jueves, 29 de septiembre de 2016

LOS ENAMORADOS PIERRE-AUGUSTE RENOIR

LOS ENAMORADOS 1875
Enamorados
Los enamorados
óleo sobre lienzo 175 x 130 cm
Národi Galerie de Praga




Realizado en el año 1875, este lienzo titulado Los enamorados corresponde al denominado " período verde " . La composición incluye dos figuras , una dama y un caballero sentados sobre la hierba a la sombra de un árbol cuyo follaje crea un ambiente luminoso muy variado.

En torno a los personajes se despliegan diversas gamas de verdes , mostradas por los rojos y blancos de algunas flores , así como por la dorada luz solar que se infiltra entre las hojas. El tapiz vegetal absorbe los contornos de las figuras , que aparecen unidas de forma natural al medio que las rodea . 

La dama viste un ligero traje blanco que cobra irisaciones azuladas , con el cual contrasta la oscura indumentaria de su acompañante. El ambiente del cuadro sirve para subrayar las relaciones emotivas y sensuales que existen entre sus personajes . Un examen detallado pone de manifiesto la espontánea técnica de ejecucion de Renoir, su peculiar manera de enlazar las amplias pinceladas que describen convincentemente las calidades de los ropajes , sin cubrir por completo la imprimación del lienzo , que desempeña un importante papel expresivo.

El pintor no se detiene en la descripción de los detalles , sino que esboza las formas con manchas de color que definen tan sólo sus perfiles principales. Las manos enlazadas de la dama y el caballero son, por ejemplo, una simple nota de color que contemplada a distancia ha de sugerir con realismo la presencia de unos dedos que no han sido individualizados por lineas de contorno . Por otra parte, el carácter espontáneo y abocetado del cuadro se halla atestiguado por el cambio de idea patente en la mano izquierda del caballero , que Renoir situó en principio en una posición más adelantada que la definitiva , sin preocuparse luego para ocultar la linea de dibujo.


                                                                        Mercedes Tamara
                                                                         29-09-2016


Bibliografía : Atlas del Impresionismo

miércoles, 28 de septiembre de 2016

BARCAS EN ETRETAT CLAUDE MONET

BARCAS EN ETRETAT 1886



Barcas en Etretat
óleo sobre lienzo 73 x 92 cm
Museo Nacional de Artes de Budapest 


Se podría decir que la auténtica carrera pictórica de Monet comienza en 1862, cuando el pintor contaba con tan solo 22 años de edad. Habiendo enfermado en Argelia durante el servicio militar, fue enviado a Le Havre para recuperarse. De vuelta en la costa normanda el joven Monet conoció al que iba a ser, en sus propias palabras, su “verdadero maestro”, el pintor holandés Johan Barthold Jongkind.


Alcohólico e impulsivo, Jongkind impresionó al joven Monet con los efectos de la luz y la atmósfera en sus marinas. La influencia del pintor holandés es claramente advertible en obras como “Pointe de la Hève en Sainte-Adresse” (1864, Kimbell Art Museum, Texas), con su marcada horizontalidad y la representación cuidada del cielo y la atmósfera. Esta pintura sería admitida en el Salón de 1865. Destaca el realismo de la obra y el uso de una pincelada muy definida, que Monet iría modificando en obras posteriores, como “Mar gruesa en Etretat” (1868, Paris, Musée d’Orsay)


La pureza del propósito impresionista que siempre guió a Claude Monet es evidente en la composición Barcas en Etretat. 
Ejecutada en 1886, compendia las diversas experiencias del pintor : 
de una parte , el descubrimiento del medio marino , realizado en el Havre junto a Jongkind; de otra, el interés por la perspectiva área , desarrollada de manera personal tras su estancia en Inglaterra cuando la guerra franco -prusiana.

A todo ello se suma la intención primordial por traducir de modo pictórico la realidad de las cosas en una circunstancia precisa de luz, color y clima .

Las tres barcas alineadas sobre la playa son , pues, un mero motivo de estudiar la atmósfera en un dia plomizo que tiñe las aguas marinas de un turbio verdor . En este contexto , las formas elegantes de las embarcaciones pesqueras no pueden asumir el papel de protagonista . Sin duda, que éste corresponde a las infinitas gamas de vibración colorista y lumínica que existen en la superficie mojada de la playa.

Mercedes Tamara
28-09-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo Edic Taschen 


domingo, 25 de septiembre de 2016

PASEO EN BARCA MARY CASSAT

PASEO EN BARCA 1894 

Paseo en barca
óleo sobre lienzo 90 x 117 cm
National Gallery of Washington









Mary Cassat , americana como Whistler y diez años más joven que él , marcha también a París y se incorpora al impresionismo, como es lógico , en una fase más avanzada de esta escuela .Paseo en barca  es además, una de las  obras de su madurez, hacía 1894 , cuando su estilo se ha formado totalmente.


Paseo en barca - es una excelente muestra del  tratamiento lumínico. Cassatt sitúa a las tres figuras en diferentes zonas de iluminación: el hombre de espaldas está ensombrecido mientras que parte de la dama y la niña también se benefician de la sombra de la vela; sin embargo, una buena parte de la pequeña está iluminada por un fuerte rayo solar típicamente veraniego. 


Este es uno de los cuadros más conocidos de la artista americana. Su talento se manifiesta en la originalidad del encuadre , para ordenar la composición por sectores muy bien delimitados por líneas rectas y curvas, alternando las paralelas y las convergentes .


La  luz refuerza los colores amarillos de la barca y los rosas del traje de las mujeres, contrastando con la oscuridad del hombre. La sensación de perspectiva se consigue al situar a las figuras en profundidad, mostrándonos al fondo la orilla con unas edificaciones. Pincelada suelta y dibujo se vuelven a unir, como viene siendo costumbre en la obra de la norteamericana.




Cada uno de estos sectores tiene su color y de nuevo apreciamos el partido que el impresionismo sacó de la contraposición de los complementarios , en este caso el blanco contra el negro y el azul contra el amarillo , con otros tonos neutros que se interponen para armonizar el conjunto.


                                                                     Mercedes Tamara
                                                                     25-09-2016


Bibliografia : Atlas del Impresionismo







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viernes, 23 de septiembre de 2016

CENTRAL PARK MAURICE PRENDEGAST

CENTRAL PARK 1903

Central Park
acuarela papel  52, 7 x 68,6 cm
Whitney Museum of American Art


Más próximo a los impresionistas franceses , a los que había visto de cerca, está Maurice Prendegast , autor de Central Park , que parece ser se pudo haber comenzado en el año1903 , nos presenta una deliciosa escena en el gran parque neoyorquino , con las gentes sentadas en la hilera de bancos viendo desfilar los elegantes coches de caballos ante el bosque.

El suyo es un impresionismo tardío , en el que se adivina la influencia del pintor divisionista francés Paul Signac . Prendegast poseyó un oficio depurado , que se pone de manifiesto en esta acuarela , tan fresca y espontánea . Las manchas de color transparente se acoplan como en un mosaico , transponiendo a este procedimiento pictórico , más fluido, la técnica del divisionismo

Prendergast capturó la energía festiva del parque en un día de verano y sugirió, con bandas horizontales generales, el sistema de tráfico tripartita que acomoda carros, los caballos con los jinetes y peatones.


Se muestra a las mujeres en los tipos de vestidos y sombreros que eran elegantes en 1903 y carruajes tirados por caballos en comparación con los automóviles y bicicletas que aparecieron poco después. pigmentos de Prendergast densos, yuxtaposiciones de colores complementarios, y los remolinos de forma indican la influencia sobre él de la pintura contemporánea
                                                    

                                                            Mercedes Tamara
                                                             23-09-2016



Bibliografía . El Impresionismo, Vol II Edic Taschen

jueves, 22 de septiembre de 2016

SEÑORA PROBÁNDOSE UN SOMBRERO FREDERICK CARL FRIESEKE

SEÑORA PROBÁNDOSE UN SOMBRERO 1909

Señora probándose un sombrero 
óleo sobre lienzo 191 x130 cm
Art Institute of Chicago 




Frederick Carl Frieseke, nacido en la localidad de Owosso,  ( Michigan ) , es un caso de internacionalismo pictórico . Formado inicialmente en las clases del Art Institute de Chicago , continuó sus estudios en la Académie Julian de Paris , ciudad en la que se estableció definitivamente .


Por algún tiempo fue discípulo de Whistler, pero la influencia que  modeló su estilo y perduró en su producción fue la del impresionismo francés . Señora probándose un sombrero muestra claramente el conservadurismo de Frieseke , quien al pintar el cuadro en 1909 no había superado la etapa de concreción formal propia del estilo 
" de salón " de Renoir.


Ante un tocador con espejo , la dama contempla en un espejo de mano cómo le sienta el sombrero de paja decorado con una rosa y una guirnalda de flores . 


La atención del pintor se concentra en la descripción de los reflejos creados por la luz sobre los objetos de metal y de vidrio, logrando , por ejemplo en la valoración del espejo de plata , la correcta impresión de materia y volumen. 


La imagen de la dama en el espejo de tocador le permite desarrollar un interesante ejercicio de iluminación . Frieseke se interesa también por rendir las calidades de las vaporosas telas del vestido de la dama , zona del cuadro a la que aplica pinceladas ligeras agrupadas en haces, paralelamente o como una constelación de puntos . Dicha técnica consigue apropiada impresiones de luz y volumen 


Mercedes Tamara
22-09-2016


Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 

miércoles, 21 de septiembre de 2016

LOS BORRACHOS VICENT VAN GOGH

LOS BORRACHOS


Los borrachos
óleo sobre lienzo 59 x 73 cm
Art Institute of Chicago 






En los últimos meses de su vida, Vincent Van Gogh alcanzó en su pintura el ápice del dramatismo expresivo. El artista, cuya situación síquica bordeaba la paranoia, trató de refrenar sus impulsos sometiéndose a la interpretación de obras de otros autores, como medio para evitar enfrascarse en una tarea de creación original que le hubiera sobreexcitado.

 Durante el período de estancia en el asilo de Saint-Rémy, Van Gogh realizó diversas réplicas de grabados de Delacroix, Millet y Daumier, entre ellas el óleo Borrachos, inspirado en una composición del último de estos artistas. En una carta a su hermano Theo, revela el pintor que su propósito no es simplemente el de efectuar una copia, sino el de transcribir el grabado original en el lenguaje del color. 


La composición del modelo fue conservada en sus rasgos principales, con la adición del paisaje de fondo, en cuyo horizonte aparecen diversas construcciones y las líneas verticales de chimeneas que expulsan negros humos. El cielo fue colmado de nubes retorcidas en las que la impronta del característico trazo espiral de Van Gogh ha quedado de modo indeleble. La tensión emocional del autor se manifiesta tanto en la agitación de las líneas, como en el frío esquema cromático, prácticamente reducido a las gamas de verdes y azules. El cuadro fue pintado en el mes de febrero de 1890.


Mercedes Tamara
21-09-2016

Bibliografia Grandes Museos Edit Planeta


martes, 20 de septiembre de 2016

EL ESCOLAR VAN GOGH

EL ESCOLAR 1899

El escolar
óleo sobre lienzo 63 x 54 cm
Museo Sao Paulo 




Durante su estancia en Arles en 1899 , Van Gogh conoció al pintor Gauguin con quien convivió algún tiempo , hasta que sus diferencias de carácter produjeron una definitiva ruptura . A este momento pertenece El escolar, magnífico retrato en el que se proyecta la extraña capacidad expresiva del autor.

La efigie del niño , en medio cuerpo y sentado de lado en una silla , se recorta sobre un fondo de agrio color naranja . De su rostro girado a la derecha destacan sus inmensos ojos azules y el tono de su expresión del modelo.  La cara, las manos y los asientos están configurados en una explosión de colores cálidos que se destacan el amarillo. 

Giulio Carlo Argan (2009) ha destacado que la simultaneidad de los contrastes de la interacción entre los colores primarios y complementarios, caliente y frío, crea tensión llegando a decir que la materia pictórica adquiere “una existencia autónoma, exasperado, casi insoportable”Los tonos ocres y amarillentos y verdosos del rostro , descrito en tres cuartos de perfil , enfatizan su fisonomía vacua de sentimientos en la que tal vez haya proyectado Van Gogh elementos de su propia personalidad . El personaje se identifica con el joven Camille Roulin.



                                                                            Mercedes Tamara
                                                                                     20-09-2016





Bibliografia : FOROXERBAR 






domingo, 18 de septiembre de 2016

BAILARINA CON CASTAÑUELAS PIERRE AUGUSTE RENOIR


BAILARINA CON CASTAÑUELAS 1909
Bailarina con castañuelas
óleo sobre lienzo 155 x 64, 8 cm
National Gallery de Londres






La Bailarina con castañuelas pertenece a un momento tardío de la producción de Renoir y forma pareja con otro cuadro de idéntico formato y parecido tema , Bailarina con tamborcillo , el cual pertenece asimismo a la National Gallery . Ambos lienzos fueron ejecutados en 1909 por encargo de Maurice Gagnant, quien los destinó a la decoración del comedor de su apartamento parisino.




Se sabe que el artista utilizó como modelo , para el cuerpo de la bailarina, a una tal Georgette Pigeot , mientras que para el rostro se sirvió de la joven Gabriella Renard, quien en la época habitaba en su propia casa




En el caso de Bailarina con castañuelas Junto al exquisito dibujo del pintor, hay que destacar la rapidez y fluidez con que aplica  los colores 
con pinceladas muy rápidas y  sin pararse en los detalles  a la hora de crear las obras más interesantes en el último periodo de su carrera. La luz resbala por la figura de la bailarina y pone a  la obra de Renoir en contacto con el arte de los impresionistas.




Mercedes Tamara ( autora )

18-09-2016




Bibliografía : ARTEHISTORIA





sábado, 17 de septiembre de 2016

PASEO EN EL CREPÚSCULO VICENT VAN GOGH

PASEO EN EL CREPÚSCULO  1899



Paseo en el crepúsculo 
óleo sobre lienzo 49 x 45 cm 
Museo de Sao Paulo




Incluido por razones de cronología en la tendencia impresionista , es, sin embargo, Vicent van Gogh un pintor que escapa a toda clasificación .




Su Paseo en el crepúsculo revela a través de una inquietante caligrafía pictórica los recovecos de una personalidad neurótica para la cual el arte fue un medio natural de expresión.






En el primer término, poblado por vegetación arbórea, aparece una pareja descrita con rotundas líneas de contorno. Se extiende tras ella un horizonte de montañas violáceas a las que la pincelada zigzagueante confiere abrupta y hostil orografía. Sobre ellas un celaje raso, con una luna en creciente que polariza un halo amarillento. El cuadro fue pintado en 1899 en el hospital de Saint-Rémy, próximo a Arles, donde el artista se recluyó voluntariamente. Es posible que la figura masculina, de barba y cabellos pelirrojos, represente al propio Van Gogh.



Mercedes Tamara
17-09-2016

Bibliografia : " Grandes Museos " Edit Planeta 

miércoles, 14 de septiembre de 2016

DOS MUJERES BAILANDO EN EL MOULIN ROUGE HENRI DE TOULOUSSE LAUTREC

DOS MUJERES BAILANDO EN EL MOULIN ROUGE 1892




Dos mujeres bailando en el Moulin Rouge
óleo sobre cartón 93 x 80 cm
Museo Nacional de Praga, 



Henri de Toulousse Lautrec nos introduce en el ambiente frívolo de París de fin de siglo con su cuadro Dos mujeres bailando en el Moulin Rouge .Con su  familiaridad habitual , presenta el célebre cabaret y retrata a las gentes que lo frecuentan .

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En el primer plano está ocupado por dos mujeres que bailan juntas, vestidas con sencillez. Detrás de ellas hay una barandilla que separa la zona de baile de la de mesas. Se reconoce, a la derecha, al pintor Charles Conder, y a la izquierda a François Ganzi. La figura con chaqueta roja es Jane Avril, cantante y bailarina del Moulin Rouge, protagonista de otras pinturas del artista  y la otra es Cha-u-Kao , la actriz excéntrica a la que por una vez vemos en traje de calle , sin la indumentaria grotesca y los afeites con los que aparece en otros dibujos y pinturas de Toulousse Lautrec .



La línea vuelve a ocupar el papel protagonista en la composición aplicando el color de manera plana siguiendo la estampa japonesa. El aspecto fotográfico vuelve a ser uno de los elementos principales del conjunto, narrando con sus pinceles la vida nocturna de París como si de un "paparazzi" se tratara



Mercedes Tamara ( autora )
14-09-2016



Bibliografía : Wikipedia








lunes, 12 de septiembre de 2016

PUEBLO BRETÓN BAJO LA NIEVE PAUL GAUGUIN

PUEBLO BRETÓN BAJO LA NIEVE 1894

Pueblo bretón bajo la nieve
óleo sobre lienzo 62 x 87 cm
Paris, Museo de Orsay 


Pueblo bretón bajo la nieve supone un cambio temático con respecto a las obras precedentes de carácter marcadamente simbólico y llenos de exotismo . Pintado en 1894 durante un paréntesis en Europa , sirve para comprender la adaptabilidad de Gauguin a los escenarios más diversos. Es como sí el autor hubiese retornado a sus primeros tiempos , refrescando un modo de ver el paisaje que merece el calificativo de impresionista y que puede relacionarse con el estilo de Pissarro . Hasta cierto punto constituye esta obra un ejercicio para olvidar el medio que el pintor ha abandonado , y que pronto retornará para siempre.


El cuadro muestra un paisaje nevado con unas típicas casas bretonas de tejados a dos aguas muy inclinadas y con una chimenea ancha arriba. En el centro sobresale la aguja de una iglesia que queda cortada arriba del cuadro. En primer plano y al fondo hay prados cubiertos de nieve.

La paleta de colores se adapta perfectamente al significado del cuadro Gauguin utilizó una gama de colores muy alejada del colorismo de  sus pinturas tahitianas , limitándose al blanco azulado que cubre la nieve que hay en los prados del primer término y que hace extensivo a los tejados de las casas bretonas . Destacan los colores grisáceos  muy difuminados salpicados con toques marrones de las fachadas que  contrastan con el color marrón  de  la aguja de la solitaria iglesia. 

Mercedes Tamara ( autora )
12-09-2016

Bibliografia  . Wikipedia 



martes, 6 de septiembre de 2016

JUNTO AL BALCÓN LAS ESPAÑOLAS LEONOR Y AMPARO KOSTANTIN KOROVIN

JUNTO AL BALCÓN LAS ESPAÑOLAS LEONOR Y AMPARO 1888.1889
Junto al balcón .Las españolas Leonor y Amparo 
óleo sobre lienzo 59, 7 x 37 cm
Galeria Tetriakov Moscú 



Konstantín Alekséyevich Korovin (En ruso: Константин Алексеевич Коровин, a veces escrito el nombre como Constantin) (Moscú, 23 de noviembre de 1861- París, 11 de septiembre de 1939, París) fue un destacado pintor impresionista ruso



En el bEn 1888, Korovin viajó con Mámontov a Italia y España, iniciando en Valencia la pintura de En el balcón, mujeres españolas Leonor y Amparo. El cuadro obtuvo la medalla de oro en la Exposición Universal de París de 1900.i. En la exposición de los Peredvizhniki, debutó en 1889 precisamente con el cuadro En el balcón. Pintó primero con un estilo impresionista.

Junto al balcón .Las españolas Leonor y Amparo pertenece al período temprano de la obra de Konstantín  Korovin en donde el artista  muestra  su  original estilo en el que destaca su amor por la expresión en las delicadas armonías tonales , que en este retrato se remite a una gama de colores grises plateados.

Esta obra que comentamos se  refleja de  forma intensa e inmediata  el mundo inherente al artista . El cuadro está realizado sobre la base de un estudio tomado en Barcelona durante su viaje por España . En el lienzo desempeñan un papel central los rasgos cromáticos , su estilo es libre y artístico . A través de unos cuantos detalles esboza el entorno mediante las poses femeninas , destacando las peculiaridades de su temperamento y con ligeros movimientos del pincel transmite el delicado juego del color plateado . 

En el cuadro las protagonistas son dos mujeres de mediana edad : una vestida totalmente de negro y una segunda con un traje blanco Éste  asoma por debajo de un mantón con flecos en el que destacan pequeñas flores de color blanco que salpican el fondo negro de este atuendo tan típico que llevaban las mujeres en el siglo XIX en España .

 Las mujeres miran fijamente a través de unas persianas donde destacan los colores preferidos del pintor : el blanco y el negro . En el  fondo , junto a una puerta de color grisáceo , Korovin ha pintado unas cortinas blancas que contrastan con la pared negra y en el suelo vemos una alfombra con pequeñas flores de color rosáceo y sobre ésta ,una silla -también de color negro - completan los escasos elementos de este magnífico lienzo 



En el cuadro Korovin refleja la sensación de alegría vital que experimentó el joven pintor en su primer contacto con España, sus costumbres , caracteres y cultura.

Mercedes Tamara ( autora )
6-09-2016


Bibliografia Wikipedia 

domingo, 4 de septiembre de 2016

DESPUÉS DEL BAÑO LOVIS CORINTH

DESPUÉS DEL BAÑO 1906

Después del baño
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Kunstahalle, Hamburgo 




Mientras que muchas de sus alegorías celebran la desnudez, Corinth acaba por despojar sus representaciones de cualquier alusión mitológica o religiosa. Algunos cuadros nacieron de observaciones espontáneas de la vida cotidiana, como Mañana (1905) y Después del baño (1906), que muestran a su esposa, su modelo predilecto, en un quehacer íntimo.





En este cuadro Después del baño , se aprecian muchas semejanzas como diferencias con la " Serie de desnudos de mujeres  bañándose, pintándose o siendo peinadas de Degas. Los elementos  en común con el artista francés son la postura de la joven y su actitud completamente espontánea y natural , como si en vez de posar estuviera siendo espiada en su intimidad cotidiana.

Como la mayoría de los impresionistas Corinth prioriza el color que representa por medio de vigorosas  y potentes pinceladas que no permiten ver con nitidez el contorno de todos los elementos del lienzo Un gama cromática de rojos, verdes , blancos y tonos grisáceos hacen que Después del baño se convierta en una obra muy singular y llena de originalidad 

Lo que tiene poco que ver con Degas son las pinceladas vigorosas y potentes del fondo y los grandes contrates cromáticos , adoptados durante la misma época por los fauvistas y expresionistas. 

Mercedes Tamara ( autora )
4-09-016

Bibliografia . Atlas del Impresionismo