sábado, 29 de junio de 2013

NEMERMORE PAUL GAUGUIN

NEVERMORE 1897
Nevermore
óleo sobre lienzo 60.5 x 116 cm
Courtauld Institute of Art Gallery, Londres










En 1895 Paul Gauguin ( 1848-1903) regresó a Tahití , por última vez, tras un período difícil en París, donde no recibióel reconocimiento merecido. Pintó una serie de grandes lienzos , incluido Nemermore , inspirado por la muerte de 
su hija Aline.



Es un cuadro apaisado con escasa profundidad , en el que se haya incluido el motivo familar de dos personas susurrando, así como un cuervo que sugiere desgracia y es una referencia al poema homónimo de Edgar Allan Poe ,que Mallarmé recitaba en el café Voltaire cuando Gauguin abandonó París , En el poema , un hombre imagina que el ave que está batiendo las alas contra la ventana , sin dejar de repetir la palabra " nememore " es el espíritu de su amante muerta








.La muchacha está de cara al espectador , pero su desnudez no es un ofrecimiento erótico, según la tradición de la pintura occidental. La curva de la cadera es exagerada para imitar al mueble que tiene detrás, ambos acentuados por fuertes lineas verticales al fondo . Está mirando mientras escucha a las personas que susurran ,y , el cuervo, a su vez , la observa. La melancolía y la amenaza implícitas en el cuadro indican el inestable estado mental de Gauguin, que aquel mismo año intentó suicidarse sin éxito. En años recientes, Gauguin ha sido objeto de críticas por este cuadro, 






No obstante, es simplista analizar culturas pasadas desde la perspectiva del siglo XXI ,y fácil criticar este desnudo "primitivo " y tildarlo de misógino . En  la " Eva " de la imaginación occidental , dijo Gauguin a Strindberg, la que  convierte a los hombres en misóginos, y sólo la " Eva primitiva " está desnuda  con naturalidad. 

Mercedes Tamara 

                                                           29 -junio-2013





Bibliografia : Gauguin  Edit Biblioteca El Mundo



viernes, 28 de junio de 2013

OLYMPIA EDOUARD MANET

OLYMPIA 1863
Olympia
óleo sobre lienzo 130,5 x 190 cm
París, Musée d´Orsay 




Edouard Manet ( 1832 -1883 ) Una de las figuras claves de la pintura del siglo XIX,provocó escándalo con su peculiar realismo .Sus audaces métodos le ganaron el aprecio de los impresionistas, aunque nunca perteneció oficialmente a este grupo. Manet procedía de una familia de clase media acomodada y estudió con Thomas Couture, pintor académico de éxito .Coiture había estudiado a fondo los antiguos  maestros anhelaba el reconocimiento del Salón , la muestra más prestigiosa de  Francia. Pese a tener unas raíces tan convencionales , Manet produjo obras controvertidas y originales. A principio de la década de 1860 alcanzó una notable notoriedad al exponer Almuerzo sobre la hierba y Olympia , que se tacharon de  inmorales . Manet se convirtió en una especie de figura paterna para el círculo de los jóvenes impresionistas. El no compartía el entusiasmo de éstos por la pintura  al aire libre , pero sus emorables escenas de la vida parisina moderna fueron una fuerte inspiración para ellos.
Olympia un provocador cuadro de la época más controvertida de la carrera de Manet afirmó su presencia en el centro de la escena pictórica francesa , al dar un nuevo enfoque a un tema tradicional. No había nada de inusual en la desnudez, pues las escenas discretamente erótica de ninfas y diosas antiguas eran moneda corriente en las salas de exposición francesas. Sin embargo, Olympia no encajabaen esa categoría . La modelo quizá imitase la pose de la Venus de Urbino de Tiziano , pero era mucho menos respetable. 
Las `pinturas de Manet fueron una revuelta contra el arte académico que, durante parte del siglo XIX, el arte francés estuvo sometido a un rígido control. Los pintores que quisieran exponer su obra en el Salón-la muestra pictórica oficial de París- debían someterla al dictamen de un jurado . En la década de 1860 fue creciendo el resentimiento ante tal escrutinio y en 1863 se concedió el permiso para la organización de un Salón des Refusés ( Salón de los Rechazados ) El almuerzo sobre la hierba de Manet, de este mismo año, fue la pintura estrella de la muestra. Los críticos la ridicularizaron , pero Manet se hizo rápidamente famoso.
Manet pintó Olympia en esa misma época , pero la expuso en 1865 y la reacción de la crítica fue tan hostil como en Almuerzo sobre la hierba debido en gran medida a  la subversión del academicismo por parte del pintor. Ambas obras, se basaban  libremente en cuadros del Renacimiento, pero a la vez Manet estaba influido por la tendencia realista abanderada por Gustave Coubert en la década de 1850. Coubert  había defendido que el arte debía representar únicamente "objetos reales y existentes " Así , Manet tradujo sus fantasías renacentistas a un idioma moderno y en el caso de Olympia convirtió el modelo de una diosa desnuda y reclinada en un equivalente contemporáneo y más cercano.
Victorine-Louise Meurent fue la modelo elegida para la Olympia de Manet que, además era su modelo favorita. La polémica no era algo nuevo para ella, pues ya se había dado a conocer al posar desnuda para el cuadro que hizo famoso a Manet Almuerzo sobre la hierba Meurent no era una belleza al uso, pero su `personalidad ardiente producía el efecto deseado por Manet. Su mirada confiada escandalizó al público parisino y alentó el rumor de que la modelo era una prostituta curtida, pero Meurent, de hecho era pintora y varios de sus cuadros se exhibieron en el Salón .
Al público actual puede sorprenderle que el torso de la modelo fuera objeto de  críticas especialmente hostiles. Los aficionados al arte de la época estaban acostumbrados a las figuras esculturales , redondeadas e idealizadas . El cuerpo de Olympia , en cambio, era demasiado realista para su gusto. Además, a algunos críticos , les desagradaba el color de la piel de Olympia , uno de ellos afirmó que sus tonos eran " mugrientos " y otro la describió como una " odalisca de estómago amarillo.
La mano sobre el pubis , era un gesto recatado de la Venus púdica. Era una actitud recurrente en el arte académico de inspiración clásica , pero su efecto resulta discordante en este caso, pues la mirada de la mujer era todo menos modesta.
TÉCNICA .- Al público parisino le escandalizó el cuadro de Manet sobre todo por motivos morales, pero a muchos críticos les horrorizó igualmente por su técnica .El público del Salón estaba acostumbrado a ver en los cuadros un acabado muy cuidado. Los tonos de la piel, en particular, solían mostrar una lisura como de esmalte , incluso cuando se miraban muy de cerca. Manet, por el contrario, prestaba relativamente poca atención a las sutilezas del modelado  y de la gradación tonal, y tendía más a aplanar las figuras y el espacio que las rodeaba.Así, los críticos compararon a menudo sus figuras con las de naipes, hubo un crítico que describió Olympia como la "reina de picas saliendo del baño ".
Manet era, además, aficionado a estructurar sus composiciones a base de marcados contrastes de luz y sombra, un recurso que tomó de la pintura española. Los críticos reconocían su habilidad en este aspecto , pero se quejaban de la falta de detalles en sus sombríos fondos

Mercedes Tamara 
28 .junio-2013

 Bibliografía : Obras Maestras de la Pintura , Edic Blume



viernes, 21 de junio de 2013

EL BAÑO MARY CASSATT

EL BAÑO 1893
El baño
óleo sobre lienzo 100,3 x 66,1
The Art Institute of Chicago







Mary Cassatt ( 1884 -1926 ) fue una figura destacada dentro del movimiento impresionista . Es conocida por sus tiernas imágenes de madres y niños y por sus pioneras técnicas de grabado. Cassatt nació en Allegheny, hoy en día parte de Pittsburgh ( EE.UU ) Su familia viajó mucho , y aunque estudió  en la Academia de Pensilvania en Filadelfia, su estilo se formó en Francia , donde pasó la mayor parte de su carrera .Se estableció en París en 1874,  el año de la primera exposición impresionista . Un encuentro casual con  Degas inspiró su gusto por las composiciones chocantes y asimétricas  y despertó su interés por el grabado . Su mayor logro en este campo fue una serie de innovadores grabados en color, mezcla de aguatinta y punta seca.




Cuando Mary Cassat creó El baño se encontraba en la plenitud de su carrera creando una enternecedora escena doméstica . Había asimilado la influencia de los impresionistas , cuyo entusiasmo por las escenas de la vida urbana moderna compartía , pero había desarrollado un enfoque muy personal de  esta temática, que presentó desde una perspectiva femenina . A Mary Cassatt se le conoce sobre todo por sus cuadros de madres y niños, pero su repertorio se extiende más allá ; también pintó a mujeres paseando en barca, probándose  vestidos , viajando en ómnibus o conduciendo un carro en el Bois de Bologne




El estilo de Mary Cassatt tiene influencia de los grabados japoneses , que vio en una exposición de París en mayo de 1890, y tal influencia resulta evidente  en la llamativa composición de El baño Aquí , el inusual punto de vista , el énfasis en los patrones decorativos y la estrechez del campo visual , que abarca solo a las dos figuras principales, son rasgos que confirman la importancia del referente japonés.




En las cabezas se nota la fascinación que sentía la pintora por los grabados japoneses, lo cual podría explicar esta composición tan peculiar. El punto de vista alto, con las figuras vistas desde arriba, es típico del grabado japonés, como lo es la proximidad del artista a la escena hasta el punto de cortar el  vestido de la mujer en el margen. La niña incluso presenta unos rasgos algo orientales.










Una gran habilidad tenía Cassat para mostrar el tierno vínculo entre madres e hijos Ese brazo protector que rodea a la niña evoca un ambiente de tranquilidad y armonía doméstica en el hogar. Y al igual que su amigo Edgar Degas , Cassatt 
evitaba las actitudes corporales estereotipadas que se enseñaban en las academias, prefiriendo colocar a sus modelos en posturas inusuales y con todo naturales.







La jarra de agua demuestra que da más importancia a la impresión decorativa que a la perspectiva . La pintora asumió este estilo aquí, ya que la perspectiva de la jarra no coincide con la acusada inclinación de la alfombra

Mercedes Tamara 
21 -junio-2013






Bibliografía : " Gran Atlas del Impresionismo " Edic Electa
                       Impresionismo, Edic Taschen

miércoles, 19 de junio de 2013

TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE GEORGES SEURAT

TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE 1884-1886



Tarde de domingo en la Grande Jatte
óleo sobre lienzo 207,5x 308 cm
Art Insitute of Chicago




Georges Seurat ( 1859-1891 ) Fue un brillante pintor y dibujante francés del siglo XIX; se le recuerda sobre todo por sus monumentales cuadros puntillistas en  los que usaba una miriada de puntos para lograr vibrantes efectos cromáticos. Nacido en París, Seurat ingresó en la École des Beaux Arts en 1879, pero la dejó al cabo de un año para realizar el servicio militar obligatorio. Volvió a París en 1880 y durante unos años se dedicó a dibujar produciendo unos misteriosos y aterciopelados dibujos con ceras conté sobre papel texturado. Luego empezó a pintar experimentando con estilos inspirados en Delacroix y los impresionistas.

Tras leer varios estudios científicos y estéticos sobre el papel de color en la pintura, Seurat trató de formalizar sus teorías en sus cuadros. Su primer gran proyecto Un baño en Asnieres ( 1884 ) fue rechazado en el Salón , pero se expuso en el Salón de los Independientes, muestra alternativa en cuya organización Seurat colaboró y en la que conoció a su colega Paul Signac y Henri Edmon Cross. Ellos desarrollaron el puntillismo de Seurat , quien continuó elaborando el estilo, interesándose por el efecto emocional de la dirección de las lineas, cuestión en la que experimentó en sus obras El chahul ( 1890 ) y  El circo ( 1890-1893 ). Seurat murió de meningitis a los 31 años, dejando solo un puñado de cuadros importantes

Tarde de domingo en la Grande Jatte es un luminoso cuadro que muestra a unos parisinos vestidos a la moda disfrutando de una tarde de domingo en un conocido lugar de asueto junto al Sena , pero representa mucho más que una simple excursión en un día soleado. Las figuras y su entorno son un vehículo  para la experimentación de Seurat con el color, la temática y la composición,

Esta obra dio lugar al nacimiento de un " nuevo estilo "que causó sensación cuando se expuso por primera vez en mayo de 1886 en la última de las exposiciones impresionistas y marcó el inicio del postimpresionismo. En lugar de pintar de manera intuitiva como los impresionistas, Seurat mostraba un enfoque más sistemático y científico de la composición y aplicación del color, a lo largo de los dos años que tardó en pintar el cuadro perfeccionó una técnica conocida como divisionismo o puntillismo, que consiste en colocar pequeños puntos de colores unos junto a otros en el lienzo, que se funden en la mente del espectador con un efecto más vibrante que cuando se mezclan en la paleta o sobre el lienzo. Esta impresión titilante sugiere un efecto similar al de la luz  solar difusa.

Meticulosamente planeado y ejecutado, La Grande Jatte posee una cualidad atemporal y monumental. Aunque la escena bulle de figuras, la mayoría son estilizadas y parecen estatuas, y sus rostros, cuando se ven, son inexpresivos e inescrutables. Dispuestos en grupos estáticos por todo el lienzo, parecen  congelados en el tiempo, disfrutando para siempre de una tarde de domingo.

Casi en el centro de la escena una mujer vestida a la moda y una niña avanzan de frente hacía el espectador , a diferencia de las demás figuras del cuadro , a las que vemos de perfil. El vestido blanco de la niña y el rosa de la mujer destacan sobre el verde la la hierba y ambas figuras aportan una sensación  de movimiento a una escena por lo demás estática, excepto por la niña que
brinca, detrás de éstas los remeros del rio y los animales en primer plano.

Las figuras como estatuas puede deberse a que Seurat había aprendido en su formación el dibujo de vaciado de esculturas clásicas. Como un eco de aquellos ejercicios , sus figuras tienen una extraña quietud, como de estatuas . Están simplificadas y estilizadas y la forma de algunas, como la de las mujeres del polisón ( izda ) o la de las mujeres sentadas con sombrero se repite , dotando  a la composición de cierto ritmo.

Si se contempla la obra de cerca se ve que cada color se compone de puntos de colores contrastados. lo cual crea un efecto centelleante. El verde vivo de la hierba iluminada por el sol salpicada de puntos amarillos y naranjas, las zonas en sombra están entretejidas de azul y rosa. Los puntos varían hacía el borde de cada linea de color, como en el limite de la hierba iluminada y en sombra.

En lugar de enmarcar el margen Seurat pintó un margen alrededor del cuadro. Los puntos de margen son de color complementario al de los puntos del área  que delimitan: rojo con verde , naranja con azul y morado con amarillo por ejemplo

El tamaño del lienzo de Seurat es tal que le hubiera resultado imposible trabajar sobre él al aire libre , como harían los impresionistas. Seurat hizo al menos dos dibujos y esbozos al óleo en la Grande Jatte durante meses y, luego, los usó para componer el gran cuadro en el taller, refinando las figuras y disponiéndolas  de diversas maneras en una serie de pequeños estudios y en un gran esbozo de la obra definitiva. El cuadro final fue meticulosamente pincelado, tanto la composición como la distribución de los colores. El resultado no es una representación naturalista de la escena, sino la expresión del interés de Seurat  por la armonía cromática y el efecto sobre el espectador


Mercedes Tamara
19 -junio-2013



Bibliografía : Seurat : Catalógo completo, Edit Akal

sábado, 8 de junio de 2013

VELEROS EN ARGENTEUIL GUSTAVE CAILLEBOTTE

VELEROS EN ARGENTEUIL 1888
Veleros en Argenteuil
óleo sobre lienzo 55 x 85 cm
Museo de Orsay , Paris 


Caillebotte es un apasionado de vela. A partir de 1879, es el vencedor de regatas en el Sena y se destaca por sus lujosos e innovadores barcos. Incluso llega a convertirse, al final de su vida, en un afamado arquitecto naval, su pasión por el barco acabando por predominar a la pintura. A partir de 1881, compra una casa en Petit-Gennevilliers, a orillas del Sena frente a Argenteuil, donde se encuentra el Círculo de Vela de París. Esta casa se convierte poco a poco en su residencia principal.

Se pone pues naturalmente a pintar barcas de remo, los "canotiers", y veleros. Por supuesto, su visión está influenciada por la de Monet que, instalado en Argenteuil desde 1871, hizo de los veleros en el Sena, uno de sus motivos predilectos. Manet, Renoir, véase incluso Sisley también han ampliamente abordado este tema. Por ello Caillebotte parece casi pasado de moda, por lo menos un paso por detrás, cuando expone en 1888 vistas de barcos en el Sena. A pesar de todo, algunas composiciones, como ésta, son perfectamente equilibradas, luminosas, logradas.

En ellas observamos la flotilla de barcos de recreo, atracados río abajo del viejo puente de madera de Argenteuil. Tras los arcos, se adivinan los pilares del puente de ferrocarril y los cuetos de Sannois y de Orgemont. Pintado rápidamente, probablemente a partir del motivo, este cuadro que describe los reflejos espejantes del río está, sin embargo, sólidamente estructurado por líneas horizontales y verticales fuertes (el puente, los mástiles). En seguida están contrarestadas por sutiles oblicuas (el pontón, las velas) que dan el compás de la composición. La superficie pictórica está muy trabajada, con pinceladas espesas y apretadas, muy diferentes de los efectos más fluidos de Monet y Renoir.

Mercedes Tamara Lempìcka 
8 -junio -2013

viernes, 7 de junio de 2013

EL ESTANQUE DE LOS NENÚFARES CLAUDE MONET


EL ESTANQUE DE LOS NENÚFARES 1899
El estanque de los nenúfares
óleo sobre lienzo 89,5 x 92,5 cm
Museo de Orsay , París









Monet ingresó en una escuela de arte independiente de Paris, la Académie Suisse ,y luego estudió en el taller de Charles Cleyre , donde conoció a su colega impresionista el pintor Renoir. Durante la guerra franco -prusiana ( 1870-1871 ) pasóuna temporada en Londres, donde estudió a Constable y a Turner y pintó el Támesis .


En 1871 se trasladó a Argenteuil, cerca de París, allí pintó algunos de sus mejores cuadros, entre ellos Las amapolas ( 1873 ). En 1874 expuso en la primera muestra  impresionista . En la década siguiente cuando el grupo comenzó a disgregarseMonet se mantuvo fiel a sus ideales . En 1883 se instaló en Giverny . En sus últimos años su vida sufrió un gran deterioro , pero su memoria para los colores era muy aguda . Murió en Giverny famoso y rico .




El estanque de los nenúfares está lleno de armonía y color. El tono y la textura se combinan con el delicado efecto de la moteada luz del sol en esta serena y reflexiva imagen de un jardín acuático .El estanque, con su peculiar puente arqueado , está en el famoso jardín del artista en Giverny, al noroeste de París.Monet consideraba su extenso jardín como " su obra más bella" y le tuvo ocupado gran parte de su vida, sobre todo en los últimos años, cuando pintó este cuadro.






Pintor impresionista por excelencia y cofundador de este grupo de pintores franceses, Monet trató de registrar y comunicar en sus obras las impresiones y sentimientos que experimentaba al pintar al aire libre. Siempre le fascinaron los efectos de la luz y la atmósfera y al crear su propio jardín, el artista consiguióel escenario perfecto para observar la luz ; podía pintarlo a cualquier hora del día,
y en 1914 hizo construir allí un taller.



En este cuadro El estanque de los nenúfares ; armonía verde, unas pinceladas breves y rápidas componen la florida superficie del agua, creando un armonioso patrón cromático.En algunas partes del cuadro, el artista aplicó la pintura con  espátula a fin de recrear las formas y la textura del follaje , acumulando capas y trabajándolas reiteradamente hasta formar una gruesa corteza . La invención de los tubos metálicos deformables para la pintura al óleo, patentados en 1841, tuvo un gran impacto en la práctica artística . La disponibilidad de la pintura ya mezclada en una amplia gama de colores facilitó el estilo de pintura al aire libre de Monet.



Monet creó en Giverny dos jardínes separados, el huerto de flores y el jardín acuático de inspiración japonesa y los estudió y pintó a lo largo de más de veinte años. El estanque de los nenúfares aquí mostrado forma parte de una de las series pictóricas en las que Monet se proponía captar el mismo tema a distintas horas  del día y con distintas condiciones de luz. En los últimos años de su vida, el estanque de los nenúfares se convirtió en el motivo dominante de su obra; de hecho , em 1900 expuso diez versiones del mismo Este cuadro evoca los ideales impresionistas del artista y transmite su profunda sensibilidad hacía la naturaleza y su inagotable pasión por el jardín.


Mercedes Tamara 
7 -junio-2013



Bibliografía : París, Museo de Orsay, Edic Uffmann
                      Gran Atlas del Impresionismo Edic Electa