LA ESPERA DE TOULOUSSE LAUTREC

LA  ESPERA  1888

LA ESPERA
óleo sobre lienzo 
56,2 x 47 cm
Colección Sterling Clark

Reconocido por sus vibrantes y teatrales representaciones de bailarinas en cabarets,café concierto y salas de baile , Toulousse Lautrec creó en La espera una escena mucho más consolidada y pensativa. El artista eligió un punto de vista inusual, desde arriba y por detrás de la figura , escondiendo sus  características y enfatizando su pose cansada y la mirada abatida , mientras apoya su codo sobre la mesa .


Se tiene la sensación de que el observador se está inmiscuyendo como un intruso en un momento privado e intimo . Lautrec pintó a numerosas mujeres sentadas solas a una mesa aferrando un vaso entre las manos en la segunda mitad de la década de 1880 , el período en el cual estuvo más involucrada en la confección de carteles para los salones y negocios de entretenimientos populares de su barrio de Montmatre 


Su creciente participación en este medio fue impulsada en parte por Aristide Bruant, cantante y compositor que inaguró un cabaret llamado Le Mirliton en el boulevard Rouchechouart, a mediados de la década de 1880 , para el cual Lautrec pintó dos obras destinadas a decorarlo.


Con pocos atributos personales definidos ,la mujer sentada en La espera no fue identificada , aunque bien podría ser la misma Carmen Gaudin que posó para Carmen, retrato . Dejando de lado su  identidad , la obra expresa un aura melancólica a través de la soledad de esa mujer y su mirada hacía abajo


A primera vista , se presenta como una persona sentada a la mesa de un café ,tal vez esperando a alguien o simplemente dejando pasar el tiempo inmersa en sus pensamientos . Después de una más detallada observación , se entrevé el ángulo de una tela en la parte superior izquierda , lo que indica que la escena está ambientada en el estudio del artista .


 En los últimos años de la década de 1880 , Lautrec desarrolló un creciente interés porretratar el aspecto y el comportamiento de mujeres que frecuentaban los cafés de Montmatre , incluso si  se encontraba confinado en los controlados y seguros límites de su estudio , como se aprecia en esta pintura.


Lautrec dibujó la mayor parte de la  composición con carbonilla sobre tela y después aplicó el óleo a capas muy finas . La fluidez de la pincelada y lostrazos visibles de la carbonilla del dibujo preparatorio contribuyen  a crear el encanto de la composición, acentuando el estado de ánimo triste y meditativo . Aun con los puntos  luminosos de contrastes amarillos y verdes en la mesa y la copa y unos pocos toques de azul en el  fondo de la tela y la gama cromática es moderada en comparación con posteriores obras de Lautrec

Mercedes Tamara 

31 enero 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

LA MERIENDA DE MARIE BRACQUEMOND

LA MERIENDA  1880

La merienda
óleo sobre lienzo 
81,5 x 61, 5 cm
París, Musée du Petit Palais

Marie Bracquemond es, junto a Mary Cassatt y Berthe Morisot , una de las tres gandes mujeres pintoras de  este estilo . Participó en tres exposiciones de los impresionistas en los años 1879, 1880 y 1886 . Hoy en día es prácticamente desconocida , pues abandonó la pintura en 1890 y muy pocas de sus obras se encuentran en colecciones públicas .

Este recogimiento se debe por un lado, al papel tradicional de la mujer y, por otro, a la dominación de su marido , el artista gráfico Felix Bracquemond que no apoyó la modernidad de su arte. Al parecer Marie Bracquemond -para no poner en peligro  la paz familiar -dejó por completo la pintura.


Marie Bracquemond adquirió su formación , a la  manera clasicista con Jean - Auguste-Dominique Ingres. Su segundo maestro sería Paul Gauguina quien Felix Bracquemond trajo a su casa en  1880 . De este mismo año es el lienzo La merienda


La merienda muestra a la hermana de Marie  Bracquemond , Louise, sentada al aire libre . El aire abierto que sostiene en la mano no  parece acaparar su atención , pues dirige  la mirada hacía abajo a la derecha .

El rostro representado frontalmente simétrico e herático, recuerda retratos de Ingres como Madame Motissier . La pequeña naturaleza muerta -sobre todo la bandeja de plata-con las uvas - hace pensar en elementos similares en las obras de Ingres : por ejemplo: el pequeño taburete con frutas en el primer plano deEl  baño turco (1863,París, Musée du Louvre )


Bracquemond aplicaba , una muy pegada al lado de la otra, pequeñas pinceladas , con  finas graduaciones de tonos rojos, verdes y azules , para representar el juego de luces y sombras. El rostro y las manos  descubiertas están plasmados de un modo especialmente fino. El sombrero  da sombra a los ojos y la frente se produce una transición continua hacía la mitad inferior del rostro , más clara.


Algunas manchas de luz , en los vestidos y en el matorral del fondo , son de un blanco puro y resplandeciente. En el cuadro El te ( Boston, Museo of Fine Arts ) representa asimismo a su hermana Lydia. El te es del mismo año que La merienda probablemente se presentaron ambos lienzos  en la quinta  exposición de los impresionistas  en 1880 . Lydia aparece sentada en una habitación, a la izquierda : a su lado , una visita como puede reconocerse porque no se ha quitado el sombrero y los guantes , como era usual en una breve visita para tomar el te.  Cassatt extiende una  naturaleza muerta en el primer plano: un servicio de te de plata, sobre el que  reluce la luz de forma similar a los puntos de  sol en el cuadro de Bracquemond .

MARY CASSATT :EL TE , HACÍA 1880

El estilo de Cassatt es más blando porque emplea un pincel más ancho ; la pincelada distendida incluso se desliza a la abstracción en el tapizado del sillón y de la mesa armonizan con los tonos grises y platas en la chimenea, el servicio de plata y el papel pintado.






El rojo y el plata dominan y dan al cuadro una unidad fuera de lo común. El aspecto de una breve impresión queda subrayado por la posición de la taza , que tapa el rostro de la visita. Es la impresión del momento que beben.

Mercedes Tamara

30 enero 2012

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen
                           Gran Atlas del Impresionismo, Edic Electa

MURALLAS DE SEGOVIA DE JOAQUIM SOROLLA

MURALLAS DE SEGOVIA 1906

MURALLAS DE SEGOVIA
óleo sobre lienzo 70 x 63 cm
Colección particular

En 1906 viaja a Segovia sin su familia, en un momento de condiciones metereólogicas duras -nieve y niebla- que le dificultan muchísimo su trabajo . A pesar de ello ,sabemos por sus cartas que logró llevara cabo lo que él llama " impresiones ligeras " , que está obligado a terminarlo en " sólo una sesión " , " por lo que cambia la luz " . El levantino vuelve a mostrarse con este magnífico cuadro como dueño de una versatilidad que le capacita para mover, con facilidad , entre diversas poéticas y contenidos .


En este caso escoge el paisaje castellano , tan frecuentado por otros pintores como Darío de Regoyos, Ignacio Zuloaga, Gutiérrez Solana, pertenecientes todos a este grupo cuya temática estaba muy próxima a las inquietudes de la Generación del 98 . En el paisaje " heroico " de Castilla de tierras secas,  de casonas viejas y agrietadas de hombres curtidos al sol, símbolo en definitiva de la España castiza.


Con la elección de este tema y de este paisaje particular . Sorolla se muestra tremendamente "valiente " , ya que fueron precisamente los miembros de  esta generación- con la excepción de Maeztu y Pérez de Ayala -los que más menospreciaron el optimismo y la alegría de vivir que siempre se manifestaba en la forma y contenido de los cuadros del pintor valenciano y que se enfrentaba a esa visión " negra " del obligado pesimismo. Esta reducción simplista encasilla a nuestro artista en un única tendencia : la sensualidad solar y luminíca de la pintura levantina , separada por infranqueables distancias de otros pintores como Ignacio Zuloaga , considerado siempre como su contrario.

EL ÁRBOL AMARILLOA LA GRANJA 1906
Óleo sobre lienzo 62x 93 cm
Museo de Arte del Smith College, Northampton,
Massachussets

Sin embargo, Sorolla tambien pinta Castilla  en este año ,  Segovia-curiosamente es precisamente en 1906 cuando se consolida las características de la llamada " etapa segoviana de Zuloaga " y lo hace, como siempre ,  sin miedo.

Situado ante el natural , va  absorviendo como una sensaciones y emociones que, posteriormente traduce en multitud  de matices , siempre de forma sincera y espontánea, sin nada preconcebido, sin forzar la originalidad, únicamente  recreando lo que ve Parece que a cada realidad, Sorolla es capaz de hablarle en un lenguaje gráfico específico; al caserío y a la piedra inerte , del color blanco amarillo , con toque certero, pincel ancho y veloz y a la naturaleza exultante del follaje verde , con rápida fluidez , donde la pincelada se "desmelena "a base de brochazos largos y amplisímos 


Los rayos solares tienen un poder de  transmutación ,capaz de transformar las imágenes de las cosas de negativas a positivas, como nos dice en una de sus cartas:" Todos son ruínas , todo es miseria que iluminado por el sol es agradable " El efecto solar ilumina todo con una luz de oro pálido  las casas y los edificios se confunden con el terreno  rocoso formando con él una unidad indisoluble ,  abruptamente interrumpida por la verde vegetación . 

Esta última se desplaza por la zona izquierda del cuadro en una perfecta diagonal que obliga a nuestra vista a trasladarse al fondo , donde se sitúa uno de los edificios más altos y emblemáticos de la melancólica ciudad.

Mercedes Tamara 

29 enero 2012



Bibliografia :Obras Maestras Blanca Sorolla, Edic El Viso

FIN DE LA JORNADA DE JOAQUIM SOROLLA

FIN DE LA JORNADA 1900

FIN DE LA JORNADA
óleo sobre lienzo 88x 128 cm
Colección particular

En este cuadro pintado en el 1900, viene a subrayar un profundo cambio en la trayectoria artística de Sorolla. Esta transformación se centró en el estudio de audaces perspectivas y en el análisis de la figura humana que, a partir de ahora, comienza a ganar volumetría, corporeidad y rotundidad, a la vez que, sin  embargo el paisaje se hace cada vez más evanescente, mucho más cambiante y lírico, pierde materialidad, casi deshecho en un puro juego de reflejos .

El asunto sigue inmerso en ese costumbrismo centrado en la vida de los pescadores valencianos pero, en este caso, la temática anecdótica tiende a perder importancia , a favor de la representación, cada vez más audaz, de los efectos de la luz sobre las figuras y las cosas.

El tema, tres pescadores tirando de una barca para sacarla del mar y vararla en la orilla, recuerda  muchísimo el dibujo de Sargent . Tiene en común con éste, no solamente la perspectiva, sino la idea de tensión , del esfuerzo que tienen que llevar a cabo los hombres para arrastrar la  barca, que se manifiesta igualmente en las posturas tambaleantes que éstos adoptan.


Esta pugna, evidentemente , repercute en la tensión muscular y en el movimiento  de las figuras que, en este caso, se presentan en un marcado escorzo y en primer plano, tirando de un cabo desde
la orilla. Sus rostros no interesan- por  eso los presenta de espaldas únicamente es importante su batalla particular con el mar. Otra vez vuelve a utilizar el maestro valenciano aquí, su característico juego de diagonales para definir la composición: una, la más importante -definida por los hombres tirando y la propia barca- se desarrolla de  izquierda a derecha  y de fuera hacía dentro, dividiendo ilusoriamente el cuadro en dos triángulos exactos, uno más iluminado que otro. Pero, por si no fuera suficiente esta forma de adentrar que  nuestra mirada discurra en zig-zag a través de la accidentadacosta y nos lleva de un extremo a otro de la tela- en diagonales que forman claramente otro triángulo.


Utilizando otro artificio- que  a partir de ahora va a ser muy habitual- parece que el pintor ha conseguido realmente incluirnos dentro del cuadro; a esta sensación contribuye la cercanía de los primeros  pescadores, su corporeidad y sus cualidades táctiles, así como la  tensión que apreciamos en sus cuerpos y en la propia cuerda de la que jalan, de la que no vemos ni su inicio, ni donde está anclada, lo que acrecienta la sensación de que nosotros mismos, el espectador somos la tercera persona que ayudaría con el titánico esfuerzo, pero ya desde fuera de la propia pintura. Esta sensación casi corporalmente en el cuadro se acrecienta por la propia perspectiva , con un punto de vista muy elevado que nos precipita directamente a la escena.

Las Sardineras

Mercedes Tamara

26 enero 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

TIPOS DE LAGARTERA DE JOAQUIM SOROLLA

TIPOS DE LAGARTERA  1912

TIPO DE LAGARTERA
óleo sobre lienzo 200 x 206,5 cm
Museo Sorolla , Madrid

La culminación del éxito de Sorolla en Estados Unidos le llega cuando Archer Milton Huntington , fundador de The Hispanic Society of America de Nueva York , le encarga en 1911 y con destino  a esta institución , un gran friso decorativo que reflejara los momentos más importantes de la historia de España.El pintor levantino aceptó la magna empresa, pero prefirió pintar  " representaciones de la vida actual de España y Portugal " que, finalmente , se redujeron únicamente al ámbito español.

TIPOS MANCHEGOS, EL ASNO BLANCO 1912
óleo sobre lienzo 200x 202 cm
Museo Sorolla, Madrid

El último período del quehacer artístico de Sorolla ( 1911-1920 ) viene determinado ,por lo tanto, , por la ejecución de los 14 paneles murales -que compondrían finalmente un friso de 70 metros de largo y casi 4 de alto-con destino a la Hispanic Society titulado Las provincias de España que abarcaron la mayor parte de la actividad en los años comprendidos entre 1911 y 1919

TIPOS DEL RONCAL 1912
óleo sobre lienzo 200x 150 cm
Museo Sorolla. Madrid

Dado el poco convencimiento que le produce su primer panel , decide pintar in situ , al exterior,creyendo que era posible reunir lo característico de cada región española en un conjunto de  figuras dispuestas al aire libre, , lo que le obliga a continuos desplazamientos , con las consiguientes molestias que éstos le provocan. A partir de ahora serán muy pocos los descansos que se toma en esta espectacular tarea .

TIPOS DE LEQUEITO 1912
óleo sobre lienzo 202x 155 cm
Colección particular

Desde los inicios de 1912 nuestro pintor viaja por media España , recogiendo notas , estudios y documentación gráfica para la realización de los distintos paneles :el correspondiente a Castilla y León -La fiesta del pan- en el año 1913 , cuatro de Andalucia -Los nazarenos, El encierro, El baile y Los toreros - los correspondientes a Aragón -La joya y El Concejo de Roncal-y al País Vasco -Los bolos - entre los años 1914 y 1915.

TIPOS DEL VALLE DE ANSÓ 1914
óleo sobre lienzo 206x 150 ,5 cm
Museo Sorolla, Madrid 

Los que aquí presentamos son bocetos y por ello, más modernos, espontáneos y frescos que los murales originales . Aún así, el sentido compositivo y la factura es más académica de lo que  venía siendo habitual en nuestro pintor . Realmente esta exorbitada empresa, supuso un verdadero parón en el potencial innovador del último Sorolla - En éstos se encuenta reunidos de un lado, la gracia y soltura del cuadro abocetado , junto a la sensación de acabado , característica de Sorolla más formal. 

CONCURSO HÍPICO EN ONDARRIETA
SAN SEBASTIÁN 1912
óleo sobre lienzo 21,7x 16 cm
Colección particular

Como es habitual en él , las cabezas resultan " más hechas " y contrastan con el resto de la composición, que va aligerándose , tanto en el dibujo , como en la materia . Muchas de las figuras están solamente apuntadas con brochazos , tan firmes , como ligeros y constructivos.La rapidez de la mano jugando con el lienzo sin cubrir , aumenta la capacidad de sugerencia y presta un singular encanto a estas obras.

TIPOS DE PIEDRAHITA, ÁVILA 1912
óleo sobre lienzo 205z 121 cm
Colección particular 

El artista se esfuerza en componer a partir del color y la luz, con el fin de conseguir la unificación exacta en todo los términos del cuadro . Sus blancos cálidos , sus sombras transparentes en las que despliega la variada gama de ocres , verdes pálidos , violetas y azules , son muestra de una observación estricta del natural. Generalmente, aprovecha con gran habilidad el fondo grisáceo de la tela para dar unos brochazos rápidos de blanco, llevando el pincel con carga muy líquida  que deja sin cubrir grandes sectores . Consigue así, por transparencia, una luminosidad en el fondo y una sugerente gracia de la que carecerá siempre la pintura terminada.

Mercedes Tamara 

24 enero 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

e

LA VILLA ROSA, TROUVILLE DE GUSTAVE CAILLEBOTTE

LA VILLA ROSA, TROUVILLE  1884

LA Villa Rosa, Trouville
Óleo sobre lienzo 60 x 75 cm
Colección particular

Gustave Caillebotte nació el 19 de agosto de 1848 en el seno de una familia parisina de clase alta. Su padre, Martial Caillebotte (1799-1874), fue el heredero de un negocio familiar de textiles militares y también fue juez del Tribunal de Comercio (Tribunal de Commerce) en el departamento de Sena. Su progenitor había enviudado en dos ocasiones antes que contrajese matrimonio con su madre llamada Céleste Daufresne (1819-1878), con quien tuvo dos hijos más aparte de Gustave, que fueron René (1871-1876) y Martial (1853-1910)


Caillebotte nació en la residencia familiar ubicada en la vía Rue du Fauborg-Saint-Denis, en París, y vivió ahí hasta que su familia se mudó a otra casa en la vía Rue de Mirosmenil. A partir de 1860, su familia empezó a frecuentar durante los veranos la ciudad de Yerres, ubicada a doce millas al sur de París, debido a que su padre había adquirido una amplia propiedad en dicho lugar. Posiblemente en esta época Caillebotte empezó a pintar y a dibujar.


Los "Impresionistas" —–también denominados los "Independientes", "Intransigentes" e "Intencionalistas"—- habían roto sus lazos con la pintura académica que era exhibida en los Salones anuales^]Caillebotte realizó su debut artístico en la segunda exposición impresionista en 1876, y presentó ocho pinturas, incluyendo su destacada pintura Los acuchilladores de parqué (Les Raboteurs de parquet, 1875).^]El tema central de la pintura era la representación de unos obreros preparando el piso de madera, siendo considerado «vulgar» por la crítica, y probablemente esta fue la razón por la cual la obra fue rechazada por los jueces del Salón de 1875. En aquella época, la academia de arte consideraba aceptable la representación de campesinos rústicos

Después de la guerra, Caillebotte ingresó al taller del pintor académico León Bonnat, donde inició seriamente el estudio de la pintura. Con el transcurso del tiempo logró desarrollar su propio estilo y estableció su primer taller en la residencia de sus padres. En 1873, aprobó el examen de admisiones de la École des Beaux-Arts, sin embargo no permaneció por mucho tiempo en la academia. Al año siguiente, heredó la fortuna de su padre, y después de que falleciese su madre en 1878 los tres hermanos se dividieron la herencia familiar que incluía la propiedad en Yerres (Essonne- Francia), siendo una fortuna bastante importante para permitirle consagrarse a su pasión por la pintura. Aproximadamente en 1874, conoció y entabló amistad con varios artistas que estaban alejados de la academia de arte francesa, incluyendo a Edgar Degas y Giuseppe De Nittis, y acudió a la primera exposición impresionista llevada a cabo ese año, a pesar de que no participó



El estilo pictórico de Caillebotte pertenece a la escuela del realismo pictórico; sin embargo, fue profundamente influenciado por sus colegas impresionistas. Al igual que sus precursores, Jean-François Millet y Gustave Courbet, y también su contemporáneo Degas, Caillebotte se enfocaba en pintar la realidad, tal cual como existía y la visualizaba, con la esperanza de reducir la teatralidad inherente de la pintura. Tal vez por su relación cercana con muchos de los pintores de su época, su estilo y técnica varían considerablemente en su obra pictórica, como si estuviese tomando prestado y experimentando, pero realmente sin apegarse a ningún estilo en particular. En ocasiones, parece que tuviese cierta inclinación por el estilo de Degas, plasmando en sus obras un realismo con una amplia riqueza de colores (especialmente en sus cuadros con escenas interiores) y otras veces, comparte el compromiso impresionista de "realidad óptica" y emplea una paleta caracterizada por tonalidades pasteles y una pincelada suelta similar a la de Renoir y Pissarro.

Frecuentemente, utilizaba una suave técnica impresionista semejante a la de Renoir para expresar la naturaleza tranquila del campo, en contraste con las pinceladas más sobrias y lisas de sus pinturas urbanas. En su cuadro titulado La villa rosa de Trouville en la que Calleibotte traslada el lenguajeplástico de los impresionistas - aunque él siempre pretendió tener un estilo independiente- se nota aún la influencia del realismo de Coubert y Millet . en sus efectos luminosos  En esta pintura aclara decisivamente los colores  y da mayor soltura al empaste, pero sin llegara una descomposición de los pigmentos  que disolviera la plasticidad y el exacto dibujo del cuadro. Sus cuadros continuaron siendo en primera linea revelaciones de nuevos aspectos de una modificada realidad contemporánea

Mercedes Tamara 

23 enero 2012

Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen

EL BAÑO DE BERTHE MORISOT

EL BAÑO  1885-1886 

EL BAÑO
óleo sobre lienzo 
92,1 x 73 ,1 
Colección Clark

La modelo de El baño fue probablemente Isabelle Lambert,una joven de diecisiete años que Morisot pintó en varias ocasiones entre 1885-1886 . Está vestida con una enagua blanca y tiene los brazos levantados para atarse el pelo con una cinta negra ; ya se ha colocado el collar azul ,se ha pintado los labios con carmín y se ha puesto colorete en las mejillas . 



Con un cepillo de cabello en el regazo y un vaporizador de perfume a su alcance , no hay ninguna duda de que se está preparando para salir a la calle . Como muchos cuadros de Morisot y de su colega impresionista Mary Cassatt , la obra describe un momento íntimo en la vida de una joven respetable , captado con una combinación de delicadeza y fuerza pictórica que la  sitúa entre las más notables de la artista.


El baño se mostró por primera vez en la octava exposición de los impresionistas en 1886, junto a una ecléctica mezcla de obras que incluían pinturas de los neoimpresionistas :Georges Seurat y Paul Signac , así como dibujos fantásticos de Odilon Redon. No obstante, la enérgica pincelada de  Morisot , los colores claros y el lienzo visible en algunas zonas son formas más típicas del primer impresionismo.


A pesar de la aparente velocidad de la concreción de las obras , Morisot hacía cuidadosos estudios en pastel de los brazos y la cabeza , las partes más complicadas y engañosas de una composición. En efecto, los variados niveles de acabado-desde las manos y la cara- muy 
trabajadas , hasta la mera sugestión de una pared detrás de la modelo -aumenta la fascinación de la obra.


En una reseña elogiosa en la exposición de 1886 se citaba incluso al crítico del siglo XVIII Denis Diderot, una referencia inteligente dado que la fascinación de Morisot por los pintores rococó Jean-Honoré Fragonard y François Boucher estaba en pleno apogeo. 


En realidad, la propia artista parece haber quedado muy  satisfecha y orgullosa de la pintura  ya que la conservó hasta el momento de su muerte , cuando pasó a su amigo y colega impresionista Claude Monet , para permanecer en poder de su familia hasta los años cuarenta del siglo XX.

Mercedes Tamara

22 enero 2012

Bibliografía : Colección Sterling Clark, Museo del Prado, Madrid

EL PUENTE DE ARGENTEUIL DE CLAUDE MONET

EL PUENTE DE ARGENTEUIL1874

EL PUENTE DE ARGENTEUIL
óleo sobre lienzo 60 x 80 cm
París , Musée d´Orsay

El año de realización de El  puente de Argenteuil marca un momento fundamental para los pintores del grupo que exponen juntos por primera vez . Monet logra resultados de extraordinaria claridad en el ámbito de sus indagaciones sobre las calidades lumínicas . Algunos  de sus paisajes de este momento relumbran con un aura especial que suscitó con razón el asombro de quienes apreciaban su obra.


Este cuadro es una de sus obras maestras:es un fragmento de realidad indagado con una intención profundamente analítica  que produce, sin embargo, la sensación poética del estupor ante el hecho natural. Es delicadísimo el modo de fundir los  diversos valores luminícos .El pintor se centra sobre todo en la reproducción de las transparencias del agua, que reflejan las barcas, el puente, los árboles y los edificios.


Cultivaron a la vez el mismo asunto Monet, Renoir, Sisley, Caillebotte y Berhe Morisot. La finalidad del común empeño es indudablemente cognoscitivo y parte del presupuestos metodológicos estrechamente relacionados con el pensamiento teórico contemporáneo: la visión es un momento de toma de conciencia , de interiorización de un dato de la realidad. Depende de impulsos externos que, actuando sobre la retina , son elaborados  por el cerebro. El resultado es una percepción  que no puede ser considerada más que subjetiva,aún estando determinada por un mismo objeto de partida.

Mercedes Tamara 

21 enero 2012

Bibliografía : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann

MUJER CON ABANICO DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

MUJER CON ABANICO 1879

MUJER CON ABANICO
Óleo sobre lienzo 65,4 x 54 cm
Colección Sterling Clark

Como otras muchas otras pinturas con mujeres jóvenes realizadas por Renoir, tampoco ésta es fácil de catalogar . La modelo es Jeanne Samary, famosa actriz de la Comédie-Française especializada en el papel de criada coqueta a la que el artista  utilizó de modelo varias veces entre 1877 y 1881 y de la que pintó tres verdaderos retratos. Aunque Mujer con abanico no fue concebido ni  expuesto como tal, el artista parece jugar con  los limites entre retrato y pintura de género y traza conscientemente los rasgos de la modelo según su propio ideal de belleza femenina , si bien por algunos aspectos el cuadro está  impregnado de la personalidad de Jeanne .

Fotografías y grabados del camerino del actriz nos muestran una tapiceria a rayas intensas, sillas con decoraciones ensortijadas similares a la de la pintura, un techo adornado con abanicos japoneses del mismo tipo que el que sostiene con una mano. Es poco probable que estos atributos fueran conocidos por el público ; sin embargo, no pasaron desapercibidos a Marie- Joseph-Paul Lagarde primer propietario del cuadro y marido de la modelo.

Retrato o pintura de género , Mujer con abanico es un cuadro fascinante que destaca entre las numerosas representaciones de mujeres jóvenes y agraciadas realizadas por el pintor. Además del abanico, el espacio intimo y la asimetría de la composición revelan, que en este período, Renoir estaba experimentando las soluciones pictóricas del arte japonés. Aunque no  compartía la pasión por el arte de este país como Degas y Monet , también es cierto que el artista visitó el pabellón japonés de la Exposición Universal de París de 1878 y , por lo tanto, tenía presente ese lenguaje pictórico cuando llevó a cabo el cuadro.

Renoir coloca la cabeza de la joven cerca del centro de la composición y la rodea de grandes ramos de crisantemos de vivos colores , una tapicería a rayas y el abanico , apoyado en la mejilla y perfectamente paralelo a la imagen . Estos recursos , en vez de crear una confusión visual, acentúan la tridimensionalidad  de la figura . Con su sombrero a la moda , el abanico japonés y un pendiente radiante , la fascinante joven que parece casi fluctuar delante de un fondo enigmático es la imagen arquetípica de una elegante parisina.

Mercedes Tamara 

20 enero 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

BAJO ELTOLDO, PLAYA DE ZARAUZ DE JOAQUIM SOROLLA

BAJO ELTOLDO, PLAYA DE ZARAUZ  1910

Bajo el toldo de Zarauz
óleo sobre linzo 99x 126 cm
colección particular

En estos momentos , el pintor realiza un  especial avance en la concepción sensual del arte que, para los impresionistas , era, " según la vida " , al plasmar la "impresión "cromática que le producían las personas y los objetos , con finas graduaciones y una gran luminosidad ,pero renunciando siempre a los detalles exactos.


Su manera de pintar , con manchas de color rápidas e intensas se adecua perfectamente al juego armónico de colores tenues y poéticos de un día nublado de gran belleza. Con una pensada gama de grises, muy bien orquestada a través de los efectos de brillo y transparencia de los blancos luminosos,llega al refinamiento más exquisito

Bajo el toldo de Zarauz , 1910
óleo sobrelienzo  100x 115 cm
Museo de Bellas Artes de San Luis Missouri

El artista se ha colocado en función de un  observador imparcial y atento,testigo casual de un acontecimiento aleatorio. El cuadro posee un gran dinamismo interior y una profunda dimensión temporal que  le da el carácter de algo " que aún será ".Esa sensación procede de la aplicación del color desenvuelta y como inconclusa , de lineas generalmente inestables que sólo son fronteras del color. 

La posición de los `personajes es acentuadamente anticonvencional y  ha sido recogida como una instántanea:esa idea se acentúa con el recurso ya conocido por el levantino, de un puntode vista alto, como en escorzo.

Sobre la arena, Playa de Zarauz 1910
óleo sobre lienzo 99x 125 cm
Museo Sorolla, Madrid

El cuadro está concebido como una superficie unitaria, con un valor eminentemente decorativo donde el primer plano, el segundo y el  fondo, tienen el mismo valor , al renunciar , de alguna manera , a la perspectiva tradicional.Los personajes parecen moverse hacía los márgenes derecho e  izquierdo del cuadro , con distintas velocidades . El lado izquierdo de la composición está cortado por  el marco del cuadro.

Playa de Zarauz  1910
óleo sobre lienzo 62x 92 cm
Colección particular

De esta etapa sobresale la impresión de pacifica complacencia que emana de sus obras, inmersas en una atmósfera de reverberaciones luminícas , enmarcadas por las azules franjas del mar o del cielo y la animada presencia de mujeres, hombres y niños vestidos con ligeros atuendos veraniegos.

                                    Mercedes Tamara 

                               19 enero 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa