CLASE DE PINTURA HENRI MATISSE

CLASE DE PINTURA 1919

Clase de pintura
óleo sobre lienzo 74 x83 cm
Edimburgo, Scottish National Gallery of Modern Art

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente, junto a Pablo Picasso como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno del siglo XX. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.

La pintura absorbió totalmente la vida artística de Henri Matisse hasta el extremo de introducirse en su obra Clase de pintura en la que vemos al artista cuya presencia se ha reducido al mínimo en cuanto a su importancia , densidad y color son poco relevantes en el conjunto del cuadro a diferencia de otras pinturas en las que el color destaca por sus colores intensos Aquí el dibujo es el que define todos los elementos de esta pintura .

Mediante este artificio óptico se incluye la presencia del pintor en compenetración con el medio artístico al tiempo que indica cierto distanciamiento . En su reflexión, el pintor se impone como creador soberano frente al mundo de las imágenes . Su representación está próxima a la irrealidad , lo cual se ve reforzado por la presencia de la muchacha leyendo. Con el libro abierto ésta se impone al bodegón compuesto por un jarro de flores , frutas y un pincel sobre la mesa . El color negro de las hojas del libro y del pincel establecen la relación con el fondo. El espejo ovalado sirve para enmarcar otro de los temas del pintor, un paisaje que sin el espejo estaría ausente en la habitación. El espejo refleja la proyección en la superficie negra del fondo y, aludiendo a la actividad del pintor, hace las veces del cuadro en el cuadro. Al mismo tiempo actúa de mediador entre la figura de la modelo y él. Los diversos niveles de la realidad, representación pictórica y grafica y reflexión en el espejo, son reconciliados en la unidad del nivel pictórico bidimensional por el empleo de los valores cromáticos y luminosos 

                                                              Mercedes Tamara  ( autora )

                                                              26-08-2015

                                                                         

Bibliografía : Wikipedia

     

  

NATURALEZA MUERTA CON CEBOLLAS PAUL CEZANNE

NATURALEZA MUERTA CON CEBOLLAS 1896-1898

Naturaleza muerta con cebollas
óleo sobre lienzo 66 x 82 cm
Paris, Museo de Orsay

Este cuadro es indudablemente uno de los resultados más fascinante de la investigación de Cézanne sobre el tema de las naturalezas muertas . El pintor se ejercita en la cebolla , que tiene una estructura más compleja y resulta por tanto especialmente afín a sus osadas búsquedas de estos años , por su "mayor flexibilidad lineal y sobre todo por su forma más abierta y ondulada " .

El pintor construye su composición descentrándola hacía la izquierda , para después imponerle un repentino movimiento hacía la derecha por medio de la leve pero eficaz proyección del cuchillo . En la mesa dispone aparentemente en desorden sus cebollas , que describen una serie de lineas curvas a las cuales reaccionan los ángulos agudos de la mesa, en un sutilísimo equilibrio de fuerzas centrífugas y expansiva la primera , contenedora y constructiva la segunda , casi como para remachar el esfuerzo constante del artista por dotar de orden el caótico movimiento al que están sometidas todas las cosas.

Con delicadas modulaciones de color traduce con esmero todas las vibraciones cromáticas que la atenta observación de la naturaleza sugiere con las rosas , los rojos, los azules y los anaranjados construye sabiamente las cebollas y luego se detiene en los efectos de transparencia del vidrio y de la copa , acentuados por el juego de reflejos y por la inestabilidad de los contornos . La capa de pintura es extremadamente fina y la delicadeza de los efectos de la luz revela, una vez más, su asiduo y fructifero acercamiento a la pintura española del siglo XVII . También a la pared quizá el espacio vacío más grande de toda la producción de Cézanne- se reserva un tratamiento pictórico particularmente refinado , que le confiere inéditos efectos de transparencia.

Mercedes Tamara

24-08-2015

Bibliografia : Cézannne Edit Biblioteca El Mundo 

TRES PARES DE ZAPATOS VICENT VAN GOGH

TRES PARES DE ZAPATOS 1886

Tres pares de zapatos
óleo sobre lienzo 49 x 72 cm
Cambridge ( MA ) Fogg Art Museum 

En 1886, Van Gogh pintó Tres pares de zapatos , que en cuanto a la intensidad del color y de la energía psíquica , aún carece de la intensidad sobrecogedora de sus posteriores obras, el ambiente está aquí sublimado más allá de lo pintoresco. El cuadro presenta zapatos descuidados con cordones, suelas remachadas , calzado usados de cocheros comprados en los mercadillos de viejo. Así hay que imaginarse el calzado que llevaba Van Gogh para pintar cuadros de paisaje en los alrededores de París .

En la vieja pintura holandesa , el camino que se recorría a pie era una metáfora recurrente del camino de la vida, Van Gogh pintó en su estudio de la Rue Lepic naturalezas muertas de sus propios zapatos , que a sus jóvenes compañeros de profesión parecían " extraños " .Los zapatos vivos se refieren programáticamente al ser artista de Van Gogh ; la naturaleza muerta se convierte en una especie de autorretrato .

El tema se plasma de forma realista , pero con una pincelada libre. El modo del cuadro es serio ; su sencillez se corresponde con un mensaje moral . Los zapatos están tan animados que parecen contar con personalidad y expresión individual ; es decir , se trata de auténticos retratos de cosas. 

Al contacto con los impresionistas , la paleta oscura-terrosa de Van Gogh se hizo más clara y adquirió mayor colorido . Pintó su Jarrón con lirios en 1890 , en los últimos días que pasó en Saint- Rémy. Como el tulipán en el siglo XVII, y después de un intermezzo mariano en la Baja Edad Media , el lirio  comenzó su marcha triunfal a finales del siglo XIX y, sobre todo en el estilo modernista . Cada época tiene sus preferencias florales : con el girasol , el lirio se convirtió en algo así como el símbolo de la pintura de Van Gogh , en una marca animada y llena de colorido de una época que anunciaba la modernidad.

Mercedes Tamara ( autora )

10-08-2015

Bibliografia : Van Gogh, Edic Taschen