PAISAJE AL ATARDECER VICENT VAN GOGH

PAISAJE AL ATARDECER 1885

Paisaje al atardecer
lienzo sobre cartón 35 x 45 cm
Madrid, Museo Thyssen Bormizsa

Este pequeño paisaje fue pintado en Neuen , donde Van Gogh vivió en la casa familiar, ya que su padre se hizo cargo de la parroquia del pueblo desde finales de 1883 hasta 1885. Las obras ejecutadas durante este período son principalmente de dos temas : retratos de campesinos y paisajes. 

El artista amaba al campo y se inspiraba en la gloriosa tradición holandesa de la pintura de paisaje, pero también la interpretación modernizada que hacía de ella los artistas de la " Escuela de la Haya " siguiendo el ejemplo de lo logrado en Francia por los pintores de Barbizon . En el cuadro de Madrid, Van Gogh se remite explícitamente a esas obras. El tema tiene un aire informal , incluso trivial, sin que aparezca ningún edificio representativo . Como el paisajista del siglo XVII Jacob van Ruysdael, especialmente admirado por él, no opta por un escorzo particular , sino por una simple vista campestre .

En la " Escuela de la Haya "uno de sus exponentes más destacados , Anton Mauve , fue durante un breve período maestro del artista, que se inspiró en él en lo referente al acorde tonal , en armonía con los colores locales ,y, a la superficie nítida, sin ningún efecto ni " pasaje de bravura "

La composición se organiza con gran sencillez: el espacio está dividido en dos por la linea del horizonte , subrayada por la franja marrón del campo. La parte inferior, más oscura, está dominada por la presencia central de la zanja nevada , que introduce una nota luminosa : la superior, por el contrario, está protagonizada por el tono claro del cielo, cuya masa vacía equilibra las sutiles y esbeltas siluetas de los árboles. Estos últimos se distribuyen asimétricamente a los lados de la zanja ; de ello resulta una organización de los espacios llenos y vacíos, calibrados con esmero . Precisamente, de su extrema simplicidad se deriva el poder de sugestión de la obra.

Bibliografía : " Atlas del Impresionismo "
                         Colecc Carmen Thyssen.Bornemizsa

Mercedes Tamara

29-08-2014

EL BAR DEL FOLIES-BERGÈRE EDOUARD MANET

EL BAR DEL FOLIES-BERGÈRE 1881

El bar del Folies- Bergére
óleo sobre lienzo 96 x 130 cm
Countauld, Institute Galleries, Londres

Este cuadro fue expuesto en el Salón de París de 1882 y cosechó muchas críticas favorables . El Folies- Bergére empezó siendo un circo , más tarde , se convirtíó en sala de baile y café concierto y acabó siendo uno de los teatros de variedades más famosos del mundo, símbolo de la vida despreocupada y mundana de aquella década en la capital francesa.


La mujer del centro de la composición se llamaba Suzon y era una auténtica empleada del Folies-Bergére. Aceptó ir al estudio de Manet y posar para él. Su expresión ,un poco ausente ( tal vez aburrida, tal vez pensativa o melancólica , o tal vez simplemente cansada después de un largo turno de trabajo intenso y febril a causa de la enorme afluencia de público ) contrasta con el clima festivo que reina en la sala , lujosa y elegante . Un ramillete de flores blancas y rojas ( que el artista sintetiza con pocas pinceladas ) da vida al uniforme de la dependienta sobrio ,pero de corte impecable. 


Entre los trajes oscuros del público resalta el vestido blanco y los largos guantes de una mujer que está sentada en la primera fila , en el segundo término del cuadro que destaca por su atuendo del resto del público . Se trata casi con certeza de Anne- Rose Louviot, más conocida con el nombre artístico de Méry Laurent ( 1849- 1900 ) , actriz que dio mucho que hablar por sus innumerables aventuras amorosas y parece que inspiró a Marcel Proust el personaje de Odette Swan. 

Tras sus amores con Marshal Canrobert , Méry trabó relaciones con Thomas W Evans ,dentista de la familia imperial de Napoleón III , y a continuación se convirtió en el gran amor de Stèphane Mallarmé. La casa de ambos quedaba cerca del estudio de Manet, y es muy probable que Laurent conociese al pintor en 1876 , cuando expuso dos cuadros rechazados por el jurado del Salón . Acabaron siendo muy amigos y él la retrató en varias obras , además de regalarle una de las versiones del cuadro La ejecucción del emperador Maximiliano ( actualmente en la Ny Calsberg Glypotek de Copenhagen )  El escritor George Moore insinúa una relación bastante más íntima y profunda de una simple amistad , citando varias ocasiones en que ella estuvo cerca del pintor , o en que defendió su memoria.

De las pocas figuras que resaltan un poco en la primera fila . Destaca especialmente la mujer con primáticos , recurso para admirar de cerca las evoluciones del acróbata , de quien solo vemos los pies sobre el trapecio , en la esquina superior izquierda del cuadro. El cuadro está subdividido horizontalmente en dos partes muy distintas. En primer plano vemos el mostrador del bar ocupado por bebidas muy diversas entre las que no faltan las inevitables botellas de champán , otro símbolo de la vida nocturna de París.

Mercedes Tamara

22-08-2014

Bibliografía : Manet, Edic : Biblioteca El Mundo 

LA MODISTA TOULOUSSE-LAUTREC

LA MODISTA 1900

La modista
óleo sobre tabla 61 x 49,3 cm
Albi, Museo de Toulousse-Lautrec

La modelo, apodada Croquesi- Margouin (que en argot significa maniquí) está colocando sombreros , cuyas formas extravagantes repiten su peinado : se puede suponer que Lautrec la eligió por sus cabellos , de un rubio rojizo que le encanta desde sus primeros retratos de Carmen Gaudín, hasta los carteles de Jane Avril y las pinturas realizadas en las

maisons closes.

La moda parsiense de esos años desempeña un papel de notable importancia en la última década del siglo XIX se cuentan en Paris al menos 2400 modistas , que aparecen en motivos analógos de Degas, Manet, Steinlein, Raffaellí, Valloton.

La mujer más retratada es Louise Blouet , la compañera de Adolphe Albert , crítico y amigo de Lautrec , que presenta las obras de éste en el Salón de los Independientes de 1889 y hace aceptar sus carteles en el Salón de los Pintores Grabadores Franceses de 1893.

Cuenta Paul Lecleroq : " A Lautrec le gustaba hacer salir la personlidad de cada individuo , le interesaban y le divertían la frescura e ingenuidad de las pequeñas mentes capaces de ver las cosas con franqueza. La compañera ocasional de uno de sus amigos fue durante mucho tiempo una de sus mejores amigas. Se trataba de una joven modista de suntuosa cabellera rubia , con un rostro sutil de vivaz ardilla.

La pintura, muy contrastada , se debe a una posible influencia del pintor Eugène Carrière y a su relectura Fin de siècle de la obra de Rembrandt:La lección de Carrière, sin embargo, , es despojada aquí de toda base en un contenido y organizada enteramente con arreglo a unos valores cromáticos y a un empleo claroscurista de la luz para modelar las formas con nitidez y conferir un mayor dramatismo a la composición : el resultado es uno de los retratos más clásicos de Lautrec

  Mercedes Tamara
18-08-2014

                                                       

Bibliografia : Toulousse-Lautrec, Edic : " Biblioteca El Mundo "

BARCAS EN EL SENA ( EL SENA A SU PASO POR ASNIÉRES) PIERRE-AUGUSTE RENOIR

BARCAS EN EL SENA ( EL SENA A SU PASO POR ASNIÉRES) 1879

Barcas en el Sena  ( el sena a su paso por Asniéres )
óleo sobre lienzo 71x 92 cm
Londres, The National Gallery

"para mi, un cuadro ha de
ser algo encantador ,
simpático ; si, algo bello ,
ya hay suficientes cosas
desagradables en este 
mundo para que nosotros
fabriquemos otras más "

Pierre Auguste Renoir 




Renoir hizo en su juventud un aprendizaje como pintor de porcelana , por lo que estaba muy familiariado con los pinceles blancos y redondos y con los colores transparentes .A continuación pasó a pintar abanicos en  los que copió el célebre cuadro de Antoine Watteau El embarque a Citerea de comienzos del siglo XVIII. Más tarde recibió encargos de decoración en cafés de París: " Como  motivo elegí a Venus saliendo de las aguas .Te puedo asegurar que no economicé ni con verde veronés, ni con azul cobalto ..En París decoré como unos veinte cafés.. Aún hoy me gustaría pintar decoraciones como Boucher , transformar muros enteros en un Olimpo....".




Efectivamente, en los cuadros de Renoir no es posible pasar por alto el carácter decorativo:armonías de domingo brillantes , llenas de alegría de vivir, un domingo sin fin.También en el lienzo Barcas en el Sena Renoir parece no haber economizado pintura , si bien su paleta constaba exclusivamente de siete intensos  pigmentos ; azul cobalto, viridiana ( un verde oscuro con gran componente de azul ) , amarillo cromo, amarillo limón , naranja cromo, bermellón y barniz rojo  brillante y transparente. También se emplean gran cantidad de blanco para  las manchas que se extienden por todo el cuadro . En este caso Renoir renunció al negro y a colores terrosos , como  marrón,siena y ocre, etc




Barcas en el Sena forma parte de un grupo de motivos relacionados entre si , a los que Renoir se dedicó en los años 1879/80 en Chatou de Sena . Desde el punto de vista de la composición es muy similar al cuadro El puente de Argenteuil de Monet, pero  este está realizado cinco años antes. 




Los dos artistas situaron en el lado derecho un puente sobre el que está pasando un tren, ante el transfondo de la orilla del  río , con una casa. Pero mientras Monet reprodujo un lugar concreto , a Renoir lo que le importaba era la descripción general del ambiente de domingo: dos jóvenes y elegantes damas se dejan llevar por una barca sobre el Sena en un claro domingo.


Renoir estructura el brillante mosaico del agua con toda una serie de distintas técnicas pictóricas: la administración rápida de pintura líquida sobre un fondo aún húmedo alterna con la pintura gruesa casi seca, sobre un fondo ya seco. En el punto donde la barca corta la superficie del agua aparecen pequeños copos de espuma blanca , compuestos de manchas
de pintura gruesa , que se aplican al lienzo de modo distendido. 




Tales estructuras al parecer casuales demuestran la técnica específica del impresionismo. El contraste de colores complementarios que Renoir eligió para Bacas en el Sena es lo predominante: la combinación de naranja y azul se desprende de la teoría de Eugène Chevreul de 1839, según esta. estos colores - cuando limitan el  uno con el otro- se intensifican reciprocamente.




En el círculo cromático de Chevreul ,el naranja y el azul se encuentran uno enfrente del otro,; estos son los colores que Renoir eligió aquí. Al aprovechar efectos de contrastey emplear exclusivamente colores puros, sin mezcla, consiguió una luz única y luminosa.

Mercedes Tamara 

16-08-2014

Bibliografía : Renoir ,Edic : Biblioteca "El Mundo "

EL CARRO . CARRETERA BAJO LA NIEVE : HONFLEUR CLAUDE MONET

EL CARRO . CARRETERA BAJO LA NIEVE : HONFLEUR 1867

El carro.carretera bajo la nieve Honfleur

óleo sobre lienzo 65 x 92,5 cm

París Musée d´Orsay

Esta vista de Honfleur está fechada en 1865 por Monet, tras el ingreso del cuadro en el Louvre en 1911. Sin embargo, la correspondencia de un pintor local, Alexandre Dubourg, evocando los paisajes de nieve pintados por el artista en 1867, hace ahora optar por esta última fecha. El tejado visible en la izquierda sería el de la granja Saint-Siméon, lugar de encuentro de los pintores que realizan estancias y trabajan por aquel entonces con frecuencia en este rincón de Normandía: Troyon, Daubigny, Corot, Courbet, Boudin, Jongkind o Bazille... y por supuesto Monet.

Eligiendo un tema como este, el pintor sigue el ejemplo de Courbet que había recurrido a paisajes nevados en diversas escenas costumbristas. Pero, al contrario de su predecesor, cuyo motivo principal sigue siendo el ciervo con el cazador y que multiplica las anécdotas, Monet pinta un paisaje casi desierto, atribuyendo sólo al carro y a su ocupante un protagonismo segundario.

El campo cubierto de nieve da la oportunidad a Monet de estudiar las variaciones de la luz y de jugar con los matices. Con el deseo de renovar la representación del paisaje, el artista utiliza un número limitado de colores. Privilegia los tierra, es decir los colores castaños, y los azules que presenta en múltiples tonos para irisar el suelo con reflejos, en lugar de representarlo en blanco de un modo uniforme.

Monet pinta de este modo varios "efectos de nieve" a lo largo de la segunda mitad de la década de 1860. El más destacado de éstos es sin duda la famosa Urraca (museo de Orsay), que procede del invierno de 1868-1869. Fue además en diciembre de 1868 que confiesa en una carta a su amigo Bazille encontrar la campiña normanda "tal vez más agradable todavía en invierno que en verano...".

Mercedes Tamara 

16-08-2014 

Bibliografía : Monet , Edic "Biblioteca El Mundo "
                     París, Museo de Orsay , Edic Uffmann

AÚN DICEN QUE EL PESCADO ES CARO JOAQUIN SOROLLA

AÚN DICEN QUE EL PESCADO ES CARO 1894

Aún dicen que el pescado es caro
óleo sobre lienzo 151, 5 x 204 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Este emblemático cuadro , sin duda el más famoso entre todos los pintados por Sorolla durante su juventud con argumento social , es también ejemplo funadmental de la inmersión del artista en este género, entonces de plena vigencia en los ambientes , en los que Sorolla se propuso lograr sus primeros reconocimientos públicos. Además , es seguramente el más sentido de todos ellos en la hondura de su significado por representar un asunto tan sensible a las vivencias de las gentes de su tierra natal , logrando con él una de las escenas más emocionantes de la pintura española del realismo social de fin de siglo.

Muestra el interior de una bodega de una barca de pesca , en la que un joven marinero , apenas un muchacho, yace tendido en el suelo tras sufrir un accidente durante la faena. Con el torso desnudo , del que pende una medalla , amuleto devoto de protección de los pescadores contra las desgracias , el joven es atentido cuidadosamente de sus heridas  por dos viejos compañeros de labor , con el semblante serio y concentrado . Uno de ellos lo sujeta por los hombros , mientras el otro, cubierto por una barretina , le aplica una compresa en la herida , que acaba de mojar en el perol de de agua que se ve en el primer término.Alrededor de los tres marineros pueden verse diversos aperos, y, al fondo un montón de pescados , apresados durante la accidentada jornada

Sujeta aún a los rigores formales del naturalismo más estricto presente en las obras juveniles del artista de semejante naturaleza e intención , atentas todavía a un dibujo firme y descriptivo , especialmente definido en las figuras y tan sólo algo más libre en el entorno escénico que les rodea, Sorolla logra no obstante en esta pintura una especial armonía de conjunto en la interpretación de su asunto, en una composición de gran equilibrio y un audaz planteamiento espacial, integrándose ya en ella con perfecta normalidad , algunas de las conquistas del innovador lenguaje plástico de su obra posterior.

En efecto , lo primero que despierta la emoción del espectador es la entereza callada y contenida de los viejos hombres del mar cuidando el frágil y desvalido cuerpo del muchacho herido , interpretado casi con solemnidad dramática de una piedad profana , envuelta en una gravedad noble y viril que sólo Sorolla supo calar en el alma de los pescadores de su tierra.

Por otra parte , la captación de la luz que penetra por la escotilla de la barca y baña en una clara penumbra su bodega y los enseres en que en ella se guardan muestra las conquistas de Sorolla ya en estos años respecto a sus obras anteriores de este género en el manejo de los recursos lumínicos . Además, la audacia de su encuadre moderno, que desplaza acusadamente la perspectiva de la bodega hacía un lado para subrayar la sensación espacial del entorno en que se desarrolla la escena, deja ver la escalera por la que han descendido el cuerpo del joven pescador herido , dando así mayor profundidad a la composición , que se cierra con los reflejos plateados de los pescados amontonados al fondo.

El dramatismo sereno y hondamente sentido con que Sorolla interpreta este argumento de pescadores contrasta con otras pinturas importantes del artista con semejantes protagonistas y escenario, como la titulada  Comiendo en la barca pintada cuatro años después, de proporciones muy semejantes, aunque , sin embargo, de planteamiento radicalmente opuesto, volcado ya el artista en el cromatismo naturalista que será tan característico de sus escenas marineras.

Mercedes Tamara

16-08-2014

Bibliografía: Sorolla, Museo Nacional del Prado

EL SENDERO EN LA HIERBA ALTA PIERRE-AUGUSTE RENOIR

EL SENDERO EN LA HIERBA ALTA 1874

El sendero en la hierba alta
óleo sobre lienzo 60 x 74 cm
París, Musée d´Orsay

La obra es una de las cumbres de la época impresionista de Renoir, semeja ser el resultado de una visión cegada por el sol , el intento de reproducir cromáticamente la luz de una hora temprana de una tarde soleada.

Aunque presenta problemas en cuanto a su fecha - que se sitúa entre 1874 ( año en el que el pintor se hallaba en Argenteuil ) y 1876 y 18678 ( período en el que pinta  El columpio y Baile en el Moulin de la Galette ) el cuadro es sin duda cronológicamente cercano a Las amapolas de Monet , con el mismo motivo e igual composición de las figuras en el paisaje .

Ambos cuadros presentan dos figuras en lo alto de una colina y otras dos abajo, aproximándose al espectador lo cual produce un análogo efecto en cuanto a crear un sentido de movimiento por el sendero de bajada . Renoir se vale del rojo vivo de las amapolas, con las que salpica a trechos el lienzo , para resaltar la intensidad de la gama cromática en su conjunto, en marcado contraste con el verde oscuro de las matas y de los árboles de segundo plano. Otro acento de rojo es la sombrilla de la mujer , que, en el centro del cuadro, se añade a las manchas rojas del primer plano.

El efecto total del cuadro aprovecha la fuerte tensión que se establece entre la espacialidad sugerida por el sendero entre los campos y la absoluta inconsistencia creada por las veloces pinceladas , cuyo fin es reproducir los vibrantes efectos lumínicos . Es quizá ese paisaje el que se vendió en 1875 por la misera cantidad de 105 francos en el Hotel Drouot, en el curso de la subasta organizada por Renoir y Monet para tratar de resolver la graves dificultades económicas en que se dabatían .

Paul Duran Ruel , marchante próximo al grupo impresionista , al no poder adquirir para sí las obras , vio cómo se le escapaban los cuadros de Renoir que fueron comprados a precios realmente irrisorios que apenas bastaban para cubrir el coste de los marcos ( en los cuales tal vez estaban más interesados los compradores ).

Mercedes Tamara

7-08-2014

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir. Edit Biblioteca El Mundo
                         Paris Museo de Orsay, Edic Uffmann

ROCAS DE JÁVEA Y BOTE BLANCO JOAQUÍN SOROLLA

ROCAS DE JÁVEA Y BOTE BLANCO 1905

Rocas de Jávea y bote blanco
óleo sobre lienzo 62,8 x 84.7 cm
Madrid, Museo Thyssen Bornemisza

En la campaña que Sorolla desarrolló durante el verano del año 1905 en Jávea, el paisaje tuvo una importancia de primer orden. Tras una breve estancia en Valencia y su vuelta de París , el 12 de julio se hallaba en la localidad alicantina, con verdadera avidez por pintar , según le decía a Pedro Gil : " Ya estamos en el terreno, ya pronto comenzaré mi campaña de verano , estoy ilusionado como un chico. Estamos bien instalados , gozando de un mar tan azul y violento que alegra el alma " . Y agregaba : " Ahora empezaré por hacer paisaje para entrar en voz , y después vendrá lo otro . Es tal el silencio, la paz que hay aquí que , excepción de vosotros , de París solo recuerdo que es una olla de grillos (....) mientras que aquí, aun con tanta miseria , lo que recoge es salud, pues el sol todo lo embellece y purifica ". Casi dos semanas después , el 25 de julio, le participaba : " Llevo pintando varios estudios del mar y de rocas, interesantes de colores y armonías . Hoy salgo de excursión por día y medio para conocer algunos sitios de la costa y del interior , que espero serán estupendos ".

En la amplia producción del artista durante la estancia estival en Jávea, cifrada en treinta y cuatro cuadros y cinco apuntes , tuvieron especial importancia los paisajes de costa, que conocía bien por sus estancias anteriores, allí en 1896, 1898 y 1900 y cuya extraordinaria riqueza de colores le fascinó . Entre las no menos de dieciséis obras con este tema que se conocen es ésta la de mayor calidad. En ella afronta la representación de una cala, observada en picado, de modo que el mar ocupa la mitad de la superficie del lienzo, delimitado por las potentes rocas que se adentran en él , en un dinámico equilibrio de sucesivos entrantes y salientes de recortados perfiles que continúa hasta el cabo de San Antonio.


El pintor se coloca a la sombra, que define en todo el primer término las siluetas de las crestas más altas a su espalda, y muestra un acusado contraste de tonos, mayor que el de otra composición muy pareja, pintada en esta campaña desde el mismo lugar. Consigue la concreción de las rocas al sol mediante pinceladas anchas y empastadas, no muy largas, cuyas redondeces son visibles . Las más
próximas se colorean en delicados rosas y malvas , pero al artista le interesaron sobre todo las partes anaranjadas de la roca del segundo término, cuyos reflejos en el mar, de intenso azul, le ofrecieron la ocasión de conseguir un exaltado contraste de complementarios y perfecto equilibrio.

Las variaciones en el cromatismo del mar , debidas a su diferente profundidad, muestran una gradación desde el verde claro de la orilla a la izquierda hasta el azul ultramar muy intenso del horizonte. La pincelada independiente y libre, en una ejecución directa y muy rápida del natural, en una sola sesión se aprecia bien en la celeridad del toque en la parte superior que deja al descubierto la imprimación industrial blanca de la tela, lo mismo que en el ángulo inferior derecho, apenas cubierto por trazos, aquí más desleídos. También en torno al bote, presencia mínima y solitaria que indica que indica la condición habitada del lugar y su dedicación marinera son bien visibles , la trama y las urdimbres del lienzo, además de las pocas pinceladas que, con resolución y acierto , lo definen entre la luz y la sombra.

Mercedes Tamara

4-08-2014



Bibliografia :Obras Maestras Blanca Sorolla, Edic El Viso