adresse; allí Monet desarrolla su afición a indagar en el paisaje , campestre o marino, al cual permanecerá intimamente ligado durante toda su larga carrera artística . Las primeras obras son , sin embargo, caricaturas a carboncillo y lápiz que hace el joven a sus conciudadanos. en El Havre a los quince años de edad.


El primer maestro de Monet es el pintor Eugéne Boudin , que lo introducirá en la pintura de paisaje en plein air desde 1856. Boudin , su primer maestro, es también su principal interlocutor por lo que atañe a los hechos artísticos que el joven tiene ocasión de observar en París, adonde acude para visitar el Salón, la exposición  solemne supervisada por la École de Beaux Arts y que se presenta como escaparate oficial en el ámbito del pensamiento artístico contemporáneo.


Monet era un conocedor atento y puesto al día de la pintura de su época : los pintores  que define como de " 1830 " son los que junto con Corot, que ya no era joven ,  trabajaban en plein air en el bosque de Fontainebleau , al sur de París y que renovaron profundamente la pintura francesa de paisaje



Los años en que Monet pinta Las rocas de Pourville se caracteriza por un entusiasmo  continuo por la naturaleza. En este cuadro Monet demuestra una gran tenacidad  ejecutiva y continuando sus vías de investigación ya que Monet era poseedor de  una gran voracidad visual. Nadie como él supo pintar una roca como la que vemos  en el primer término del cuadro , que estaba situada a la derecha de grandes dimensiones en medio de unas olas encrespadas de unas bellísimas tonalidades del color azul celeste que debido a la fuerza con que circula el agua adquieren un color blanquecino.




Todo este paisaje rocoso lo construyó con amplitud, precisión y fuerza . Es una  auténtica sinfonía en la que cada color es un instrumento con un papel distinto Monet demuestra en este paisaje que es uno de los más grandes pintores paisajistas  en la comprensión de cada elemento estudiado al que dota de un carácter propio,lo cual es la suprema cualidad del arte

Mercedes Tamara 

11 -febrero .2013

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen

UN PASEO MATINAL JOHN SINGER SARGENT

  UN PASEO MATINAL 1888

Un paseo matinal
Óleo sobre lienzo 67x 50,8 cm
The Ormond Family

Hijo de padres norteamericanos, Sargent nació en Florencia y pasó su juventud en Europa. En 1874 inició sus estudios en la Ecole des Beaux Arts de París y  entró a trabajar en el taller de Carolus Duran. Conoció la patria de su padres en

1876. También realizó otros viajes , entre ellos uno a Madrid en 1879 , donde , al igual que Cassat , quedó maravillado de la pintura de Velázquez.

Debido al rechazo con que fue acogido su cuadro Retrato de Madame Gautreau en la exposición del Salón parisino , se trasladó a Inglaterra esperando hallar un público más benévolo. Allí pasó la temporada estival en lugares campestres

de las cercanías de Londres .

Durante estos períodos de trabajo creó las obras que delimitan el corto pero intenso debate formal de Sargent con el impresionismo. La primera composiciónque documenta el acercamiento al estilo pictórico francés es Clavel Lirio, Lirio,

Rosa , pintada en Broadway en el verano y en el otoño de 1885 y 1886. Presentado el cuadro un año después en la Royal Academy de Londres, le proporcionó el epígrafe de " apóstol de la escuela de motas y manchas de color " , si bien el artistaúnicamente se había servido de la técnica impresionista para pintar los farolillos y las flores.

De esta técnica se apropió más cumplidamente cuando, en 1887, visitó a Monet enGiverny, acontecimiento que dejará plasmado en el cuadro Claude Monet pintando en el linde del bosque . La pincelada difumina en esta obra los hasta ahora fijos contornos y el modelado al servicio de la perspectiva, incorporando simplemente las figuras en una trama de tonalidades.

Es inevitable la comparación de su lienzo Un paseo matinal con las dos obras creadas en 1886 por Monet en Giverny en la que muestra a su futura hija adoptiva Suzanne Hoschedé- vestida también de blanco y llevando una sombrilla- en la 

libre Naturaleza. La clara luz estival domina la composición de Sargent , diluyendo en un juego de matices la materia del traje y la hierba de la orilla. Contrariamente a los cuadros franceses, tanto la superficie del agua como la sombra bajo la sombrilla son interpretadas más bien como masas coloreadas homogéneas que como una superficie que absorve las partículas de las radiaciones de luz,. Sargent  tampoco sacrificó el modelado detallado del rostro de su hermana Violet en aras de la impresión global generalizadora que conlleva la técnica impresionista. Bien  al contrario, delata la preocupación preferencial del artista por el estudio del retrato

Mercedes Tamara 

9-febrero-2013

Bibliografía : El Impresionismo Edit Taschen

PESCANDO EN EL SENA FEDERICO ZANDOMENEGHI

PESCANDO EN EL SENA 1878

Pescando en el Sena
óleo sobre madera 16 x 29 cm
Florencia, Galleria  d´Arte Moderna

Zandomeneghi nació en 1841 en Venecia , hijo y nieto de escultores . Al ser partidario de Garibaldi fue exiliado a Florencia . Más tarde se estableció en París donde conoció a Renoir , amigo de Degas Su vida artística en la capital parisina fue un auténtico fracaso Fue retratista y paisajista pero vendió pocos cuadros .Paso muchas penurias económicas : lo que le obligo a colaborar como dibujante e ilustrar revistas de moda,el marchante Duran-Ruel exhibe en Estados Unidos sus obras que tienen un éxito moderado y fallece en París en 1917


El ocio y el tiempo libre son el tema de Pescando en el Sena . Una joven vestida a la moda , protegida por una sombrilla, está sentada a la orilla de un río y contempla desde un ángulo insólito a un pescador , del que sólo se ve el sombrero. Este audaz encuadre, así como el concepto de espacio obtenido mediante la superposición de superficies, traen a la memoria los trabajos impresionistas y la introducción en Europa de los grabados japoneses en madera.


La chimenea de una fábrica en segundo plano parece indicar la irrupción de la industria en este idilíco paisaje. En la pintura de salón, académica y convencional, sería impensable tales brusquedades que caracterizan a Zandomeneghi como pintor de la vida moderna en el sentido de los impresionistas franceses. Sus trabajos más importantes surgieron a finales de los años setenta y durante la década de los ochenta

Mercedes Tamara 

7-febrero -2013

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen

LOS CASTAÑOS DE LOUVENCIENNES CAMILLE PISSARRO

LOS CASTAÑOS DE LOUVENCIENNES 1872

Los castaños de Louvenciennes
óleo sobre lienzo 650 x 487 
Museo de Orsay . París

Camille Pissarro nació en 1830 en la Santo Tomás, una isla caribeña de las Indias Occidentales danesas (en la actualidad pertenece a las Islas Vírgenes, de Estados Unidos). Sus padres le mandaron a estudiar a París a los 11 años de edad, y regresó a su isla de origen a los 17. Muy pronto mostró interés por la pintura: en 1852 decidió que se dedicaría al arte. Después de pasar dos años en Caracas con el pintor danés Melbye, Pissarro regresa a París en 1855, esta vez para quedarse.

Así como su afán de independencia y de libertad le llevó a renunciar a una cómoda existencia burguesa en una idílica isla del Caribe, esa misma búsqueda de libertad y sinceridad consigo mismo le condujo a rechazar los dogmas académicos al uso. Esto contribuye a explicar que en esta etapa inicial de su carrera esté muy influido por los paisajes de Corot y de los maestros de la Escuela de Barbizon. Lo mismo que Monet, Pissarro estudió en la Academia Suisse, donde también conoció a Cézanne, y a finales de los 60 participaba regularmente en las tertulias del café Guerbois, con Manet, Degas, Renoir, etc.

Pissarró se caracteriza por su madurez y seguridad , desplegadas en una rica producción. El pintor encontraba todos los motivos para sus ideas temáticas y para sus conceptos formales en la pequeña localidad donde residía : la escarpada Pontoise , aldea de productores de hortalizas que estaba en los comienzos de la industrialización . Era una Naturaleza cultivada por el hombre y apropiada para un tratamiento pictórico emotivo . El armónico entrelazamiento del terreno, la vegetación y los edificios se adueñaban de su percepción y de su ojo de pintor de visión constructiva , dirigido constantemente a registrar una forma preferentemente equilibrada. El mundo que refleja en sus cuadros era un espacio vital sereno y reposado, contrapuesto a una realidad cada vez más agitada, ávida de lucro y en muchos  sentidos más desagradables.

Poco a poco, su paleta irá adquiriendo luminosidad .Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), marchó a Inglaterra. A su vuelta, su casa había sido saqueada y parte de sus pinturas estaban destruidas. Atraído por los paisajes, decidió alquilar una casa en Pontoise,

Entre sus temas, destacan los relacionados con la vida natural y rural. En sus escenas representa casas, árboles, campos, montones de heno y campesinos trabajando.Más tarde, influenciado por Seurat y Signac, experimentó el puntillismo, que consiste en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color yuxtapuestas. Las críticas recibidas lo llevaron a abandonar esta técnica y a retomar el impresionismo. Cuando su enfermedad ocular empeoró tuvo que abandonar la pintura al aire libre y centrarse en escenas urbanas. Se trasladó a Ruán y pintó excelentes vistas de la ciudad y de su puerto, y después pasó a París, donde murió en 1903.

En Los Castaños de Louvenciennes Pissarró:  ha colocado en el centro de la pintura una iglesia de color rojo  con el tejado nevado y  alrededor de esta   ha colocado  una valla de madera para aislarla del resto de los elementos del cuadro Parece que la iglesia sea la protagonista en vez de los castaños de la composición en la que en el primer término ha colocado a dos figuras femeninas : una madre y una hija que parece que acaban de salir de la iglesia y caminan hacía su casa. muy despacio para no tropezar y caerse

La crudeza del invierno ha dejado a los castaños desprovistos de hojas Se percibe un ambiente  muy frío por la presencia de la nieve que aparece con ligeros toques azulados que embellecen y que contrastan muy bien con los matojos verdosos El cielo tiene un color celeste aplicado de forma muy homogénea  Pero es uno de los cuadros más bellos que  pintó este gran artista que fue Pissarró

Mercedes Tamara 

5 -febrero-2013

Bibliografía París, Museo de Orsay , Edic Letea
                    El Impresionismo, Edic Taschen