PRADOS DE ERAGNY DE CAMILLE PIIZARRO

PRADOS DE ERAGNY 1896

El huerto de Eragny
Óleo sobre lienzo 54x65 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

Camille Pizarro sentía debilidad porque en sus paisajes los colores verdes fueran muy intensos. Estos temas no se parecen en nada a los temas que Signac y Seurat de la escuela divisionista preconizaban, pero después de un cierto tiempo de estar trabajando con ellos , se cansó de esos puntitos tan meticulosos del " divisionismo "y optó por una factura libre 


En esta pintura Prados de Eragny Pizarro prioriza el espacio procurando que éste sea amplio y muy despejado. Desea  que el sol proyecte sus rayos sobre los troncos de los árboles para que se vea con nitidez la forma que tienen éstos , como se puede apreciar en el primer plano del cuadro parece un estrecho tronco de árbol , cuya curvatura situada en el centro es bien visible para el observador.

Las pequeñas tonalidades marrones que aparecen como manchas no desentonan para nada con el  verde del prado sino que lo complementa y aparece ante nosotros un prado muy despejado y sumamente relajante.

Mercedes Tamara 

16 agosto 2011

Bibliografía : Colección Carmen Thyssen-Bornemizsa

MUJER DESNUDA SENTADA DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

MUJER DESNUDA SENTADA  1876

Mujer desnuda sentada
óleo sobre lienzo 92x 73 cm
Moscú, Museo Puskhin

La modelo, Ana , tiene la piel blanca y el cuerpo corpulento de las mujeres preferidas de un pintor , como Aline Charigot, que luego se convertirá en su esposa. Renoir la capta sentada en una silla y rodeada de telas en un ambiente relativamente oscuro.

El fondo consiste en una acumulación de telas deshechas de color claro que hace destacar aún más el cuerpo de la mujer .La composición está muy estudiada , ella mira más allá del espectador , detrás de éste, en una pose provocadora que oculta parcialmente su desnudez: una actitud que evoca a las mujeres pintadas por Boucher y Fragonard y tiene también en cuenta , en la elegante curvatura de la espalda a las odaliscas de Ingres y Delacrroix.

Muy diferente del preciosismo de los posibles modelos iconográficos es, sin embargo, el cuadro de Renoir : en especial las tonalidades grises y negras del fondo y los blancos , que no lo son en absoluto, de las telas están aplicadas con la ayuda de una espátula y sin duda se puede interpretar como lejanos recuerdos de la pintura densa de Coubert

Ocupa el centro el rostro de la joven : su delicadeza casi de porcelana se debe al punto blanco de las carnaciones ( la única parte en la que Renoir decide no mezclarlo con otras tonalidades ) que hace resaltar los labios y las mejillas rosadas, mientras en la organización compositiva del cuadro , la cabeza es la coronación ideal de un triángulo formado por el borde inferior del lienzo , la espalda y los brazos.

Mercedes Tamara

31 mayo 2012

Bibliografia : Pierre-Auguste Renoir , Edit Biblioteca El Mundo

MARIA CON SOMBRERO DE JOAQUIM SOROLLA

MARIA CON SOMBRERO 1910

María con sombrero 
óleo sobre lienzo 40 x 80 cm
Colección particular

Después del éxito de sus exposiciones de 1909 en Estados Unidos , y especialmente en Nueva York , donde vendió un número muy importante de cuadros , Sorolla necesitaba crear obras nuevas para llevar a las siguientes exposiciones que, tendrían lugar en 1911 en San Luis y Chicago.

En Nueva York, Búfalo y Boston sus retratos habían tenido mucho éxito. Había dedicado gran parte de su tiempo a retratar a personajes de la vida pública y de la alta sociedad
americana y había ganado mucho dinero . También había vendido un buen número de retratos de los expuestos , sobre todo de su mujer y de su hija María al aire libre ,esa faceta tan personal del retrato que Sorolla domina como pocos . Es en gran parte por ello por lo que en el año 1910 pinta de nuevo retratos individuales y de grupo de su mujer y de sus hijas, todos ellos magníficos y especialmente elegantes.

Los dos retratos del grupo Bajo el toldo, Zarauz y Mi mujer y mis hijas en el jardín los realizó al aire libre ,y ambos suscitaron comentarios especiales en la prensa americana , siendo adquiridos en sus exposiciones de 1911. Sin embargo, los retratos individuales de su mujer
y de sus hijas de ese momento los realizó en su estudio,probablemente para mostrar también lo mucho que había avanzado a la hora de abordar el retrato de interior ,algo que le serviría como ejemplo de cara a sus futuros clientes.

Entre los retratos de su primogénita destacan María con blusa roja , que merecidamente ha llegado a ilustrar una de las monografías de Sorolla de estos últimos años. Estos dos cuadros igual que los de Clotilde y Elena figuraron en las exposiciones del año 1911 en Chicago y San Luis , donde tuvieron muy buena acogida .

Hay que decir que los retratos de los miembros de la familia , gracias al profundo conocimiento de sus modelos y a la libertad que tenía a la hora de afrontarlos,son sin duda los mejores, los de mayor calidad y los más novedosos , siempre dentro de una delicada línea clásica que los hace imperecederos.

Este retrato de María a los veinte años , tocada por un elegante sombrero - que el propio Sorolla se encargaba de escoger y comprar en los viajes que realizaba a París o a Barcelona , tienen un formato horizontal muy marcado como consecuencia del marco antiguo que le destinó , marco que colocó en la obra mientras la pintaba para ajustar el tono con el lienzo , en los que aparece algunas pinceladas de óleo de las tonalidades del retrato.

Esta obra de clara raigambre velazqueña , muy sobría de tonos,a base de grises, negros y ocres entre los que destaca el ribete blanco de la blusa que enmarca la piel, delicadamente morena de la cara de María , animada por sus labios rojos , está muy poco insistida , pues aplica las pinceladas justas y nos muestra como Sorolla había interiorizado las enseñanzas del gran maestro sevillano . La genialidad de la composición , prolongando el hombro de la joven con el antebrazo elevado para compensar el volumen del sombrero y la naturalidad de la pose de la joven , aportan a la obra una elegancia especial.

Al contemplar la mirada de María no se duda de la estrecharelación del cariño y admiración que unía a padre e hija.

Mercedes Tamara 

30 mayo 2012

Bibliografia :Obras Maestras Blanca Sorolla, Edic El Viso

LOLA DE VALENCIA DE EDUARD MANET

LOLA DE VALENCIA  1.862

Lola de Valencia
óleo sobre lienzo 123 x 92 cm
Paris, Musée d Órsay

Tras el éxito obetenido en el Guitarrero Manet volvió a representar un asunto español , eligiendo esta vez un personaje real y un tema , el de la bailarina , muy representado en la pintura francesa . Las imágenes de danzarinas españolas , en especial,eran muy bien acogidas , el pintor realista Coubert ,en 1.851 , había realizado un cuadro análogo que se asemeja mucho al de Manet. Éste no la había visto nunca y las analogías han de atribuirse a que ambos recurrieron a fuentes similares . desde la pintura de Goya hasta las estampas populares .

Lola , atavíada con el traje andaluz con el que actuaba,aparece posando con un píe delante de otro y un abanico en la mano , dispuesta a entrar en escena . La atención del artista se centra en la representación del traje , la vaporosa mantilla, adornada con pasamanería roja,

que contrasta marcadamente con la falda de volantes, vivacísima en la combinación del fondo negro y las flores de encendidos colores. Contra las prescripciones de la pintura oficial , estos detalles no se ejecutan con minuciosidad, con abundancia de pormenores dibujada , sino apenas abocetadas , mediante la yuxtaposición de manchas de color . 

El cuadro expuesto en 1.863 en la individual del pintor celebrada en la galería Martinet , causó mucho ruído y fue definido por Mantz,el critíco de la Galerie des Beaux- Arts como una" caricatura del color"El efecto sería aún más fuerte , pues el fondo neutro originario fue

repintado por Manet , que introdujo un indício de escenografía yuna impresión de espectadores sentados. 

También Baudelaire elogió a Lola en una cuarteta que se convirtió de inmediato en objeto de parodia " Entre todas las bellezas que por doquier se pueden ver/ entiendo bien amigos que el deseo oscila / pero en Lola de Valencia inesperdado brilla/ el encantode una joya negra y rosa " palabras que ciertamente concuerdan mal con el retrato de la mujer un poco masculina representada por Manet

Mercedes Tamara

22 julio 2012

Bibliografía Manet Edit Biblioteca El Mundo

LA EVASIÓN DE ROCHEFORT EDUARD MANET

LA EVASION DE HENRI ROCHEFORT1.861

La Evasión de Henri Rochefort de Eduard Manet

óleo sobre lienzo 146x 116 cm

Zurich, Kunshaus

Henri Rochefort era un intelectual liberal que se hizo célebre en el Segundo Imperio por sus mordaces panfletos , dirigidos sobre todo contra el emperador Napoléon III . Tras la caída de la Comuna , fue encarcelado y en 1.873 deportado  a Nueva Caledonia,de donde se fugó de una manera rocambolesca al día suguiente. Regresó a París en 1.880 gracias a unaamnistía , pero se convirtió en un encedido antisemita.Manet, que admiraba en él al republicano radical , lo conoció sin duda como muy tarde en el mismo año 1880, a través de su amigo Desboutín.

El publicista , circundado ya de un halo de leyenda ( en una carta a Manet , Desboutín le llama " Robinson Rochefort " , en clara alusión a Robisón Crusoe ) , se había evadido junto con cuatro compañeros con los cuales logró embarcarse en una ballenera y llegar a la costa americana. Manet, sin embargo, dio un aire novelesco a los hechos, cargándolos de su mayor dramatismo y heroismo . La fuga no sucedió en realidad en mar abierto , sino en el puerto comercial de la isla donde estaban presos , además, no obstante el artista lo muestra vuelto en silencio hacía el espectador.

Manet se proponía ofrecer el cuadro al Salón , volviendo a la idea de una marina histórica como ya había realizado anteriormente en El combate del Kearsage y el Alabama, pero radicalizado la composición. La pequeña embarcación de

madera está en el centro del lienzo , completamente rodeada por las aguas encrespadas , que ocupan casi toda la extensión del cuadro, interrumpidas sólo por la linea del horizonte , que deja ver en el fondo el cielo nocturno y dos embarcaciones en lontananza.

Mercedes Tamara 

28 mayo 2011

Bibliografía Manet , Edit Biblioteca El Mundo

LA CIRUELA DE EDVARD MANET

LA CIRUELA DE EDVARD MANET1877-1878

LA CIRUELA DE EDUARD MANET
óleo sobre lienzo 73,6x 30,2 cm
Washington, National Gallery

El mundo del café parisiense era uno de los protagonistas de la vida, la literatura y la pintura de finales del siglo XIX.Lugar de reunión de grupos de pensadores y artistas , foro de debate de ideas y nacimiento de teorías , pasaron a ser también el escenario en que se ambientaron diversas obrasde arte , predilecto en especial de dos ciudadanos del grupode Batignolles, Degas y Manet . Este incluso se había procurado una mesita de mármol para tenerla en el estudio y con ella revisar artificialmente la atmósfera del café.

La obra de Washington de increíble modernidad , muestra notables coincidencias con un célebre cuadro de Degas de1876 La absenta , en el cual una mujer embrutecida por el alcohol está sentada con aire desolado , ante una mesa en la que se ve el vaso de licor . De manera análoga , como para crear una réplica a distancia. Manet elige un título que convierte a la protagonista de la escena no a la mujer sino al contenido de la copa que tiene delante ; opta ademáspor un corte insólito fotográfico , que encuadra al personaje aún más cerca de lo que hacía Degas: pinta , en fin, la mesa con un efecto similar como si se tratase de un objeto suspendido en el aire , aunque utilizando un expediente distinto incluyelas patas de hierro , pero en lugar de la vista angular de su amigo elige una visión frontal , dejando que sea el margen de la superficie pintada el que corte la mesa.

En el pasado se interpretó con frecuencia a la protagonista como una prostituta , si bien una hipótesis más recientela ve, por el contrario, como una variación sobre el tema de la mujer soñadora y encerrada en sus pensamientos ,tantas veces plasmados por los pintores de la época. Al margen del significado de la obra, Manet realiza una imagen nueva y llena de melancolía, sugerida por los tonos claros del primer plano , que hacen de la muchachauna especie de nube rosa ante el vivo fondo , el cual le devuelve a la realidad , pero en una versión poética,

Mercedes Tamara 

26 julio 2011

Bibliografia Manet Edit Biblioteca El Mundo

LA CABAÑA DE TROUVILLE DE CLAUDE MONET

LA CABAÑA EN TROUVILLE MAREA BAJA ( 1881 )

La cabaña en Trouville

marea baja de Claude Monet
óleo sobre lienzo 60 x 73 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

Este cuadro no es una sorpresa en la obra de Monet: el horizonte situado muy alto, el tema principal desplazado lateralmente, la ósmosis entre el mar y el cielo, todos estos elementos son característicos del maestro. Monet pinta esta obra en una región que conoce muy bien desde su juventud y en un lugar en el que trató a amigos que lo influyeron en sus comienzos: Boudin, Jongkind, Courbet. 


En 1881 pasa una breve temporada en Trouville, a finales de agosto, en un momento en el que su complicada vida sentimental y sus preocupaciones financieras le incitan a alejarse temporalmente de Alice Hoschedé. De esta estancia en la costa normanda queda testimonio en una carta del 13 de septiembre dirigida a Durand-Ruel, en la que le cuenta que ha tenido que acortar su visita debido al mal tiempo y que regresa con las manos vacías, sin haber podido llevar a casa ninguna obra. Sin embargo al parecer cuatro lienzos se libraron del desastre: tres óleos pintados en Trouville o en la costa cercana: Cabaña en Trouville marea baja, En la costa de Trouville, y Vendaval, así como otro pintado en Sainte-Adresse.
Cabaña en Trouville no es el primer ensayo que Monet nos ofrece de este tipo de composición en la que domina el vacío y lo efímero.

 En 1867 realiza un cuadro, Cabaña en Sainte-Adresse, en el que el horizonte elevado y el mar con sus veleritos recuerdan los del lienzo de Trouville. En cambio la cabaña ocupa una posición más centrada en el paisaje de Sainte-Adresse, que se presenta a modo de franja horizontal en primer término. Aun así ambas obras están muy próximas en cuanto a concepción. Se ha sugerido que la costa reproducida en la obra de la colección Thyssen no es la de Trouville sino la de Sainte-Adresse. La altura de la colina en la que se levanta la cabaña, el horizonte que señala a la izquierda una inflexión de la costa hacia Deauville y más allá, así como la configuración de la playa de arena nos inducen a pensar que se trata efectivamente de la costa próxima a Trouville, viniendo de Honfleur.


Otra semejanza llama igualmente la atención al contemplar Cabaña en Trouville: su marcada similitud con La caseta de los aduaneros (Cabaña de pescador) que Monet pintó un año más tarde, en 1882, en Varengeville, realizando varias versiones. La composición es idéntica: la línea elevada del horizonte, la elección del punto de vista, el acantilado que ocupa el ángulo izquierdo del lienzo, el emplazamiento y la forma de la cabaña

Cabaña. en Trouville es un ejemplo paradigmático de la pintura de lo efímero, en la que el tema no existe. La armonía líquida del cielo y del mar, separados por una tenue línea de horizonte más oscura, la transparencia del agua que lame la arena rubia al retirarse, son los auténticos temas de este paisaje. La costa cubierta de maleza y la casa sólo están presentes para que su masa oscura y desordenada contraste con las «magias del aire y del agua» y las realce. Una vez más, el genio de Monet interpreta las lecciones de su primer maestro, Eugène Boudin, que también fue un poeta de los efectos atmosféricos, reconocido por Baudelaire, Corot y Courbet. El deseo, que Boudin expresa a menudo, de captar la luz y hacer palpable lo efímero, se advierte en esta obra de Monet. También Boudin interpretó pictóricamente las costas normandas que, al final de su vida, se convierten en amplios espacios tratados con pinceladas largas y ligeras que rozan el lienzo sin llegar a cubrirlo. De las obras de ambos artistas se desprende una comunión de ideas

Este. cuadro probablemente influyera a otros artistas amigos; así por ejemplo, Gustave Caillebotte ofrece una versión parecida en sus Casas de Trouville de 1884, al utilizar la misma composición inspirada en los audaces paisajes de las estampas japonesas

Mercedes Tamara 

29 mayo 2012

Bibliografia : Impresionismo , Edit Taschen

                     Colecc Carmen Thyssen Bornemizsa

BAILE EN LA CIUDAD DE RENOIR

BAILE EN LA CIUDAD DE RENOIR 1883

Baile en la ciudad de Renoir
óleo sobre lienzo 180 x 90 cm
París, Musée dÓrsay 

En los tres cuadros que representan el baile en el campo , en la ciudad  y en 

Bougival, el personaje masculino que posa para Renoir , es su amigo Paul

Auguste Lorte, aquí enlazado con Suzanne Valadon , importante protagonista

de la vida artística parisiense : tras unos comienzoa precoces como trapecista 

en un circo a los quince años.

Suzanne se vio obligada a interrumpir su carrera cirquense y a emprender un

nuevo camino en el taller de los artistas , primero como modelo posará para Renoir, Toulousse Lautrec y Puvis de Chavanne , de los cuales será también amante y luego como pintora. En la época que posa para este cuadro Suzanne tenía diecisiete años y estaba esperando un hijo , el futuro pintor Maurice Utrillo

En sus memorias Suzanne describe la pasión de Renoir por el cabello y el esmero

con que el mismo , acompañándola a la modista , escoge un atavío para los dos

lienzos ( Suzanne posará también para Baile en Bougival ) este cuadro es un 

brillante ejemplo del extremo cuidado con que Renoir compone sus obras ,

enriquéciendolas con elementos tradicionales ( pertenecientes a la retratística de 

los siglos XVI y XVII, como la media columna de mármol que se entrevé en el fondo.

La búsqueda de una sobria elegancia propia de los bailes de la alta sociedad impone a los modelos actitudes contenidas y mesuradas muy diferentes a las poses desenvueltas y movidas por el Baile en Bougival ( 1883 ) y Baile en el campo ( 1883 ) a pesar de esa aparente rigidez el pintor ofrece a los ojos del contemplador algunos extraordinarios fragmentos pictóricos , como el traje  de noche de la danzarina blanco perla con esfumados rosa-azulados.

                          Mercedes Tamara 

                          27 mayo 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo

JARRÓN DE PEONÍAS CON UN PEDESTAL EDUARD MANET

                                    JARRÓN DE PEONÍAS CON UN PEDESTAL 1864

JARRÓN DE PEONÍAS CON UN PEDESTAL MANET
Óleo sobre lienzo 93,2x 70,2 cm
París , Musée d´Orsay

Manet incluyó a menudo fragmentos de naturaleza muerta en sus
obras , pero dedicó a este género representaciones exclusivas sólo
en dos épocas de su vida, en 1864 -1865 y a comienzo de los años
ochenta , cuando su salud ,cada vez peor,no le permitía trabajar
en composiciones más ambiciosas.






El cuadro del Musée d´Orsay de notables dimensiones , muestra
un pequeño jarrón de cerámica decorada, típica de la época de
Napoleón III , con un ramo de flores de color rosa y rojo oscuro ,
explosiones de color claro y luminoso en medio de siluetas verde
oscuro de las hojas : un tallo ha caído sobre la mesa ,sobre la que
yace también un montoncito de pétalos rosas .




Según diversos críticos Manet se inserta en la tradición de las vanitas ,
la representación de la caducidad de la belleza, destinada inevitable-
mente a marchitarse .




El espléndido ramo , que se extiende en todas las direcciones , destaca
poderosamente por su tonalidad y por la vivacidad de la ejecución
pictórica , de fondo oscuro y homogéneo . Las naturalezas muertas
con flores era un genero muy cultivado , desde Fantín Latour hasta 
Degas y hasta Monet y Renoir , que pintaron varias en sus comienzos .




Las de Manet, sin embargo, se diferencíande ellas por la elección
delas flores de corolas grandes y pétalos carnosos que llenaban con
pocos trazos toda la superficie pictórica . Las peonías eran en la 
época una flor de moda , importada hacía poco de Oriente y Manet
les dedicó una serie entera de pinturas.Vicent van Gogh , que a su
llegada a París empezó a pintar naturalezas muertas florales , se
sintió fascinado por el cuadro de Manet , del cual apreciaba el refi
nado contraste  cromático y la pintura pastosa.

Mercedes Tamara Lempicka 

26 mayo 2012

MONJA EN ORACIÓN DE JOAQUIM SOROLLA

MONJA EN ORACIÓN 1883

Monja en oración de Joaquim Sorolla
óleo sobre lienzo 95 x 75 cm
Colección Artística de la Caja de Ahorros de Valencia

El viaje que llevó a cabo a Madrid con motivo de la Exposición Nacional de 1881 supuso, para el jovencísimo artista, el ansiado contacto directo  con la pintura española del siglo XVII, a través de sus visitas al Museo del Prado . Este año y el siguiente estudia y copia a los maestros , impregnándose , aún más, de su tendencia al realismo.

Como muchos pintores europeos de la época,se dejó influenciar por Alonso Cano , Zurbarán y, sobre todo, por Velázquez , al que copió reiteradamente en trabajos de los que hoy en día conservamos algunos ejemplos como el fantástico retrato de Doña Mariana de Austria o las copias de Menipo y Las Hilanderas , ambas en el Museo de Sorolla.


Con esta obra , el joven pintor obtendrá Medalla de Oro en la Exposición Regional de Valencia de 1883 . En ella , busca captar las lecciones de composición de los grandes maestros del siglo XVII, y establece la estructura del cuadro a través de un acentuado juego de luces y sombras . Se centra en el rostro de la santa, vigorosamente modelado, cuyas blanquísimas carnaciones destacan sobre el resto de la tela , muy oscura, donde el impecable uso del color negro , del que obtiene diversas calidades y matices , se constituiría en una lección inolvidable para su futuro.

La pintura está inspirada en la Santa Catalina de Alonso Cano : claramente podemos establecer una verdadera línea de interrelaciones a través del tiempo, que se inicía con esta tela del maestro español del siglo XVII , para continuar con la Santa Teresa ( Maison Marie-Thérese , París )pintada por Baron François Gérard en 1828 -este pintor romántico se dejó influenciar por la obra de Murillo El éxtasis de Santa Teresa que había ingresado en el Museo del Louvre en 1803-, y finalizar con Francisco Domingo y su Santa Clara en éxtasis . De este último recoge el testigo y el tema Sorolla , que vendría a cerrar, con esta obra, este curiosísimo arco de influencias.

Estudio de siete cabezas 1889
óleo sobre lienzo 62,5 x 122 cm
Museo Sorolla de Madrid 

Es evidente , como indican muchos de sus cronistas , la estrecha relación que mantuvo con su maestro Francisco Domingo , personaje sobre el que alguna vez exclama : "¡ Tanto amé al hombre,cuanto admiré al artista ¡ "Será precisamente Francisco Domingo quien inculque a nuestro artista el interés por la pintura clásica española , que resultó ser un componente fundamental para la  génesis del arte moderno . Desde la Francia del Romanticismo , en que pintores tan emblemáticos como Delacroix- que copiaa Goya , Alonso Cano, Zurbarán, Carreño y Velázquez - se habían sentido fascinados por la escuela española , hasta la nueva generación -atraídos por el aspecto expresivo , el componente místico e intensamente espiritual , encabezados por ejemplo por  Édouard Manet , empezaron a ver a España a través del famosísimo " modelo velazqueño ".

La reina Doña Mariana de
Austria , copia de Velázquez
óleo sobre lienzo 234x132 cm
Colección particular

                   Mercedes Tamara 

              25 mayo 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

EL REPOSO, RETRATO DE BERTHE MORISOT DE ÉDUARD MANET

EL REPOSO, RETRATO DE BERTHE MORISOT 

El reposo, retrato de Berthe Morisot
óleo sobre lienzo 148 x 111 cm
Providence , Museum of Art

Tras haberla representado en El balcón , Manet decidió hacer un retrato de su joven amiga sola, captándola en una actitud hogareña y del todo anticonvencional . El cuadro fue ejecutado inmediatamente después de que Eva González , la joven española que había entusiasmado a Manet-que la tomó como alumna y que había despertado los celos de Berthe . La relación entre el pintor y ésta , que a la sazón tenía treinta años y aún no se había casado , dio lugar a muchas especulaciones y chismorreos posteriores , aunque su presunta relación amorosa nunca se ha demostrado. Lo que es seguro es que Manet apreciaba sinceramente la obra de la pintora , conocida impresionista , que acabo casándose con el hermano menor de Éduard , Eugène.


A pesar del titulo , Morisot recordaba con angustia las largas sesiones que tuvo que posar , durante las cuales no podía mover la pierna izquierda , doblada debajo del cuerpo , para no modificar la distri bución de los pliegues de la falda. Ese cansancio no se percibe en el cuadro, al que  Manet da un aspecto inacabado , dejando en fase de boceto la butaca blanca de la izquierda y la estampa japonesa del fondo.

La figura misma de Berthe , envuelta en la nube blanca del vestido , tiene un toque desenfocado que la hace parecer lejana del presente , absorta en sus pensamientos , presa de aquellas "quimeras que me hacían desdichada " como escribió en  una carta a su hermano. 

La obra expuesta en el Salón de 1873 , fue criticada precisamente por este motivo, bien resumidos por el publicista Francion : " Ni pintada, ni dibujada, ni de pie, ni sentada ". La delicadeza de la representación . la atmósfera íntima y la ejecución ,que muestra contactos con la producción de carácter impresionista , hacían en efecto de la obra un retrato " moderno " , fuera de los cánones académicos.

Mercedes Tamara 

25 mayo 2012

Bibliografía : Manet, Edit Biblioteca El Mundo

                     El Impresionismo, Edic Taschen

LA CARTA DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

LA CARTA 1895-1900

La carta de Pierre Auguste Renoir
Óleo sobre lienzo 64,9 x 81,1 cm
Colección Sterling Clark

LA CARTA es una de las numerosas pinturas de género en la que Renoir representa a dos mujeres sin brindar ningún indicio de relación entre ellas. Sentadas una al lado de la otra , con un tintero abierto al alcance de la mano , están concentradas en una carta que escribe la más cercana al espectador . Renoir alude a su posición social ; el panel decorativo y el papel en la pared del fondo , así como  sus indumentos , sugieren que las jóvenes son de extracción burguesa y la que escribe, es , sin duda, instruida . 

Sin embargo , para la figura de la izquierda  Renoir usó a Gabriele Renard, una prima  lejana de su esposa , que se convirtió en  una de las modelos preferidas y que, lejos de ser una burguesa , trabajaba como  gobernanta ,Éste es uno de los muchos casos en su obra en los que Renoir crea un 
papel y un identidad para una modelo totalmente diferentes a su posición social .Sin embargo, esta asignación de papeles no apunta a ninguna historia en particular . Las acciones de las dos modelos y su expresión facial nos dan pocos  indicios de sus estados de ánimo , o del  contenido de la carta . El observador tiene que imaginar por si mismo una situación, lo que da a la pintura un encanto atemporal.

Probablemente el elaborado sombrero que luce la mujer de la derecha obedezca a un similar juego de ficciones . Adornado con  amapolas , es uno de los típicos elementos que Renoir usaba para estas ambientaciones. Aunque este ornato ya estaba pasado de  moda en los años ochenta del siglo XIX. Renoir seguía usándolo en escenas de género como ésta, en ocasiones contra el consejo incluso de su marchante Paul Durand- Ruel. El esquema cromático de La carta es característico de las obras de Renoir de los años ochenta , cuando experimentaba con el uso del negro y abandonaba algunos de los recursos de impresionismo , como  el empleo del azul para las figuras. 

Aqui. las variedades de color sugieren una idea tridimensional y los contrastes tonales están a menudo yuxtapuestos . Considerando la tipología es sorprendente que Clark adquiriera el cuadro porque prefería las primeras obras del artista  y muchas veces había dedicado palabras severas a sus últimas pinturas. 

Mercedes Tamara 

18 mayo 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

PSIQUÉ ( EL ESPEJO DE VESTIR ) DE BERTHE MORISOT

PSIQUÉ ( EL ESPEJO DE VESTIR ) 1876

Psique ( el espejo de vestir )  de Berthe Morisot
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

De los ocho cuadros que Betrhe Morisot pintó en 1876, cuatro muestran a una mujer que está ocupándose de su aseo, pero sólo uno de ellos lleva un título Psique que va más allá de un mero título objetivo.


Los lienzos Psique y Joven empolvándose ( 1877, Paris, Musée d´Orsay ) los presentó Berthe Morisot en la exposición de los impresionistas de 1877 . Renoir y Caillebotte expresaron en dicha ocasión, su profundo respeto por la artista cuando escribieron: " Nos sentimos felices al saber que, como es usual, usted desea participar " .Joven empolvándose la  compró el coleccionista y mecenas Ernest Hoschedé, que subastó más tarde con su colección de impresionistas. Mary Cassatt aprovechó la ocasión para comprar el  cuadro , que probablemente le gustaba especialmente por la cercanía a los motivos de su propia obra. La Psiqué  de Morisot presenta a una joven que se  contempla en un gran espejo 

 Como este, al parecer se encuentra en una pared entre dos ventanas , la escena está plenamente iluminada , llena de luz .  La joven parece ensimismada en su visión . Con las manos en la espalda está abriendo el corsé , mientras que una manga le cae ya por el hombro . La pincelada es muy suelta ; las formas de las manchas y brazos  aluden al dibujo de un lápiz ; tan solo nítido es también el sofá situado delante de la ventana del fondo y del espejo. El alto marco, que sobresale del cuadro,ofrece un " cuadro dentro del cuadro " que recuerda las  representaciones de bailarinas de Degas.

Con el título de Psiqué Morisot remite a la historia  clásica de Amor y Psique remite a la historia clásica de Amor y Psique , cuyos episodios se reprodujeron a lo largo de los siglos . La extensa recepción siempre vio un sentido profundo bajo la superficie de la leyenda clásica . En el siglo XIX , Psiqué- cuyo símbolo era una mariposa -estaba considerada sobre todo como una representación del alma inmortal. Esta, que como una mariposa sufre transformaciones, se representaba  fecuentemente como una mujer joven con alas de  mariposa . En este cuadro de Morisot puede verse  una alusión a ello en la postura de los brazos . Sin  embargo, la Psiqué  de Morisot no aparece como una figura clásica : antes bien la protagonista es una contemporánea, que observa su figura en el espejo . Y de Amor, su amante en la leyenda de  la Antigüedad , no hay huella alguna.

En cualquier caso, la imagen del alma - cuyo destino está estrechamente unido a los placeres y los sufrimientos de amor- se correspondía exactamente con el estado de ánimo de Berthe Morisot en esta época . En 1874 se había casado con Eugène Manet , con lo que había  empezado una nueva etapa de su vida .Sus intentos de conciliar el matrimonio , y más tarde, la maternidad, con su profesión , se toparon con dificultades . En 1890 escribía en su diario : " La verdad es que nuestro valor radica en el sentimiento, en la intuición , en nuestra mirada , que es más sutil que la de los hombres .

Podemos lograr algo , presuponiendo que no lo echemos todo a perder por la afectación, la pedanteria y el sentimentalismo ...Ahora quiero seguir mi deber ( frente a mi obra ) hasta mi muerte y me gustaría que los demás no me lo pusieran demasiado difícil .

Mercedes Tamara 

17 mayo 2012

Bibliografía : Colección Carmen Thyssen-Bornemizsa