PUENTE SOBRE EL ESTANQUE DE CÉZANNE

PUENTE SOBRE EL ESTANQUE 1895

Puente sobre el estanque 1895

óleo sobre lienzo 64 x 79 cm

Moscú, Museo Puskhin

La vista de un estanque sobre el cual pasa un puentecillo ; la espesa e intrincada vegetación de  un rincón del bosque que se refleja en el agua ofrecen a Cézanne una oportunidad para poder  profundizar sus complejas investigaciones sobre el problema de la visión.

En el cuadro de Moscú , el pintor enmarca un fragmento de naturaleza y lo somete a un atrevido  proceso de descomposición y recomposición para dotar de orden mental y visual a algo que está   por naturaleza sujeto a un continuo proceso de mutación . El estanque , cruzado por el puentecillo , ocupa todo el espacio del lienzo , imponiéndose con prepotencia en primer plano .La vegetación lo invade todo, como un magma , y el pintor la representa en la forma de una apretadísima trama de pinceladas que discurren en forma de granja , de peine, de estera en toda la superficie .

Son escasísimas las indicaciones macroestructurales : apenas logramos ver el puentecillo en el lado izquierdo del cuadro, mientras que todo el resto se traduce en un mosaico de teselas  de color ; yuxtapuestas con diligencia unas a otras , con la ardua tarea de traducir lo caótico,  lo transitorio a orden . 

Cézanne construye " una poderosa arquitectura de planos , contrafuertes,  arcadas, intersecciones, refracciones " ( Renato Barilli " con la sola fuerza del color , que se  llena de luz y multiplica sus posibilidades expresivas ofreciéndose en una increíble variedad   de tonos . Vasta es , en efecto, la gama de verdes, ocres, amarillos, azules, todos empleados  para poner en escena esta admirable sinfonía de maderas y vegetación , que ostentan claramente  su fuerza, mostrando al propio tiempo la transitoriedad de los resultados de la pintura , que logra   contenerla sólo a duras penas en los angostos limites del lienzo.

Mercedes Tamara

31 agosto 2012

Bibliografía : Paul Cézanne, Edit Biblioteca El Mundo

LA FUENTE DE JOAQUIM SOROLLA

LA FUENTE 1892-1895

La fuente 
óleo sobre lienzo 46 x 73 cm
Museo Sorolla, Madrid

Este fresquísimo lienzo sigue la temática de tipo costumbrista que nuestro autor había  iniciado en Italia. Este género tradicional se ve renovado por el joven pintor que lo aborda de una manera más espontánea , condicionado por su gusto por la pintura colorista , la  representación de los temas al aire libre y su indudable facilidad técnica.

Fue pintado entre los años 1892 y 1895 en la provincia de Valencia , donde la famila de su mujer poseía una propiedad agrícola. Tanto en el tema como en la composición , color y técnica, es apreciable el fuerte influjo de Ignacio Pinazo Camerlech-su maestro en 1881 y 1884 -con el que se asocía generalmente este tipo de pintura abocetada y con aire de  instántanea .

En realidad, este abocetamiento, que hoy se considera como prueba de modernidad , suponía manifestación de pericia y dominio de la técnica al óleo y fue un concepto pictórico muy extendido entre los artistas valencianos -además de Ignacio  Pinazo fue practicada por Francisco Domingo, José Benlliure , etc.

En todo caso, a la influencia de éste, responde la extraordinaria desenvoltura de la materia pictórica, sujeta, sin embargo, a la disciplina de un dibujo preciso . También es apreciable el siluetado en negro para marcar el perfil de algunas figuras . Se debe subrayar , que,  este pequeño cuadro, ha sido elaborado con una agudísima observación del natural y de los infinitos matices de luz y color que el sol provoca sobre las figuras y el paisaje .

Parece que el artista es capaz de retener aquí , como por arte de magia , una realidad agitada y en constante transformación. El lienzo está cubierto por un espeso entramado de colores  claros, a veces tenues y frágiles, a veces pastosos y grasos .

Mercedes Tamara 

30 agosto 2012



Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

JOVEN HACIENDO GANCHILLO DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

JOVEN HACIENDO GANCHILLO 1875

Joven haciendo ganchillo
óleo sobre lienzo 73,5x 60,3 cm
Colección Clark

Una mujer joven haciendo ganchillo está sentada tranquila en su interior familiar , con la larga cabellera de un rubio luminoso suelta sobre los hombros , vestida modestamente con una falda sencilla y una camisa ligeramente abierta , que descubre un hombro desnudo . Los indumentos sugieren que se trata de una criada, mientras que la copa y el jarrón colocados sobre la chimenea al fondo parecen pertenecer a una residencia burguesa. La mujer retratada probablemente es Nini López , la misma que aparece en muchos cuadros de Renoir realizados a mediados de los años setenta ; de ella el artista aprecía su " admirable cabeza de cabellos rubios " y la define como " la modelo ideal : seria, puntual, discreta". 

Sin embargo, la pintura no se puede considerar en ningún modo un retrato convencional , porque se enmarca más bien en esas obras de género en las que Renoir se había especializado en los años setenta . En aquella época , el tema de la mujer ocupada en coser se había difundido en la pintura francesa , aunque en general se trataba de campesinas. Renoir lo actualiza al colocar la figura en un interior burgués e invita al público a imaginar que la mujer no sabe que es observada , acentuando así la carga sensual del hombro desnudo . Además la pintura marca el apogeo del rechazo de Renoir a los dictámenes tradicionales de la modulación tonal: la luz el espacio, e incluso el contorno de la figura-al menos hasta cierto punto- son el resultado exclusivo de modulaciones cromáticas. La resplandeciente cabellera y la piel están realizadas con un denso empaste de varios colores.

Mercedes Tamara 

27 agosto 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

CHICOS EN LA PLAYA DE JOAQUIM SOROLLA

CHICOS EN LA PLAYA 1910

Chicos en la playa 
óleo sobre lienzo 119x 185 cm
Museo del Prado, Madrid 

Se trata, sin lugar a dudas , de una de las obras más emblemáticas de la pintura de Sorolla, donde realmente se resume todo lo que el pintor ha aprendido y su excepcional facultad  para captar la luz. El tema, como siempre, es sencillisimo, simplemente unos niños tumbados  sobre la arena, en la orilla del mar , marcando una disposición espacial muy peculiar, a través de un plano inclinado y movedizo , con un punto de vista alto u¡y sin horizonte. La apariencia de la espontaneidad y de la fluidez nos muestran el gran magisterio de una  técnica realmente compleja, que es capaz de capturar los mágicos efectos de la luz sobre los cuerpos húmedos. 

Con esta escena, que al natural pasaría inadvertida a cualquiera , Sorolla consigue una  obra plena de luz y belleza donde , a lo esquemático del asunto , se añade la naturalidad  al plasmarlo. La superficie líquida está resuelta , incluso con más precisión y facilidad  que en otras ocasiones.  Vemos una soltura del pincel, un culebreo exacto de los reflejos, una facilidad y acierto  en la interpretación del agua y su reverberación, que tiene su correspondencia en las  sombras luminosas de los cuerpos de los niños 

Niños bañándose, Valencia, Sol de la tarde 1910

óleo sobre lienzo 69x 93,3 cm

Colección particular

En esta visión en picado, la arena mojada por el mar cubre sobre la superficie de la tela ,  compitiendo en reflejos acharolados con las pieles infantiles. Las plantas de los pies del  primer muchacho- cortadas como en instantáneas fotográficas-están resueltas con media  docena de brochazos geniales, que parece solo se pueden dar en contadas ocasiones. 

Sin embargo, para el pintor levantino , una vez alcanzada su plenitud, la genialidad , es el pan de cada día. La sensación de facilidad , de frescura, de algo espontáneo y vivido  alegremente, alcanza aquí su punto álgido. 

Mercedes Tamara Lempicka 

24 agosto 2012 

:Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

GRANJA EN LOS ALREDEDORES DE ARLES DE PAUL GAUGUIN

GRANJA EN LOS ALREDEDORES DE ARLES 1888

Granja en los alrededores de Arlés
óleo sobre lienzo 92 x 72 cm
Indianapolis , Museum of Art

A su llegada Arles , Gauguin empieza a plasmar los campos circundantes y el trabajo de los campesinos . Inicia este cuadro como una especie de ejercicio encaminado a un fin preciso , mostrar un enfoque al estilo de Cézanne , al abordar un asunto especificamente asociado a Van Gogh . Las tentativas hechaspor Vicent durante el verano para aproximarse al método de Cézanne se realizan en la mayor de las hipótesis teóricas.

Por el contrario, Gauguin , al representar el motivo de la cosecha,adopta respetuosamente el estilo del maestro , no tanto en el color pastoso como en el llamado estilo constructivista introducido por  él en sus últimas obras, distintas de las que en un tiempo formaron parte de la colección de Gauguin.

En la presente obra mantiene la lograda composición de sus lienzos bretones, ya enviados a la galería de Theo , quizá " elaborados enuna medida mínima  atentamente estudiados  y,  deliberados las mismas características por las cuales Vicent pone en cuestión el arte de Cézanne , que le parece tímido , concienzudo y tranquilo.  Y sin embargo, el equilibrio de Gauguin que " no se enoja " y sabe aguardar el momento oportuno es uno de los rasgos de carácter que le merecen el profundo respeto de Vicent.

Dicho respeto impregna esta obra , que es mucho más que una simple demostración de serenidad de ánimo . Ante las férreas convicciones de Vicent sobre la calidad del arte que el " estudio del sur " había promovido . Gauguin siente la exigencia de precisar su posición . Desde hace tiempo considera a Cézanne como el gran " hombre del sur "distinguiendo un misticismo de tipo oriental en su" intensa tranquilidad "y una misteriosa ambigüedad en sus formas que partiendo de pinceladas particulares llegan a la fusión.

Mercedes Tamara 

22 agosto 2012

Bibliografia : Gauguin, Edit Biblioteca El Mundo

RETRATO DE ADÈLE BESSON PIERRE AUGUSTE RENOIR

RETRATO DE ADÈLE BESSON 1918

Retrato de Adèle Bessonóleo sobre lienzo 41x36,8 cm
Besançon Musée des Beaux- Arts 

Adèle y Georges Besson son dos apasionados mecenas del arte que en su colección reunen obras de Renoir , Berthe Morisot, Maillol, Camille Claudel y Picasso. Tienen relación con Albert André , joven pintor amigo de Renoir que visita con frecuencia al viejo maestro en su retiro de Cagnes-sur-Mer.




El rostro de la mujer es situado ante un fondo indefinido , pintado con una materia pastosa , abocetada con gran inmediatez . La pincelada menuda , grasa, modela la  forma del rostro , al cual confieren luminosidad los fuertes contrastes cromáticos . 

 
Esribe Georges Riviere que lo que hace de Renoir un excepcional retratista es  su despojamiento del modelo de todo accesorio artificial ligado a su categoría social,  ya se trate de lavanderas o de mujeres de mundo , de adultos o de niños :" Logra liberar de toda incomodidad a la persona que posa: muchos recuerdan la paciencia   la amabilidad que usaba para ganarse su simpatía " y conferir al cuadro esa libertad compositiva.



La actividad tardía de Renoir se caracteriza por el predominio de tonalidades amarillo-rojizas , de los colores del sol y de las rosas : el anciano maestro , inmerso en la naturaleza  mediterránea de Cagnes, expresa su intensa luminosidad solar en cada pincelada que trata  fatigosamente sobre el lienzo . Se ata los pinceles a las manos , paralizadas por un artrosis  deformante , y el pintor , vivo solamente durante las horas que se puede dedicar al arte,  valiéndose de un caballete movible que reduce al mínimo todos sus movimientos , pinta  todavía con felicidad y la ingenuidad de un niño desnudo y rostros femeninos, yuxtaponiendo
las carnaciones de la retratada al color de las rosas y confiriendo a la materia pictórica  una nueva frescura.

Mercedes Tamara 

21 agosto 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir Edit Biblioteca El Mundo

LOS CHOPOS DE PAUL CÉZANNE

LOS CHOPOS  1879-1880

Los chopos
óleo sobre lienzo 65x 80 cm
París, Musée d´Orsay 

Es un rincón del parque del castillo de Marcouvilles , en la pequeña aldea de París , cerca de Pontoise , al que dedica Cézanne este luminosísimo cuadro , realizado durante una de sus temporadas de estudio en esta ciudad francesa , donde vivía su amigo Pissarro.

Poniendo todo su empeño en captar la límpida claridad de un día estival y la compuesta belleza de la campiña de la Ille-de-France, el pintor trabaja con esmerada y absorta concentración , construyendo el paisaje con breves toques de color distribuidos sobre el lienzo con una espátula pequeña , que le ayuda en su labor de precisión . Los toques que mezclan azul y verde , amarillo luminoso y vivaz , corren en todas las direcciones, sugiriendo el movimiento del viento entre los árboles y la suave atmósfera del lugar, sumido en el silencio y en la quietud.

Una curva larga y sinuosa , que parte empinándose bruscamente en el primer plano para después extenderse más suavemente a lo lejos, establece la dinámica del espacio y divide el cuadro en dos zonas amplias contrapuestas Más airosa y límpida la de la izquierda , dominada por el prado e iluminada por el sol, más densa la de la derecha, en la que los chopos , verdaderos protagonistas del paisaje ,se destacan vigorosamente contra el cielo , imponiendo su decidida verticalidad , escogida por el pintor como  elemento estructural de la composición.

Si bien Cézanne toma de Pissarro el esquema espacial centrado en la fuga de un camino que se curva a lo lejos , en sus cuadros parece adoptar una tensión dramática más viva. Por la exhuberante vegetación, la orgía de verdes y la luz cristalina del paisaje de Marcouvilles  recuerda las elevadas conquistas logradas por el pintor en obras como el contempráneo Puente de Maincy

Mercedes Tamara

19 agosto 2012

Bibliografia : Paul Cezanne, Edit Biblioteca El Mundo

MÚSICA EN LAS TULLERÍAS DE EDUARD MANET

MÚSICA EN LAS TULLERÍAS 1862

Música en la Tullerías
óleo sobre lienzo 76x 118 cm
Londres, National Gallery

Las Tullerías , el parque que une la Place de la Concorde con el Louvre , era en tiempos  de Manet un lujoso lugar de encuentros donde se celebraban conciertos que se transformaban en acotecimientos mundanos . El propio pintor , que procedía de la alta burguesía , formaba parte de este ambiente elegante. A pesar del título , no hay señal de instrumentos musicales y las protagonistas de la escena son figuras que se agolpan entre los árboles , sus miradas, sus conversaciones.

En el cuadro , Manet ha representado , además de a sí mismo -en primer plano de la izquierda , con bastón de paseo -a su hermano Eugène y a muchos de sus amigos , entre ellos el crítico Astruc , el pintor Fantín Latour , la mujer del comandante Lejosne , el músico Offenbach  y el poeta Charles Baudelaire . Éste había escrito hacía poco un ensayo titulado El pintor de la vida moderna, que sería publicada en 1863 , del cual esta pintura quería evidentemente ser la transposición pictórica .

El cuadro expuesto en una galeria privada , suscitó gran clamor , Manet traducía al lenguaje culto de la pintura un tipo de escena que era peculiar a un género " bajo " , las ilustraciones de las revistas, circunstancia que escandalizó al público. Resultaban asimismo desconcertantes el estilo sumario , la presencia de los detalles sólo abocetados , rasgos que sin embargo cuadran perfectamente con la impresión sonora de la multitud reunida , ocupada en sus charlas . El crítico Babou condenó con aspereza esa " mania de ver a manchas " extendida luego incluso  a los retratos , "la mancha Baudelaire, la mancha Manet " . Este efecto que abría el camino a la pintura moderna , era claramente deliberado , tanto que, aun habiendo ejecutado in situ

el artista había realizado el lienzo enteramente en el estudio. Manet, en suma , había creado una representación atrevida de la modernidad de la " vida parisiense " celebrada poco  después en las palabras de una opereta de Offenbach : " Todo gira, gira, gira....Todo danza, danza, 


                                             Mercedes Tamara 

16 agosto 2012



Bibliografias :Manet : Edit Biblioteca El Mundo



TE ARII ( LA MUJER DE LOS MANGOS ) PAUL GAUGUIN

TE ARII ( LA MUJER DE LOS MANGOS ) 1896

Te Arii Vahine -La mujer de los mangos
óleo sobre lienzo 97x 130 cm
Museo Puskhin , Moscú

Como ya había sucedido durante su primera estancia, también esta vez Gauguin deja Papete y se construye una cabaña en el interior del país. Pero en esta ocasión tiene que renunciar a la compañia de su amante, Tehura, que durante su ausencia se ha casado . Sin embargo, el artista se jacta de su fascinación , diciendo : " Todas las noches , las muchachas toman al asalto mi lecho como endemoniades " . Muy pronto, en efecto, encuentra una nueva amante: Pahura , una adolescente de catorce años.

Las historias de las jóvenes que no se resisten a la fascinación amorosa del artista son ilustradas de manera excelente por los cuadros de bellezas desnudas que son el motivo principal de la postrera producción de Gauguin. En este caso se retrata a la tahitiana Pahura con una compleja serie de referencias estilísticas y simbólicas. Está tendida en el suelo al modo de la Venus de Lucas Cranach ( 1518 ) o la Olimpia de Manet ( 1863 ), tendidas en el lecho . Con las piernas cruzadas y una mano cubriéndole el pubis, la joven se ofrece como las lascivas diosas del amor de la historia del arte occidental.

El fondo, lleno de plantas imaginarias , remite por el contrario a una alegoría del Paraíso terrenal, como reconoce el pintor que en sus cartas se refería a este cuadro como una " Eva tahitiana ".

La rígida moral sexual de finales del siglo XX sólo percibía la fascinación erótica  unida a unos sentimientos de peligro y odio. En Tahití , Gauguin quiso librarse  definitivamente de estos temores al amor y a la pasión. Su Eva debe ser amada sin ningún sentimiento de culpa. Escribe Gauguin a Strindbeg :" La Eva de su concepto civilizado lo lleva siempre a usted y a nosotros a odiar a as mujeres : la antigua Eva , que le ha infundido a usted temor en mi taller, podría sin duda soneírle un día de una manera menos amarga ".

Mercedes Tamara 

15 agoto 2012

Bibliografía : Gauguin, Edit Biblioteca El Mundo

VICENT VAN GOGH PINTANDO LOS GIRASOLES DE PAUL GAUGUIN

VICENT VAN GOGH PINTANDO LOS GIRASOLES 1888

Vicent van Goh pintando los girasoles
óleo sobre lienzo 73x 92 cm
Amsterdam, Museo Van Gogh

" Se me ocurrió la idea de hacerle un retrato mientras pintaba la naturaleza muerta que tanto  amaba , los girasoles . Y cuando lo terminé me dijo . " Soy yo mismo , pero después de volverme  loco " . Así comenta Gauguin trece años después , en Avant et Après , la génesis de este retrato, ejecutado poco antes de la conocida crisis de locura de Vicent , que escribiría un año después   a su hermano Theo : " Desde entonces mi cara se ha (...) serenado mucho, pero soy yo mismo,  sobremanera fatigado y lleno de tensión , como estaba en aquella época ".

  
Gauguin representa a Vicent sentado ante el caballete , pintando cinco girasoles que están en  un jarrón sobre una silla de paja. En la pared, detrás de él, hay un paisaje colgado . El artista ,  con la mano en el aire , parece estudiar el gesto que poco después trasladará al lienzo , observando el tema con los ojos entrecerrados.

Aunque sea precisamente ésta la expresión que Vicent asume cuando examina un cuadro, en  sus autorretratos no hay nada que nos prepare para la inquietante imagen plasmada por Gauguin. La cabeza parece casi deforme , con la frente baja e inclinada , el rostro y la nariz  aplastados , la mandibula prominente e hisurta con la barba roja. La mirada hace pensar en  un cuadro hipnótico.


La comprimida estructura de la composición crea tensión y una atmósfera amenazadora.  Gauguin parece observar a su modelo desde arriba , como sugiriéndole su propia superioridad . Resulta así una obra de una impresionante verdad psicológica . La agitación de Vicent, por  su parte, le exige sin duda un notable esfuerzo de paciencia , a la que es poco propenso. " La situación en la que me encuentro es un tanto difícil (....) Debo mucho a Theo van Gogh  y a Vicent , y a pesar de alguna diferencia no puedo enfadarme con un hombre tan bueno, que encima está enfermo, sufre y me necesita ".

Mercedes Tamara

15 agosto 2012

Bibliografia : Gauguin  Edit Biblioteca El Mundo

LOS JUGADORES DE CARTAS DE PAUL CÉZANNE 1895-1896

LOS JUGADORES DE CARTAS DE PAUL CÉZANNE 1895-1896

Los jugadores de cartas
óleo sobre lienzo 47 x 46 cm
Paris, Museo De Orsay

Entre 1892 y 1896 , Cézanne se ocupa en una serie de pequeños cuadros dedicados a jugadores   de cartas , tal vez sugerido por los Jugadores de cartas ( 1635-1640 ) de Louis Le Nain, obra   conservada en el museo de Aix. El pintor hace cuatro versiones del asunto : una con cinco    personajes, otra con cuatro , otra con tres y dos con una pareja de jugadores , muy similares   entre sí. Cézanne reflexionó sobre el tema durante mucho tiempo y antes de ponerse a pintar  ejecutó gran número de estudios . Parte de la crítica es de la opinión de que el pintor simplificó   progresivamente la composición , partiendo de los lienzos más poblados hasta llegar después  a los más simples, aun cuando hay quien ha avanzado la hipótesis de que Cézanne trabajó en  varios cuadros al mismo tiempo.

Esta pintura, la más pequeña de la serie, se halla probablemente entre las más tardías. Transmite la impresión de una intensa concentración por parte del pintor , de un trabajo  largo y continuo. En un ambiente angosto , sumariamente descrito , los dos jugadores, uno frente a otro, se dedican a una partida . Las posturas y gestos son perfectamente simétricos y en los rostros no hay la mínima intención de indagación psicológica. Una  atmósfera de suspensión invade toda la escena ." La fijeza del jugador que aguarda-  dice Giulo Carlo Argan-está definida por la forma cilíndrica del sombrero, que se repite en la manga, por la recta del respaldo de la silla, por las notas blancas de la pipa y el cuello " mientras que la " movilidad psicológica del otro ( el jugador de la derecha )  es mostrada por los colores más claros y sensibles a la luz de la chaqueta, del sombrero,  del rostro, y por la dirección , menos rígida y más ondulada , de los trazos ".

El pintor trabaja con el color y hace de él la verdadera " sustancia del espacio pictórico "   ya no es el " tono local relacionado con las cosas " sino que transforma el cuadro " en  un tejido de notas coloristas a las cuales el toque da una densidad y una dirección autónomas   con respecto a la forma de los objetos ".

Mercedes Tamara 

14 agosto 2012

Bibliografía : Paul Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo

BAILE EN EL MOULIN ROUGE, LA GOLUE Y VALENTÍN -LE-DESOSSÉ DE TOULOUSSE LAUTREC

BAILE EN EL MOULIN ROUGE, LA GOLUE Y VALENTÍN -LE-DESOSSÉ

Baile en el Moulin Rouge, La Goulue y Valentín -le-Desossé
óleo sobre lienzo 298x 316 cm
París, Musée d´Orsay

" Mi querido amigo , llegaré el 8 de abril , a las dos de la tarde ; mi barracón estará en el Trône , entrando a la izquierda tengo un sitio óptimo y me alegraría muchísimo si tuvieses tiempo de pintarme algo . Tienes que decirme dónde debo comprar los lienzos , así te los  daré ese mismo día " , escribe Golue a Lautrec el 6 de abril de 1895 , encargándole dos paneles que habrán de formar la fachada de su barracón en la Foire de Trônet , donde  la bailarina , ya en decadencia, se exhibe en la danza del vientre.

El espectáculo de la bailarina se presenta en abril y por eso el pintor ha tenido muy poco tiempo para hacer los dos paneles , que muestran en efecto una fractura muy rápida e inmediata : nacidos a modo de decoración efímera , serán recompuestos tras un desmebramiento en ocho partes, y de este modo milagrosamente salvados y actualmente están expuestos en el Musée d´Orsay.

"Golue " ( glotona ) es el sobrenombre de la alsaciana Louise Weber , que pasó de lavandera a bailarina y actriz , famosa por su apetito insaciable y por sus danzas endemoniadas , en especial por la quqdrille naturaliste ( derivada del célebre cancán ) que será la principal  atracción del Moulin Rouge a partir de 1890 . Gorda y cansada, en 1895 empieza para  ella una triste decadencia que la verá como florista en el Casino, luchadora en la Feria de Neuilly, domadora en el Juliano y en 1925 mujer cañón. Después de vivir en una chabola y trabajar como criada para todo un prostíbulo , muere en 1929 en el hospital Lariboisière,  el mismo año en que los lienzos de Lautrec le había pintado y que ella había cedido pronto entran a formar parte de las colecciones del Louvre : su valoración alcanza una cifra equivalente a cuatrocientos mil euros.

Mercedes Tamara 

13 agosto 2012

Bibliografía : Toulousse -Lautrec Edit Biblioteca El Mundo

EN EL INVERNADERO DE EDVARD MANET

EN EL INVERNADERO 1879

En el invernadero
óleo sobre lienzo 115x 150 cm
Berlin, Nationalgalerie

Es un retrato de pareja y representa a los esposos Guillemet , propietarios de un importante  negocio de moda; no tienen parentesco con el pintor que había posado para El balcón . De este cuadro toma Manet la idea de barandilla , esta vez duplicada , si bien con menos presencia que en el cuadro de diez años antes . La construcción del espacio es muy cuidada y la pesadez geométrica del banco tiene su contraste en la proliferación de plantas en segundo plano.


Éstas, que se alternan con las figuras, dividen la percepción horizontal del espacio , mientras que con su masa verde , tratada sin embargo como si fuese una tapicería , hace destacar de manera especialmente viva el amarillo de los complementos de madame Guillemet ,célebre por su belleza y su buen gusto. La aparente distancia entre ellos es desmentida por la proximidad de las manos , que introduce una atmósfera íntima.


Los invernaderos se habían convertido en un ambiente de moda en el Segundo Imperio y Zola los había transformado en lugares de encuentro amoroso en su novela de 1872 La cucaña , que no había dejado de suscitar escándalo . Manet expuso el cuadro en el Salón de 1879 , en el cual algún crítico maligno aludió a la asociación con Zola , aunque la escena no tenía nada de equívoco . Se expuso junto con En barca , en una deliberada contraposición social de las dos parejas. Manet había logrado tener un encuentro con el subsecretario de Estado para proponerle la adquisición pública de una de las dos telas o del apreciado Buen bock a fin de estar representado en el Luxemburgo, el museo de arte contemporáneo. La oferta, sin  embargo, no fue atendida y el Estado no compró nunca una obra del pintor en vida de éste.


A pesar de ello, es testimonio de la vitalidad de la obra y de su carácter evocador de una  época una reciente película adaptada de la obra de Oscar Wilde Un marido ideal en la cual se cita claramente el cuadro de Manet en una de las últimas escenas.

Mercedes Tamara 

10 agosto 2012 

Bibliografía : Edouard Manet , Edit Biblioteca El Mundo

LA PÉRGOLA DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

LA PÉRGOLA 1876

La Pérgola
óleo sobre lienzo 81x65 cm
Moscú, Museo Puskhin 

El cuadro corresponde a la época en la que Renoir está preparando el gran lienzo Baile en el Moulin de la Gallette : instalado en el lugar, estudia el ambiente , las luces, la fisonomía de las personas . En abril de 1875 alquila en la Rue Cortot de Montmartre un estudio compuesto por dos enormes habitaciones , un almacén donde acumular los cuadros terminados y un jardín. Seguidamente empieza a  trabajar en una serie de bocetos y estudios del Moulin de la Gallette , popular punto de encuentro y diversión de los parisienses.

La obra, antaño en la colección de Eugène Murer, muestra a un grupo de hombres bajo una pérgola , sentados a una mesa con una mujer y ocupados en hacerla beber y cortejarla, mientras los observa una figura femenina que, por semejanza del vestido y del peinado, podría ser Estelle , la modelo que posará en el primer plano del 

Baile en el Moulin de la Gallette. La escena es un ejemplo de esa pintura- que tanta fortuna tendrá pronto entre el público americano- que los críticos  definen como " impresionismo romántico " de Renoir, caracterizado por la  representación de amores burgueses: enamorados en un baile o en un jardín, escenas de género que figuran gratas reuniones de amigos , de fiesta en el  Moulin de la Gallette , en Borgival, en Chatou.

La expresión de los rostros y los detalles de las vestimentas se sugieren con pinceladas grandes y el fitrarse de la luz entre las hojas de los árboles se plasma con breves manchas que otorgan movimiento al cuadro. La mujer de espaldas que lleva un vestido blanco con franjas azules crea una especie de bastidos y con su sombrilla enmarca graciosamente la escena e introduce  al observador en la zona de la sombra donde se desarrolla el cortejo galante.

Mercedes Tamara

9 agosto 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo

EL PAYASO DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

EL PAYASO 1909

El payaso
óleo sobre lienzo 120x 77 cm
París, Musée de j´Orangerie

Después del retrato de su segundogénito Jean en traje de Pierrot ( 1902 ) Renoir dedica este cuadro a su hijo menor, Claude ( al que llaman Coco ) nacido en agosto de 1901 . La escena, cualquier cosa menos un espontáneo episodio familiar , está minuciosamente estudiada y se inserta en la línea de los retratos oficiales de autores como Veronés, Velázquez y Van Dyck. La primera referencia , sin embargo, es el Gilles de Watteau , del cual este cuadro es casi  una cita : el protagonista de la obra de Watteau es un personaje de aire melancólico , símbolo del artista incomprendido , pariente espiritual de los saltimbanquis y arlequines de Picasso . El Pierrot de Renoir no tiene, por el contrario, nada de esa tristeza : el pintor está fascinado sobre todo por el traje e interesado en la traducción pictórica del rojo.

La sobria estructuración de la imagen ( véase la columna del fondo habitualmente un atributo de quien ejercita un poder temporal ) sería adecuado para el retrato de un señor aristocrático, mientras que el modelo es la tierna figura de un niño disfrazado de payaso : no está muy claro si Renoir quería rendir homenaje a la retratística oficial -de la cual él mismo , si bien en forma diferente , ha ofrecido excelentes ejemplos- o hacer una parodia de ella.

En sus memorias ( Renoir - Souvenirs de mon père, París 1948 ) , Claude Renoir resume la génesis de la obra , vivida por él como un auténtico fastidio por la molestia de las calzas largas. Tras mucha insistencia y seductores ofrecimientos de su madre , que le promete un trenecito de madera y una caja de colores , " decidí ponerme las calzas de algodón durante unos momentos y mi padre-conteniendo la rabía que parecía que iba a estallar de un momento a otro -consiguió terminar el cuadro, a pesar de las continuas contorsiones que yo hacía para rascarme ".

Mercedes Tamara 

8 julio 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo 

MUJER DE AZUL DE PAUL CÉZANNE

MUJER DE AZUL 1904 

Mujer de azul
óleo sobre lienzo 88,5 x 72 cm
San Petesburgo, Museo Estatal del Ermitage

Una mujer de azul en una silla , con aire de fatigado abandono; la mano izquierda 

apoyada en una mesa ; la mirada absorta , cargada de triste melancolía . Se trata 

de uno de los últimos retratos femeninos realizados por Cézanne , ya al final de su 

trayectoria , quizá en el estudio de Lauves. 

La dama que posa para él no es Hortense, su esposa y modelo favorita . No tiene 

sus rasgos , pero sí los de la protagonista de un cuadro ejecutado por las mismas 

fechas , la Mujer con libro , hoy en Washington . Según Cachín, pudiera tratarse 

de madame Brémond , la gobernanta del pintor tan apreciada por éste , que vivía 

con él en la Rue Boulegon de Aix y tenía fama de ser una óptima cocinera. Émile 

Bernard la conoció cuando fue a Provenza , a casa del maestro en 1904, y percibió 

de inmediato el sincero afecto que la mujer profesaba al huraño pintor al que le 

toleraba con paciencia salidas chuscas como la de que " siempre pasaba junto 

a él sin rozarlo ni siquiera con la falda ".

El retrato que le dedica Cézanne posee un gran vigor expresivo. Su figura se  impone con una fuerza casi monumental . El pintor trabaja de manera refínadisima con el color, haciendo que las modulaciones cromáticas definan por si solas los volúmenes . Azul sobre azul , tono sobre tono : con sabios toques de rosa . Cézanne  destaca los puntos más salientes de la figura y con el negro sigue su perfil para  darle mayor consistencia plástica . La gama cromática es luminosa y viva : del  rosa el pintor pasa al amarillo claro y luego al verde esmeralda hasta llegar al  " tono local " dado por el azul cobalto al que encomienda la tarea de definir  parte del fondo . Ante una pared irreal y abstracta , la figura de la mujer se   recorta vigorosamente , merced también a la compleja perspectiva que le enmarca y la empuja hacía delante , hacía el primer plano, con ayuda de la  esquina de la mesa y su profunda diagonal , que parece proyectarlo todo más  allá de los estrechos límites del lienzo.

Mercedes Tamara 

6 agosto 2012 

Bibliografía : Paul Cezanne , Edit Biblioteca El Mundo