MURALLA VERDE SA COMA SANTIAGO RUSIÑOL

MURALLA VERDE SA COMA 1904

Muralla verde Sa Coma
óleo sobre lienzo 95 x 105 cm
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid

Santiago Rusiñol y Prats Barcelona, 25 de febrero 1861 – Aranjuez, donde falleció mientras pintaba sus famosos jardines, 13 de junio de 1931), fue un pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana. Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museo del "Cau Ferrat", y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a Mallorca con Joaquín Mir.


El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894.

En 1894 Rusiñol inicia su serie de jardines Bajo la influencia de Fiñesole en la que le descubre la belleza de sus paisajes en la que el ciprés es el auténtico protagonista y. a partir de ese momento, su actividad pictórica se centrará en ese género del paisaje que son varios jardínes españoles que constituirá la principal actividad del artista catalán. En 1897 se instala en Granada donde ejecuta una serie de jardines ; los carménes y La Alhambra, Viaja a Mallorca, Valencia y Aranjuez; pinta claustros de los viejos monasterios y los calvarios de Levante . 

La exposición de los Jardines de España en octubre -noviembre de 1899 constituye un éxito con un gran reconocimiento internacional , cuya visión de España aparece como muy alejada de los tópicos y llena de veracidad.Pero después de realizar Los jardines de Aranjuez, 1907  ( Museo Nacional del Prado, Madrid ) ejemplo revelador de una amplia producción dedicada al mismo tema, Estas obras obedecen a un esquema general caracterizado por el rigor compositivo, como puede verse en la obra que nos ocupa

En el primer término  de Muralla verde, Sa Coma aparece la naturaleza de forma simétrica ordenada por el hombre, que contrasta con una visión salvaje que asoma al fondo de la composición , lo que constituye uno de los mayores atractivos ésta En esta composición Rusiñol se aleja de la monocromía de los primeros jardines realizados en Granada  que consistía en la aplicación de dos colores: verde oscuro y verde claro.

En esta pintura opta por una profusión de colores: malvas  , morados, amarillos , verdes y algunos toques de rojo que asoman de la flores que hay en las pequeñas macetas que hábilmente ha situado sobre la vegetación bien ordenada de la hilera derecha del lienzo . Los dos cipreses que ha situado al fondo del cuadro proporcionan simetria y profundidad a este bello jardin -algo diferente a los realizados anteriormente en Aranjuez y Granada Este jardin está lleno de simbolismo algo ya habitual en todas las producciones de jardines del artista 

Mercedes Tamara ( autora )

28-02-2015

Bibliografia : Wikipedia

JARDIN DEL GENERALIFE SANTIAGO RUSIÑOL

JARDIN DEL GENERALIFE  1917

Jardín del Generalife, Granada
óleo sobre lienzo 107 x 87 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona

Santiago Rusiñol y Prats (Barcelona, 25 de febrero 1861 – Aranjuez, donde falleció mientras pintaba sus famosos jardines, 13 de junio de 1931), fue un pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana.

Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.


Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museo del "Cau Ferrat", y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a Mallorca con Joaquín Mir.


El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894.

Santiago Rusiñol fue el pintor español más excepcional de jardines Ya en 1898 se inicia en  su serie de " pinturas de jardines ", una actividad pictórica que durará hasta el final de su vida. En estas obras y en los jardines de La Granja conforma el modelo de jardín de sus años de plenitud , de poética simbolista, perfecta ordenación compositiva con perspectiva lineal y sugestiva descripción ambiental. 

Realizó el Jardín del Generalife en el año 1917 en la que muestra la perspectiva lineal para conseguir profundidad con árboles para situar gradientes y el limitado color de la paleta con la utilización de dos gamas del color verde  En el primer término ha pintado tres escalones con macetas  que dan acceso al  bello jardín .Al entra en él  una hilera de cipreses perfectamente alineados de forma simétrica que dejan entrever paisajes tristes, desiertos y silenciosos Todo en esta pintura tiende al simbolismo , empezando por los tonos , ya que Rusiñol atribuye a los colores significados esencialmente simbólicos El cuadro está resuelto para provocar un sentimiento de misterio y malestar muy lejos de la época en que estos jardines del Generalife estaban lleno de vida y color 

Mercedes Tamara ( autora )

27-02-2015

Bibliografia Wikipedia

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LA TRINI RAMÓN CASAS

LA TRINI 1916

La Trini
óleo sobre lienzo 93,5 x 73, 4 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña

Ramon Casas (Barcelona, 1866-id., 1932) Pintor y dibujante español. Se formó artísticamente en Barcelona con Joan Vicens y se perfeccionó en París, donde residió de 1890 a 1894, con Rusiñol y Utrillo, entre otros. En sus primeras obras plasmó interiores y exteriores parisinos empleando con soltura el toque y la concepción impresionista.

A su regreso a Barcelona siguió cultivando esta tendencia inicial de su pintura, sobre todo en sus cuadros de interiores con figuras femeninas, pero se sintió atraído también por la pintura histórica, en particular por la plasmación de acontecimientos contemporáneos. Ello se concretó en cuadros de gran formato, con multitud de figuras y dotados, en algunos casos, de intensos efectos de dramatismo, como es el caso, por ejemplo, de Garrote vil, una de sus obras más conocidas. Las procesiones y los bailes populares se contaron también entre sus temas preferidos.

Hacía 1915 Casas creó una serie de figuras femeninas , de influencia española . Un ejemplo es el óleo llamado La Trini . Una hermosa mujer de pelo negro ondulado viste un traje de colores verdes ,granates y amarillos  que hacen juego con un mantón que cae sobre el brazo derecho  mientras deja al descubierto el izquierdo A diferencia de las chulas de finales del siglo XIX , aquí le interesa señalar la existencia de un cuerpo bajo la ropa Se preocupa mucho por mostrar las carnaciones del busto y del rostro femenino , que están modelados con sabiduría y son zonas lumínicas de un extraordinario plasticismo . Aquí el pintor demuestra su originalidad artística , a la vez que sigue la norma  de la filosofía esteticista que proclamaba " el arte por el arte ".

Esta y otras figuras femeninas que pintó por estos años no tienen nada de utilitarias ni prácticas , sino que hablan de un sentimiento a través de los colores , utilizados con valentía y con un resultado tan justo como magistral Estas obras son la mejor muestra de que Casas prefería la belleza de las formas que la belleza de las ideas , para él el arte no tenía que ser utilitario ni práctico , sino que debía hablar al corazón, es decir , dirigirse a la sensibilidad más que al raciocinio

Mercedes Tamara ( autora )

26-02-2015

Bibliografia : Biografía y Vidas 

LA GRASSE MATINÉE RAMÓN CASAS

LA GRASSE MATINÉE 1900

La grasse matinéecolección particular

Ramón Casas y Carbó(en catalán: Ramon Casas i Carbó) (Barcelona, 5 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932) fue un pintor español célebre por sus retratos, caricaturas y pinturas de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales contribuyeron a perfilar el concepto de modernismo catalán.

La grasse matinée es una pintura realizada con un gran virtuosismo y refinamiento estético , se cree en la influencia de artistas lejanos que influyeron notablemente en el artista catalán en esta obra y en otras por él realizadas ya que su estancia en París contactó con pintores de tendencia impresionista 

En esta pintura , la protagonista es una deliciosa joven que asoma la cabeza , de cabellos alborotados . desde debajo de las sábanas  Arriba de la cama hay un cuadro ovalado con el marco dorado que contribuye a proporcionar belleza a esta pintura 

  En primer término vemos una silla verde sobre la que se encuentra un ropaje de color rosado , cromatismo cálido que sirve para aumentar la importancia y belleza del primer término del cuadro . Desde ahí surge una linea oblicua con la que se forma la cama que está cubierta por una preciosa colcha , un elemento que posee un gran efecto pictórico . Su fuerza decorativa viene dada por una profusión de pinceladas , magnífica sinfonía de colores con el que consigue dar la calidad y mostrar el diseño de este elegante y moderno cubrecamas. El pintor muestra ser un excelente dibujante ya que la figura de la joven tiene una apariencia real y activa como podemos observar al contemplar el gesto de la mano que dota de vida a esta pintura 

Mercedes Tamara ( autora

25-02-2015

Bibliografia : Wikipedia 

EL LANZADOR DE CUCHILLOS DE JAZZ HENRI MATISSE

EL LANZADOR DE CUCHILLOS DE JAZZ 1943-1947

El lanzador de cuchillos de jazz
Libro ilustrado con 20 pochoirs 42 x32,2 cm
The Louise E Stern  Collection

La vívida y enérgica forma del color fucsia que aparece aquí a la izquierda representa al lanzador de cuchillos , mientras que la estática forma azul pálida que alza los brazos a la derecha indica su pareja femenina en el popular número cirquense . Motivos con siluetas de hojas flotan por la composición, poniendo en esta visión estética una atmósfera de sueño.

" En estas imágenes , con sus ritmos alegres y violentos , cristalizan recuerdos de circos, cuentos populares y viajes " , así decía Matisse en el poético texto que acompañaba a sus composiciones para Jazz, un extraordinario libro del artista .

El lanzador de cuchillos , es una de las veinte imágenes de la obra , intercaladas con páginas donde se reproducen sus palabras escritas a mano.

Al final de su carrera , tras quedar impedido a consecuencia de una operación quirúrgica en 1941, Matisse se dedicó a hacer collages con papeles pintados . Cortaba a tijera las formas curvilíneas y luego las disponía en animadas composiciones . El innovador editor Tériade le animó a hacer un libro con aquellas deslumbrantes creaciones . El artsita escogió la técnica gráfica del pochoir , notable por la posibilidad de lograr zonas saturadas de color plano brillante mediante la aplicación de tintas de aguda con plantillas.

Mercedes Tamara

19-02-2015

ANTONIO GARCIA EN LA PLAYA JOAQUIN SOROLLA

ANTONIO GARCIA EN LA PLAYA 1909

Antonio García en la playa
óleo sobre lienzo 150 x 150 cm
Madrid, Museo Sorolla

Este espléndido cuadro es el mejor tributo pictórico que Sorolla pudo rendir a su suegro , el fotógrafo Antonio García Peris , figura que tendría una trscendencia fundamental en la vida personal y profesional del artista , que sintió siempre por él un verdadero afecto filial basado en el respeto y la consideración mutuos que permanecieron intactos durante toda su vida.

Así, aunque Sorolla realizó en distintos momentos de su carrera varios retratos de su suegro, con intenciones y planteamientos bien diferentes en cada ocasión ; en este caso rendir homenaje a quien fuera fiel acompañante de sus sesiones de trabajo a la orilla del mar en las playas de Valencia , y al reconocido fotógrafo que, aunque disfrutaba de una bien merecida reputación en su profesión , siempre había albergado inquietudes de pintor , que de algún modo satisfechos con orgullosa admiración en la figura de su yerno.

En efecto, Sorolla quiso plasmar en este lienzo, no un retrato , sino su imagen de caballero burgués , tal y como paseaba con el cuando le hacía compañía en sus jornadas de trabajo en la playa. Así, lo pintaba pulcramente vestido con su ligero traje blanco de verano descansando a la orilla del mar en una mecedora, con las piernas cruzadas y sujetando su bastón en las manos . Sentado a la sombra , para resguardarse de los rigores del húmedo calor estival , posa de perfil, con su cabeza despejada dirigida al frente,hacía donde reposa su mirada serena y contemplativa , colocado su sombrero canotier en la banqueta situada junto a su asiento.

Sorolla observa a su modelo desde un acusado escorzo, al pintarlo de pie desde un punto de vista más alto, según puede verse en las fotografías que muestran al artista en distintos momentos de la ejecución de este retrato. En ellas aparece Antonio García posando para Sorolla a la sombra de un toldo, con la misma actitud e indumentaria que representa la pintura , pero en un entorno de playa completamente despejado , sobre una plataforma de madera para evitar el hundimiento de la mecedora en la arena por el peso y el balanceo.

Sin embargo, Sorolla vuelve de nuevo a modificar la apariencia natural de lo que ven sus ojos a través de su instinto de pintor, teniendo además muy en cuenta en este caso al destinatario del cuadro, su profesión y sus inquietudes artísticas . En efecto, el espacio en el que se desenvuelve Antonio García, tal y como posó para los pinceles de su yerno, se transforma por completo al quedar encuadrada su figura por unos perfiles del suelo y el muro de una caseta de playa , inexistente en el escenario natural en que se sitúa el modelo, pero que Sorolla introduce en su campo de visión para estructura su espacio , marcando así los planos con un recurso claramente fotográfico , aprendido de su suegro y muy del gusto del pintor , que lo ensayaría en su obra con cierta frecuencia , aunque casi siempre en el ámbito reservado de pequeños apuntes de trabajo , a la búsqueda de novedosos efectos espaciales en paisajes al aire libre delimitados por un marco de arquitectura , sugiriendo un espacio interior desde que el espectador contempla en contraluz el paisaje abierto que asoma tras él. 

Sorolla convierte el fondo de la playa de este sugerente retrato en un gran tapiz de bandas de luz y color que enmarcan la figura de su suegro, eliminando la linea del horizonte para concentrar toda la intensidad pictórica del cuadro en el juego cromático con el que el pintor analiza las superficies del agua y la arena bañadas por el sol , en contrate con los reflejos azulados del traje del fotógrafo sugeridos por la sombra del toldo invisible , resolviendo todo el lienzo con una factura rápida de una gran fuerza y energía pictóricas, y a la vez, con un trazo seguro y ligero  que, lejos de insistir en concentraciones densas de pintura , extiende el óleo por la superficie del lienzo con una enorme fluidez, con la que consigue efectos de texturas y transparencias sutiles, que incluso recuerdan en algunas zonas la técnica de la acuarela, logrando con todo ello el que sin duda puede considerarse el mejor retrato de playa pintado por Sorolla y una de las obras más genuinas y originales del artista en este género.

Mercedes Tamara

15-02-2015

Bibliogafia Joaquin Sorolla , Francico Javier Pérez Royo Museo Nacional del Prado 

REUNIÓN DE FAMILIA FREDERIC BAZILLE

REUNIÓN DE FAMILIA

Reunión de familia
óleo sobre lienzo 152 x 130 cm
Museo de Orsay, Paris

Antes de desaparecer prematuramente durante los combates de la guerra franco-prusiana de 1870, Frédéric Bazille estuvo muy próximo de Renoir y de Monet, en los que admiraba en particular las escenas al aire libre. Aprovechando una estancia estival en la residencia familiar de Méric, cerca de Montpellier, comienza este motivo sobre un lienzo de bastante grande formato, reuniendo en una terraza diez de sus parientes cercanos, junto a él, representado de pié, en la extremidad izquierda del cuadro.

Los zanjantes contrastes muestran el amor del pintor por la luz de la región del Mediodía. El grupo se encuentra bajo la sombra de un imponente árbol, lo que intensifica los colores crudos del paisaje y del cielo, opuestos. La luz filtrada por el follaje hace de hincapié la ropa clara que contrasta con las notas oscuras de las chaquetas, con un chal o un mandil.

Al contrario del gran lienzo de Monet Mujeres en el jardín, que acababa de adquirir Bazille, cada una de las figuras constituye también un retrato y casi todos los modelos miran al espectador, como si estuvieran con un fotógrafo. Por lo cual, y pese a que se trate en este retrato de grupo de la intimidad familiar, las poses son un poco rígidas. Incluso la ejecución parece ser contenida y Bazille retoca una y otra vez el lienzo durante el invierno, antes de volver a cogerlo una vez más un año después, incluso tras haberlo mostrado en el Salón, sustituyendo unos perritos por un bodegón, muy poco natural.


Estas indecisiones y compromisos explican sin duda alguna, que su cuadro fue aceptado en el Salón de 1868, mientras que los de Monet, más atrevidos, fueron rechazados. Modesto, Bazille se sorprendió, escribiendo que el jurado dio su acuerdo "no sé como, es probable que se hayan equivocado".

Mercedes Tamara

12-02-2015

Bibliografia : Museo de Orsay , Paris

LA ESTACIÓN DE SAINTE-LAZARE CLAUDE MONET

LA ESTACIÓN DE SAINTE-LAZARE 1877

La estación de Sainte-Lazare
óleo sobre lienzo 75,3 x104 cm
París, Museo de Orsay

" En el momento de la partida de los trenes , el humo de las locomotoras es tan denso que no se distingue casi nada ", con estas palabras comunicaba Monet a Renoir su idea de pintar la estación de Sainte-Lazare . Como mencionan las fuentes, pintara una media docena de lienzos que representan su primera serie sobre un tema único , variado por las diferentes entonaciones y puntos de vista. Los resultados son insólitos y revelan la evidente influencia de las soluciones que la fotografía había podido sugerir. Las escenas están tomadas como a través de la mirada de un gran ojo que observará desde dentro la gran estructura metálica de doble vertiente , pero que por estar demasiado desorbitado no puede enfocar bien y lo  que se resuelve es una inmensa fantasmagoría de vapores que se elevan formando nubes hacía lo alto.

Los lienzos se hallan hoy dispersos entre varias colecciones : unos se han quedado en Europa y otros han ido a Estados Unidos . El Musée de Orsay de París sólo conserva uno. Es difícil apreciar por separado estas obras, concebidas como una serie ; ésta del Musée de Orsay esta construida con una extraordinaria simetría que acentúa la sensación de mística verticalidad producida por esta moderna catedral . La cubierta de vidrio deja entrever el cielo de París y las volutas de humo azul dan un tono evanescente y majestuoso al espacio arquitectónico, donde las personas son  figuras diminutas y casi imperceptibles . El aspecto visionario que posee el París moderno fue traducido a prosa por Émile Zola en su obra El vientre de París donde describe el mercado de Les Halles : " Un gran rayo entraba desde el fondo de la calle cubierta, desgarrando la masa de los pabellones con un pórtico de luz y golpeando la extensión de los tejados esparcía en torno suyo una lluvia incandescente. La enorme osamenta de hierro mudaba de color tiñéndose de azul. Ahora era sólo una silueta oscura ante las llamaradas del sol naciente "

Mercedes Tamara

6-02-2014

Bibliografía : Monet , Edic Taschen