viernes, 28 de octubre de 2016

AUTORRETRATO PAUL GAUGUIN

AUTORRETRATO 1889
Autorretrato
óleo sobre tabla 79 , 2 x 51, 3 cm
National Gallery Washington


Después del encuentro en Arles entre Van Gogh y Gauguin, que tuvo un desagradable final , el segundo marcó a Port -Aven y a Pouldu. En ese mismo año 1889 pinta este Autorretrato, que ofrece violento contraste con los de su compañero.

En éste , los colores dominantes son el rojo y un amarillo vivísimos y enteros , que parten el cuadro por la mitad . A ellos se superpone la faz aguileña y snob del pintor con trazos rotundos y un modelado consistente .

Pero además Gauguin se entrega al simbolismo y se adjudica los atributos que le revisten de la condición de un nuevo Adán, junto a las manzanas que penden de una ramita y teniendo una serpiente entre los dedos . El reptil y los tallos de una extraña planta se combinan para formar un arabesco y establecer particiones tajantes del espacio pictórico , a la manera de los esmaltes alveolados .

Y además , el autor se concede a si mismo una aureola de santidad , flotante sobre su cabeza , en una curiosa exaltación de la propia personalidad

Mercedes Tamara
28-10-2016
Bibliografía : Gauguin Edit Taschen

lunes, 24 de octubre de 2016

CAMPESINAS BAILANDO CAMILLE PISSARRO

CAMPESINAS BAILANDO 1884
Campesinas bailando
acuarela sobre papel 47 x 61 cm
Colección privada


De todos los pintores impresionistas , el más sensible a los problemas sociales de su época fue Pissarro. Socialista anarquizante, dedicó muchos cuadros al tema del trabajo, especialmente al de los campesinos .

Su gran referencia eran las obras de Jean-Francois Millet , autor de numerosas obras que son un homenaje a la vida rural y que Pissarro debió admirar ( y estar en deuda con ellas ) en más de una ocasión.

La diferencia es que los cuadros del pintor impresionista carecen de tonos románticos y de las citas explícitas e implícitas de la Biblia , que caracterizaron las obras de Millet 

Para Pissarro el campo se contraponía a la ciudad , aunque también le gustase pintar esta última , casi siempre desde los balcones de su casa de Paris . Por un lado , los espacios urbanos le parecían un simbolo del progreso y de la vida moderna, caracterizada por las multitudes, la industria y un movimiento incesante y frenético ; por otro lado, concebía el ámbito rural como la dimensión más auténtica de la existencia humana , ya que le permitía establecer una estrecha y gratificante relación con la naturaleza. 

En la obra que comentamos Campesinas bailando presenta a estas trabajadoras del campo disfrutando de un momento de descanso y diversión Es una acuarela de tono alegre y ritmo ágil , veloz , con un rápido movimiento que parece brotar de los pasos de las campesinas .

La elección de la acuarela le permitió al artista dar más luminosidad y transparencia a los colores . Esta obra , y otras parecidas , fueron una fuente de inspiración para Gauguin , al retratar a las campesinas bretonas en Pont- Aven

Mercedes Tamara ( autora )
24-10-2016


Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

martes, 11 de octubre de 2016

ORILLAS DEL SENA GEORGE PIERRE SEURAT

ORILLAS DEL SENA 


Orillas del Sena
óleo sobre lienzo 65 x 82 cm
Reales Museos de Bruselas


Georges-Pierre Seurat (París, 2 de diciembre de 1859 – 28 de marzo de 1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. 

Este paisaje denominado Orillas del Sena corresponde exactamente a la isla de la Grande Jatte -ia del arte- Esta isla se encuentra en la localidad de Asnières , en las cercanías de París .

La primera obra de Seurat sobre la Grande Jatte , con un tema de bañistas , fue pintada entre los años 1883-1884 , y fue rechazada en el Salón , se expuso en los Independientes en 1886 y luego en Bruselas .

De uno a otro cuadro Seurat ha resuelto definitivamente su procedimiento de captación de la luz y el aire mediante puntos de color , de este modo ha fijado su estilo divisionismo puntillista .

En la obra que nos ocupa , pintada hacía 1887 , Seurat vuelve al mismo lugar , pero esta vez en calma , sin la turba de los visitantes domingueros . Un pequeño balandro y una canoa son los únicos elementos dinámicos. Lo que de verdad se estremece es el aire , las hojas de los árboles , las aguas de los ríos , con la vibración continua de las menudas pinceladas. Como técnica y como efecto , éste es el límite a que podía llegar el neopimpresionismo de Seurat.

                                                                         Mercedes Tamara
                                                                         11-10-2016


Bibliografia : Atlas del Impresionismo  

lunes, 10 de octubre de 2016

MUJER EN UN CERCADO CAMIILLE PISSARRO

MUJER EN UN CERCADO  1887 

Mujer en un cercado
óleo sobre lienzo 55 x 65 cm
Paris, Museo de Orsay 






Claramente influida por la técnica de Seurat, muestra esta obra, ejecutada en 1887, un deseo de experimentación con el fenómeno óptico de la fusión de los colores en la retina del espectador. Ha sido construida por medio de pequeños toques aislados de color puro, cuya yuxtaposición se pretende origine el efecto visual de los medios tonos. 



El procedimiento no consigue el propósito teórico más que a través de un esfuerzo intelectual de síntesis. Convencido del fracaso de este intento, Pissarro retornó muy pronto a su propia fórmula pictórica, enraizada en la ortodoxia del impresionismo. Hay que considerar al artista como una personalidad ecléctica, interesada por las diversas tendencias renovadoras que aparecieron en su momento. Su mentalidad científica le convirtió en mentor de Gauguin y en consejero de Cézanne.



Mercedes Tamara
10-10-2016

domingo, 9 de octubre de 2016

LA MIES CAMILLE PISSARRO

LA MIES 

La mies
óleo sobre lienzo 65 x 92 cm
Paris, Museo de Orsay





El pintor francés, Camille Pissarro es uno de los fundadores del Impresionismo. Era el mayor del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron.

Los cuadros de Pissarro captan de manera pura el estilo impresionista: profundidad, imagen construida con pinceladas visibles, uso de la vibración en el color y un prolijo estudio de la luz natural. Las pinturas de Pissarro son abiertas y claras, principalmente paisajes.

Todas estas características se pueden aplicar a la obra que comentamos que el artista pintó en el año 1876  La mies. En dicha composición aborda el problema de la captación del celaje , animado por nubes pasajeras de gruesos volúmenes que ocupan todo el cielo y la tierra que la siega ha convertido en rastrojera.

La pincelada asume el papel de protagonista con colores verde claro con toques azulados que la iluminación hace destaca en el plano inferior 
en el que se divisa a la derecha una pareja de cosechadores que aparecen de espaldas al espectador 



Mercedes Tamara

9-10-2016



Bibliografia : Atlas del Impresionismo 







sábado, 8 de octubre de 2016

SOMBRERO DE PLUMAS HENRI MATISSE

SOMBRERO DE PLUMAS 1919


Sombrero de plumas
óleo sobre lienzo 48 x 38 cm
Galería Nacional de Washington




Henri Matisse Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza





En 1919 Henri Matisse pintó Sombrero de plumas, obra singular dentro de su repertorio por la solidez de su construcción y por la gama fría de los colores utilizados tan diferentes de los aplicados en otras pinturas de este creador del fauvismo.




La explicación se debe a que el artista pasaba por una etapa de austeridad , en la que acude al recuerdo de Cézanne , patente en este cuadro en el que las pinceladas aplicadas son rotundas y modelan en negros y grises este pequeño retrato femenino, punzante en su vigorosa sencillez 




                                                       Mercedes Tamara
                                                       8- 10 . 2016 



Bibliografia : Wikipedia 






martes, 4 de octubre de 2016

EL JARDINERO PAUL CÉZANNE

EL JARDINERO
El jardinero
óleo sobre lienzo 66 x 55 cm
Tate Gallery Londres






En la propiedad de Chemin de Lauves, que Cézanne adquirió en 1901, está pintado El jardinero, retrato del que lo era en aquella finca , cuyo nombre era Vallier, el cual aparece sentado en el propio jardin , junto al estudio del pintor .




El personaje sirvió varias veces de modelo al maestro, pues su efigie está por lo menos en cuatro óleos más y en tres acuarelas , relacionándose directamente con el retrato que comentamos . 




El hombre, cuyo rostro el pintor no quiso detenerse demasiado, se presenta con un modesto traje de primavera, va cubierto con sombrero de paja, sostiene un bastón con el brazo izquierdo y sobre él lleva una chaqueta doblada. Cézanne ha colocado a su modelo en el centro del cuadro, de modo que hombre y silla funcionan como eje vertical sobre el que se organiza el resto de la composición


. Dada la postura del hombre, ladeada y con las piernas cruzadas, desde la pierna derecha y hasta la rama del árbol del fondo Cézanne ha trazado una línea diagonal con la que recrea la sensación de profundidad espacial. 


Pero como mejor ha resuelto Cézanne la representación del espacio en la terraza y su continuidad en el telón de espesa vegetación ha sido al insertar ese murete curvo, que parece gravitar, como límite espacial además de cromático entre el ámbito del retrato y el ámbito del crecimiento libre del tilo y las plantas del jardín. Además, dicho murete encuentra su eco en el sombrero. La pincelada es suelta
Mercedes Tamara 
4-10-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

lunes, 3 de octubre de 2016

EL GRAN PINO PAUL CEZANNE

EL GRAN PINO 1805

El gran pino
óleo sobre lienzo 84 x 92 cm
Museo de Sao Paulo , Brasil


El cubismo picassiano se explica en virtud de la experiencia que realizó Cézanne . El gran pino, pintado hacía 1895 en la finca que su cuñado poseía en Montbriand , constituye un estudio de la descomposición de la forma y su múltiple proyección en el espacio. 


No alcanza el autor a deshojar los planos de la realidad material en la manera que posteriormente recibiría el calificativo de cubista, pero en estado embrionario su despiece de la imagen contiene los principios en los que debía basarse dicha tendencia.




El árbol tiene su tronco y sus ramas marcadas por una línea oscura, en sintonía con la pintura de Gauguin y Van Gogh, pintores por cuyas obras estaba interesado, aunque las del primero no fueran muy satisfactorias para el maestro de Aix. 



Las tonalidades empleadas se aplican de manera fluida, abandonando los breves toques de pincel habituales de su etapa impresionista, para utilizar el color como estructurador de la forma y el volumen. Sin embargo, en algunos casos como esta tela que observamos, Cézanne se acerca más a la abstracción que a su objetivo de dotar de forma y volumen a las obras impresionistas para que este estilo se convirtiera en "algo sólido y duradero, como el arte de los museos".

Mercedes Tamara
3-10-2016


Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 




domingo, 2 de octubre de 2016

BAILE EN VERANO ANDERS ZORN

BAILE EN VERANO  1897 

Baile en verano
óleo sobre lienzo 140 x 98 cm
Museo Nacional de Estocolmo





Anders Zorn el autor de Baile en verano fue un pintor cosmpolita que en su juventud viajó , estudió y alcanzó grandes éxitos por Europa En España fue compañero y amigo de Joaquin Sorolla y conviene recordar esta relación , porque el sueco y el valenciano ocupan posiciones análogas y destacadas en sus respectivos paises Ambos pueden ser calificados de impresionistas independientes , originales, de visión realista y factura amplia.


En 1896 Zorn se traslada a Suecia y se instaló en Mora , en la campiña de Dalarma . A aquel ambiente rural trasladó la vieja granja de madera que había pertenecido a sus abuelos y junto a la iglesia de Mora fue surgiendo un conjunto de edificios de gusto romántico-nacional , marco apropiado para que en él promoviera Zorn el resurgimiento del folklore local y sobre todo la música popular, convocando concursos y romerías





Anders Zorn fue huésped de su ilustre colega, el príncipe Eugenio, que también era pintor, el cuál se entusiasmo ante el baile que con ocasión del solsticio de verano se celebraba en la luz que no se extingue de la noche boreal.




Aunque el reloj marque una hora avanzada, no ha oscurecido y las parejas vestidas con trajes típicos bailan ardorosamente sobre la hierba, ante la vetusta mansión de madera y bajo el engalanado poste totémico. El príncipe animó a Zorn y hasta amistosamente le exigió que pintara aquella escena inolvidable




. Zorn cumplió su promesa y el resultado es este cuadro, en que el artista dosifica sutilmente la luminosidad del interminable ocaso nórdico y retrata a sus paisanos en una composición dinámica, de amplias masas de color modeladas por la fluidez del pincel. Puede apreciarse la magistral soltura de la ejecución en la pareja central de bailarines.


Ningún otro trozo de pintura podría resumir con mayor autenticidad el espíritu de la pujante escuela sueca que este cuadro fechado en 1897.


Mercedes Tamara
2-10-2016


Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 





Museo nacional de Estocolmo
1897











140 x 98 cm. Óleo sobre lienzo

sábado, 1 de octubre de 2016

FAA IHEIHE PAUL GAUGUIN

FAA IHEIHE

Faa Iheihe
óleo sobre lienzo 54 x 169 cm
Tate Gallery Londres


Faa Iheihe es el extraño título que Paul Gauguin antepuso a su firma en esta composición de varias figuras , pintada en Tahití hacía febrero o marzo de 1898 . La traducción literal del idioma indígena podría ser algo así como " decorar con adornos " y la letra es suficientemente clara para no admitir que la segunda palabra Ineihe, como han supuesto algunos , en cuyo caso hubiera equivalido a " preparativos`para una fiesta " , con un sentido más inteligible.

El cuadro tiene una importancia por el momento crítico en que fue ejecutado , dentro de la vida atormentada de su autor . Enfermo y deprimido y lleno de deudas , había regresado Gauguin a Tahití en 1895. Sus penas se agravan por la muerte de su hija Aline y le acosan las inquietudes por el destino final del hombre .

Aquí el pintor parece buscar la calma y serenidad de la existencia paradisíaca de la isla . Hay también un afán plástico , en busca de ritmos clasicistas y una intención alegórica frente a la vida .

La composición , está influida , sin duda, por los frisos escultóricos javeaneses , de los que tenía fotografías en su estudio . El sentido rítmico en la colocación de las figuras se acentúan cromáticamente por la alternancia de ocres y rojos que envuelven a aquéllas inquietantes fulgores.

Mercedes Tamara
1-10-2016

Bibliografía Grandes Museos Edit Planeta