EL CUARTO ROJO HENRI MATISSE

EL CUARTO ROJO 

El cuarto rojo
óleo sobre lienzo 180 x 220 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo

La historia de El cuarto rojo de Henri Matisse  ilustra la peculiaridad de las vías creativas en la búsqueda del pintor. El interior inicial se realizó en tono azul. El tejido color turquesa con arabescos azules y las cestas de flores repetían un motivo , presente ya en otros cuadros de Matisse.

En este caso , después de acabado el cuadro, el pintor reelaboró toda su gama cromática, sustituyendo el tejido azul por el rojo . Este color se convirtió en dominante , bajo su efecto, adquirió una gama nueva el paisaje que aparece a través de la ventana y, por el contraste, la vegetación se hizo más vivaz.

El color rojo también subordinó  su calidad, alterando el efecto , la gama en la cual se inscribe la naturaleza muerta de la mesa. Este color sonoro sintoniza con el ritmo inquieto del cuadro , ritmo marcado por la dinámica de los arabescos, el movimiento, de la figura femenina y la inclinación de los árboles que aparecen en el paisaje

Mercedes Tamara

10-12-2016

Bibliografia : Matisse Edic Taschen

MUJER EN EL TOCADOR EDGAR DEGAS

MUJER EN EL TOCADOR 1894

Mujer en el tocador
óleo sobre lienzo 96 x 110 cm
Tate Gallery Londres

Edgar Degas es el autor de Mujer en el tocador, un pastel que puede fecharse hacía 1894, y, en consecuencia, corresponde a los últimos años en que pudo practicar este género de pintura , antes de que la ceguera progresiva le primara de las facultades indispensables para esta tarea .

Este tema intimista fue reiterado muchas veces por Degas , en composiciones diversas . En este caso, la mujer peina una larga cabellera ante el tocador sobre el que, entre otros objetos, hay un tibor oriental , mientras se ve a la derecha la figura incompleta de  una sirvienta que le trae una taza de café .En una versión americana hay una versión análoga , en la que además aparece un perro .

Estos pasteles de Degas , tan sugestivos por su cromatismo y su ambiente , dan la sensación de estar pintados del natural, cuando en realidad son fruto de cuidadosos estudios preparatorios .

Precisamente en esta época en que su vista se iba apagando y ya había tenido que renunciar al dibujo y al grabado, estos pasteles se hacen más audaces, más rutilantes modelando en ellos la forma por el color , por un peculiar rasgueo de colores intensos que infunden nerviosismo a la imagen

Mercedes Tamara

8-12-2016

Bibliografía: Degas Edit Biblioteca El Mundo 

PIERROT Y ARLEQUÍN PAUL CÉZANNE

PIERROT Y ARLEQUÍN 1883

Pierrot y Arlequín
óleo sobre lienzo 102 x 81 cm
Museo Pushkin Moscú

Pierrot y Arlequín fue pintado por Cézanne en Paris en el año 1883 en el taller de la calle Val de Grace . Para la escena posaron L. Guillaume ( Pierrot ) y el hijo del pintor ( Arlequín ) 

Se han conservado los dibujos y acuarelas de las pruebas de la obra Cézanne trabajó largo tiempo sobre ella antes de llegar a un acabado para él satisfactorio .

La creación de las figuras de género , no eran obras habituales en la trayectoria artística del pintor . Esta obra mantiene las características tradicionales de los personajes del teatro popular francés : el presuntuoso Arlequín y el tímido Pierrot. Las figuras se mueven por la superficie ligeramente inclinada del suelo ; tendiendo el uno hacía el otro forman una pirámide .

Mediante este procedimiento Cézanne crea la dualidad de las posiciones : la dinámica de las figuras y su aparente inmovilidad , el momento del movimiento y el estatismo . El pintor persigue la plenitud del volumen de la forma plástica , por lo cual de las figuras emana una cierta rigidez y apariencia escultórica 

                                                                 Mercedes Tamara

                                                                 29- 11- 2016

Bibliografia :Atlas del Impresionismo 

ENTRADA EN EL PUEBLO CAMILLE PISSARRO

ENTRADA EN EL PUEBLO 1872 ,

Entrada en el pueblo
óleo sobre lienzo 46 x 56 cm
Paris Museo de Orsay 

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (Saint Thomas, 10 de julio de 1830 - París, 13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento.

Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.

La mayoría de las obras de Camille Pissarro están dedicadas a los paisajes rurales con temas que tienen como protagonistas a los campesinos , aunque también describió los paisajes urbanos de la ciudad de París.

Aunque su estilo evolucionó más tarde hacía el puntillismo de Seurat En sus primeras obras y en las de la última época vuelve a las normas iniciales de la pintura al aire libre .

En lienzos como Entrada en el pueblo, que data de 1872 , revela la influencia de Monet y de Sisley , probablemente fue pintado para formar un triptico con otras obras .

El pintor describe la entrada a la localidad de Louvenciennes, bajo un claro cielo de otoño contra el que se recortan las deshojadas siluetas de los árboles que bordean el camino Unas casas sencillas con tejados rojos completan esta obra. La paleta de colores es la habitual como en la mayoría de las pinturas del artista : verdes claros y oscuros,  el color rojo y el blanco componen esta magnífica obra de Pissarro 

                                                                  Mercedes Tamara

                                                                  23-11- 2016

Bibliografia . Wikipedia 

LAS CARAVANAS VICENT VAN GOGH

LAS CARAVANAS 1888

Las caravanas

óleo sobre lienzo 45 x 51  cm

Paris,  Museo de Orsay

Al verano de 1888 corresponde el cuadro Las caravanas también llamada Campamento de gitanos una de las referencias visuales más antiguas a las caravanas de madera. Esta pintura es un recuerdo del viaje que emprendió Van Gogh a finales de mayo de 1888.

Hubo una larga tradición de gitanos viviendo en los alrededores de Arles y en las regiones salvajes de la Camarga, y Van Gogh fue atraído por lo que él percibió como un estilo de vida romántico y exótico

Existe una analogía que se dibuja entre la comunidad gitana y la aislada existencia de Van Gogh en Arles. Una comunidad nómada en contraposición a la comunidad estática, como la ciudad, y la propia exclusión de Van Gogh de la sociedad.

Seguramente, la marginación social de los gitanos atrajo a Van Gogh, cuya empatía por los marginados se veía incrementada en este caso por su estilo de vida itinerante.

La composición deja en primer término un espacio vacío , empastado con toques planos que forman un mosaico monocromático ; en la mitad superior del lienzo ha dispuesto el pintor tres carromatos , en torno a las cuales  se mueven varias figuras . Tres caballos en libertad completan el grupo .

Estilísticamente , esta obra corresponde a un momento de transición en el que todavía perduran la enseñanza del impresionismo , pero ya se atisba la nueva dirección de la pintura de Van Gogh

. Mercedes Tamara

16-11-2016

Bibliografía : Van Gogh , Edic Taschen

LA LA EN EL CIRCO FERNANDO EDGAR DEGAS

LA LA  EN EL CIRCO FERNANDO

La La en el circo Fernando
óleo sobre lienzo 117 x 79 cm
National Gallery Londres

Las actuaciones circenses serán un buen motivo de inspiración para los pintores impresionistas y post-impresionistas. Degas, Toulouse-Lautrec, Seurat y hasta Picasso, entre otros, verán en el circo uno de los temas más atractivos y modernos del momento. La instalación del Circo Fernando de manera permanente en la zona de Montmartre será para ellos un punto obligado de visita. La protagonista de esta escena de Degas es la artista mulata Miss La La, cuya especialidad era mostrar de diferentes maneras la fuerza de sus dientes. 


Su número más sorprendente consistía en agarrarse con los dientes a una cadena en cuyo extremo se colocaba un cañón que era disparado. También cosechó un éxito sin precedentes colgándose con su prodigiosa dentadura de una cuerda suspendida del techo del circo, número que aquí tenemos la oportunidad de contemplar.


 La artista aparece suspendida del techo, de paneles anaranjados y juntas verdes. Eliminado el punto de referencia del suelo, el espectador se integra perfectamente en la escena, de tal manera que parece que estamos en las butacas del circo disfrutando del espectáculo. La pose de la figura es sorprendente al estar en tensión - sabemos que Degas vio al menos cuatro veces la función y realizó bocetos de Miss La La - con los brazos abiertos y las piernas encogidas, en un increíble escorzo.

 La figura adquiere una admirable sensación de relieve al jugar con las líneas verticales y horizontales, abarcando una importante superficie del lienzo. La luz artificial del Circo Fernando ha sido excelentemente captada por el artista, que acentúa las tonalidades verdes, naranjas, marrones y blancas que componen la escena, provocando un acentuado contraste con los negros de las ventanas y el cabello de la mujer. El aspecto fotográfico y realista de la escena resulta difícil de superar

Mercedes Tamara

10-11-2016

Bibliografia : ARTEHISTORIA 

MATA MUA ( ERASE UNA VEZ ) PAUL GAUGUIN

MATA MUA ( ERASE UNA VEZ )

Mata Mua ( Erase una vez )
óleo sobre lienzo 91 x 69 cm
Museo Thyssen, Madrid

Mata Mua ( Erase una vez ) Es una de sus elegantes composiciones coloristas que Gauguin realizó durante su estancia en la Polinesia .La obra es de deslumbrante belleza , formaba parte de la exposición que Durand - Ruel organizó en 1893, cuando Gauguin subastó su obra para regresar al Pacífico y quedó sin adjudicar.

La pintura es un homenaje a la presencia en el mundo de la deidad oceánica femenina Hina ( La Luna ) , que en Tahití ejerce sus dominios sobre los asuntos y tareas de las mujeres, la fisiología particular de su sexo y sus principales rasgos de personalidad : la capacidad de empatizar y de engañar . El cuadro debe interpretarse en vertical como una celebración ritual . 

El ámbito de la música representada por la flautista aparece en primer plano . El lugar donde se ubica la danza , en que las mujeres "majestuosas " están adorado a los dioses con el movimiento de sus cuerpos , ocupa el plano central y más allá , en la mitad superior de la obra, se encuentra el bosque y la morada montañosa de los " antiguos dioses ".

Lo que queda es una zona de color intenso que contiene episodios visuales aislados. La música se contrapone al rojo y la danza al verde . La gloriosa explosión del gran árbol amarillo , que aparece en varias pinturas tahitianas de Gauguin , se perfila contra el onírico rosa púrpura de las montañas lejanas .

Como su amigo Vicent van Gogh , a finales de la década de 1880 ,Gauguin se ejercitó en la teoría del color esforzándose por comprender el método puntillista . Como era de esperar , terminó prefiriendo la intuición a la ciencia y buscó la fuerza simbólica antes que la veracidad óptica . Gauguin logró desvincular el color de la mera representación y, en este sentido, es probable que fuera el pintor má

s influyente de las postrimerías del siglo XIX. 

                                                      Mercedes Tamara

                                                         8-11-2016

Bibliografia : Gauguin Edit Biblioteca El Mundo

LA MUJER DE LOS BOCS EDUARD MANET

LA MUJER DE LOS BOCS 

La mujer de los bocs
óleo sobre lienzo 98 x 75 cm
National Galley Londres

Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida. Manet nació en París el 23 de enero de 1832, hijo de un alto funcionario del gobierno. Para no estudiar derecho, tal y como deseaba su padre, intentó hacer la carrera de marino, aunque no superó las pruebas de ingreso. Después, estudió en París con el pintor académico francés Thomas Couture y visitó Alemania, los Países Bajos e Italia para estudiar la pintura de los viejos maestros

La mujer de los bocs de Ésuard Manet atestigua que el pintor alcanzó al término de su carrera la manera impresionista ortodoxa . Este lienzo, es en realidad ,la mitad derecha de una obra de grandes dimensiones . Su tema era El café-concierto de Reichhoffen y se basaba en los apuntes realizados al natural en la brasserie de tal nombre establecida poco antes en el boulevard Rochechouart .

Por razones desconocidas , el artista decidió dividir el cuadro en dos : la mitad izquierda fue vendida a un coleccionista de Marsella con el título en de Café-concierto, sustituido por el propio artista por el de  La mujer de los bocs, al año siguiente .

Se sabe que la modelo utilizada fue , en efecto, una de las camareras de la brasserie  , la cual no quiso posar sola para el artista , sino que le impuso la presencia de su novio , quien aparece en el cuadro en actitud de fumar una pipa.

Mercedes Tamara

4-11-2016

EL ACUEDUCTO PAUL CÉZANNE

EL ACUEDUCTO 1885-1887

El acueducto
óleo sobre lienzo 91 x 72 cm
Museo Puskhin , Moscú

Pocos artistas han sabido plasmar en sus lienzos la belleza de los paisajes provenzales con la misma fuerza de Cézanne. Para él la belleza estaba en la naturaleza y en ella debía buscar los volúmenes y las formas que paulatinamente sus compañeros impresionistas iban perdiendo.

Partiendo del impresionismo, Cézanne se interesa por la estructuración geométrica de la naturaleza y para ello no duda en trazar oscuras líneas para formar las siluetas de los contornos. La iluminación y la atmósfera que identifican las obras de Monet pasan a un segundo plano para interesarse por el color, el verdadero artífice de este  paisaje

El acueducto de Paul Cézanne está datada en los años 1885-1887, que es la época en la que el pintor trabajaba en los alredededores de Aix-en Bellevue . Cézanne inmortalizó el antiguo acueducto romano en una serie de cuadros sobre el fondo de la montaña de Sainte- Victoire que tantas veces dibujó y admiró.

Cézanne resuelve la sensación de espacio por medios colorísticos, oscure la luz del primer plano e ilumina los mismos colores en los planos posteriores. Al ritmo arbitrario de los árboles se opone la regular y precisa repetición de las arcadas de acueductos, que, a su vez contrasta con los desniveles naturales del suelo y el respirar frenético de la tierra. La arena naranja, el cielo azul , el verde de las hojas sugieren el color y aroma de la Provenza en un soleado mediodia

Mercedes Tamara

1-11-2016

Bibliografia : ArteHistoria 

AUTORRETRATO PAUL GAUGUIN

AUTORRETRATO 1889

Autorretrato

óleo sobre tabla 79 , 2 x 51, 3 cm

National Gallery Washington

Después del encuentro en Arles entre Van Gogh y Gauguin, que tuvo un desagradable final , el segundo marcó a Port -Aven y a Pouldu. En ese mismo año 1889 pinta este Autorretrato, que ofrece violento contraste con los de su compañero.

En éste , los colores dominantes son el rojo y un amarillo vivísimos y enteros , que parten el cuadro por la mitad . A ellos se superpone la faz aguileña y snob del pintor con trazos rotundos y un modelado consistente .

Pero además Gauguin se entrega al simbolismo y se adjudica los atributos que le revisten de la condición de un nuevo Adán, junto a las manzanas que penden de una ramita y teniendo una serpiente entre los dedos . El reptil y los tallos de una extraña planta se combinan para formar un arabesco y establecer particiones tajantes del espacio pictórico , a la manera de los esmaltes alveolados .

Y además , el autor se concede a si mismo una aureola de santidad , flotante sobre su cabeza , en una curiosa exaltación de la propia personalidad

Mercedes Tamara

28-10-2016

Bibliografía : Gauguin Edit Taschen

CAMPESINAS BAILANDO CAMILLE PISSARRO

CAMPESINAS BAILANDO 1884

Campesinas bailando
acuarela sobre papel 47 x 61 cm
Colección privada

De todos los pintores impresionistas , el más sensible a los problemas sociales de su época fue Pissarro. Socialista anarquizante, dedicó muchos cuadros al tema del trabajo, especialmente al de los campesinos .

Su gran referencia eran las obras de Jean-Francois Millet , autor de numerosas obras que son un homenaje a la vida rural y que Pissarro debió admirar ( y estar en deuda con ellas ) en más de una ocasión.

La diferencia es que los cuadros del pintor impresionista carecen de tonos románticos y de las citas explícitas e implícitas de la Biblia , que caracterizaron las obras de Millet 

Para Pissarro el campo se contraponía a la ciudad , aunque también le gustase pintar esta última , casi siempre desde los balcones de su casa de Paris . Por un lado , los espacios urbanos le parecían un simbolo del progreso y de la vida moderna, caracterizada por las multitudes, la industria y un movimiento incesante y frenético ; por otro lado, concebía el ámbito rural como la dimensión más auténtica de la existencia humana , ya que le permitía establecer una estrecha y gratificante relación con la naturaleza. 

En la obra que comentamos Campesinas bailando presenta a estas trabajadoras del campo disfrutando de un momento de descanso y diversión Es una acuarela de tono alegre y ritmo ágil , veloz , con un rápido movimiento que parece brotar de los pasos de las campesinas .

La elección de la acuarela le permitió al artista dar más luminosidad y transparencia a los colores . Esta obra , y otras parecidas , fueron una fuente de inspiración para Gauguin , al retratar a las campesinas bretonas en Pont- Aven

Mercedes Tamara ( autora )

24-10-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

ORILLAS DEL SENA GEORGE PIERRE SEURAT

ORILLAS DEL SENA 

Orillas del Sena
óleo sobre lienzo 65 x 82 cm
Reales Museos de Bruselas

Georges-Pierre Seurat (París, 2 de diciembre de 1859 – 28 de marzo de 1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. 

Este paisaje denominado Orillas del Sena corresponde exactamente a la isla de la Grande Jatte -ia del arte- Esta isla se encuentra en la localidad de Asnières , en las cercanías de París .

La primera obra de Seurat sobre la Grande Jatte , con un tema de bañistas , fue pintada entre los años 1883-1884 , y fue rechazada en el Salón , se expuso en los Independientes en 1886 y luego en Bruselas .

De uno a otro cuadro Seurat ha resuelto definitivamente su procedimiento de captación de la luz y el aire mediante puntos de color , de este modo ha fijado su estilo divisionismo puntillista .

En la obra que nos ocupa , pintada hacía 1887 , Seurat vuelve al mismo lugar , pero esta vez en calma , sin la turba de los visitantes domingueros . Un pequeño balandro y una canoa son los únicos elementos dinámicos. Lo que de verdad se estremece es el aire , las hojas de los árboles , las aguas de los ríos , con la vibración continua de las menudas pinceladas. Como técnica y como efecto , éste es el límite a que podía llegar el neopimpresionismo de Seurat.

                                                                         Mercedes Tamara
                                                                         11-10-2016


Bibliografia : Atlas del Impresionismo  

MUJER EN UN CERCADO CAMIILLE PISSARRO

MUJER EN UN CERCADO  1887 

Mujer en un cercado
óleo sobre lienzo 55 x 65 cm
Paris, Museo de Orsay 

Claramente influida por la técnica de Seurat, muestra esta obra, ejecutada en 1887, un deseo de experimentación con el fenómeno óptico de la fusión de los colores en la retina del espectador. Ha sido construida por medio de pequeños toques aislados de color puro, cuya yuxtaposición se pretende origine el efecto visual de los medios tonos. 



El procedimiento no consigue el propósito teórico más que a través de un esfuerzo intelectual de síntesis. Convencido del fracaso de este intento, Pissarro retornó muy pronto a su propia fórmula pictórica, enraizada en la ortodoxia del impresionismo. Hay que considerar al artista como una personalidad ecléctica, interesada por las diversas tendencias renovadoras que aparecieron en su momento. Su mentalidad científica le convirtió en mentor de Gauguin y en consejero de Cézanne.

Mercedes Tamara

10-10-2016

LA MIES CAMILLE PISSARRO

LA MIES 

La mies
óleo sobre lienzo 65 x 92 cm
Paris, Museo de Orsay

El pintor francés, Camille Pissarro es uno de los fundadores del Impresionismo. Era el mayor del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron.

Los cuadros de Pissarro captan de manera pura el estilo impresionista: profundidad, imagen construida con pinceladas visibles, uso de la vibración en el color y un prolijo estudio de la luz natural. Las pinturas de Pissarro son abiertas y claras, principalmente paisajes.

Todas estas características se pueden aplicar a la obra que comentamos que el artista pintó en el año 1876  La mies. En dicha composición aborda el problema de la captación del celaje , animado por nubes pasajeras de gruesos volúmenes que ocupan todo el cielo y la tierra que la siega ha convertido en rastrojera.

La pincelada asume el papel de protagonista con colores verde claro con toques azulados que la iluminación hace destaca en el plano inferior 
en el que se divisa a la derecha una pareja de cosechadores que aparecen de espaldas al espectador 

Mercedes Tamara

9-10-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

SOMBRERO DE PLUMAS HENRI MATISSE

SOMBRERO DE PLUMAS 1919

Sombrero de plumas
óleo sobre lienzo 48 x 38 cm
Galería Nacional de Washington

Henri Matisse Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza

En 1919 Henri Matisse pintó Sombrero de plumas, obra singular dentro de su repertorio por la solidez de su construcción y por la gama fría de los colores utilizados tan diferentes de los aplicados en otras pinturas de este creador del fauvismo.

La explicación se debe a que el artista pasaba por una etapa de austeridad , en la que acude al recuerdo de Cézanne , patente en este cuadro en el que las pinceladas aplicadas son rotundas y modelan en negros y grises este pequeño retrato femenino, punzante en su vigorosa sencillez 

                                                       Mercedes Tamara

                                                       8- 10 . 2016 

Bibliografia : Wikipedia 

EL JARDINERO PAUL CÉZANNE

EL JARDINERO

El jardinero
óleo sobre lienzo 66 x 55 cm
Tate Gallery Londres

En la propiedad de Chemin de Lauves, que Cézanne adquirió en 1901, está pintado El jardinero, retrato del que lo era en aquella finca , cuyo nombre era Vallier, el cual aparece sentado en el propio jardin , junto al estudio del pintor .

El personaje sirvió varias veces de modelo al maestro, pues su efigie está por lo menos en cuatro óleos más y en tres acuarelas , relacionándose directamente con el retrato que comentamos . 

El hombre, cuyo rostro el pintor no quiso detenerse demasiado, se presenta con un modesto traje de primavera, va cubierto con sombrero de paja, sostiene un bastón con el brazo izquierdo y sobre él lleva una chaqueta doblada. Cézanne ha colocado a su modelo en el centro del cuadro, de modo que hombre y silla funcionan como eje vertical sobre el que se organiza el resto de la composición

. Dada la postura del hombre, ladeada y con las piernas cruzadas, desde la pierna derecha y hasta la rama del árbol del fondo Cézanne ha trazado una línea diagonal con la que recrea la sensación de profundidad espacial. 

Pero como mejor ha resuelto Cézanne la representación del espacio en la terraza y su continuidad en el telón de espesa vegetación ha sido al insertar ese murete curvo, que parece gravitar, como límite espacial además de cromático entre el ámbito del retrato y el ámbito del crecimiento libre del tilo y las plantas del jardín. Además, dicho murete encuentra su eco en el sombrero. La pincelada es suelta

Mercedes Tamara 

4-10-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

EL GRAN PINO PAUL CEZANNE

EL GRAN PINO 1805

El gran pino
óleo sobre lienzo 84 x 92 cm
Museo de Sao Paulo , Brasil

El cubismo picassiano se explica en virtud de la experiencia que realizó Cézanne . El gran pino, pintado hacía 1895 en la finca que su cuñado poseía en Montbriand , constituye un estudio de la descomposición de la forma y su múltiple proyección en el espacio. 

No alcanza el autor a deshojar los planos de la realidad material en la manera que posteriormente recibiría el calificativo de cubista, pero en estado embrionario su despiece de la imagen contiene los principios en los que debía basarse dicha tendencia.

El árbol tiene su tronco y sus ramas marcadas por una línea oscura, en sintonía con la pintura de Gauguin y Van Gogh, pintores por cuyas obras estaba interesado, aunque las del primero no fueran muy satisfactorias para el maestro de Aix. 

Las tonalidades empleadas se aplican de manera fluida, abandonando los breves toques de pincel habituales de su etapa impresionista, para utilizar el color como estructurador de la forma y el volumen. Sin embargo, en algunos casos como esta tela que observamos, Cézanne se acerca más a la abstracción que a su objetivo de dotar de forma y volumen a las obras impresionistas para que este estilo se convirtiera en "algo sólido y duradero, como el arte de los museos".

Mercedes Tamara

3-10-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 

BAILE EN VERANO ANDERS ZORN

BAILE EN VERANO  1897 

Baile en verano
óleo sobre lienzo 140 x 98 cm
Museo Nacional de Estocolmo

Anders Zorn el autor de Baile en verano fue un pintor cosmpolita que en su juventud viajó , estudió y alcanzó grandes éxitos por Europa En España fue compañero y amigo de Joaquin Sorolla y conviene recordar esta relación , porque el sueco y el valenciano ocupan posiciones análogas y destacadas en sus respectivos paises Ambos pueden ser calificados de impresionistas independientes , originales, de visión realista y factura amplia.


En 1896 Zorn se traslada a Suecia y se instaló en Mora , en la campiña de Dalarma . A aquel ambiente rural trasladó la vieja granja de madera que había pertenecido a sus abuelos y junto a la iglesia de Mora fue surgiendo un conjunto de edificios de gusto romántico-nacional , marco apropiado para que en él promoviera Zorn el resurgimiento del folklore local y sobre todo la música popular, convocando concursos y romerías





Anders Zorn fue huésped de su ilustre colega, el príncipe Eugenio, que también era pintor, el cuál se entusiasmo ante el baile que con ocasión del solsticio de verano se celebraba en la luz que no se extingue de la noche boreal.




Aunque el reloj marque una hora avanzada, no ha oscurecido y las parejas vestidas con trajes típicos bailan ardorosamente sobre la hierba, ante la vetusta mansión de madera y bajo el engalanado poste totémico. El príncipe animó a Zorn y hasta amistosamente le exigió que pintara aquella escena inolvidable




. Zorn cumplió su promesa y el resultado es este cuadro, en que el artista dosifica sutilmente la luminosidad del interminable ocaso nórdico y retrata a sus paisanos en una composición dinámica, de amplias masas de color modeladas por la fluidez del pincel. Puede apreciarse la magistral soltura de la ejecución en la pareja central de bailarines.


Ningún otro trozo de pintura podría resumir con mayor autenticidad el espíritu de la pujante escuela sueca que este cuadro fechado en 1897.

Mercedes Tamara

2-10-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta 

Museo nacional de Estocolmo
1897

140 x 98 cm. Óleo sobre lienzo