VILLANUEVE-LA GARENNE SOBRE EL SENA ALFRED SISLEY

VILLENEUVE-LA GARENNE SOBRE EL SENA

Villanueve-La Garenne sobre el Sena

Óleo sobre lienzo 59 x 80,5 cm

Nuseo del Ermitage, San Petesburgo

Los pintores impresionistas volvieron varias veces para la representación de las pequeñas ciudades de provincia como Villeneuve-la-Garenne. Este lienzo proviene de la primera época del impresionismo y todavía conserva elementos de composiciones tradicionales, con el centro del paisaje enmarcado por los árboles, creando un efecto escenográfico.Sin embargo, esto no quiere privar a la pintura de su naturalidad: Sisley tenía un sentido lírico bien y tenía el raro don de ser capaz de capturar el encanto modesto y gentil belleza de la naturaleza. . En esta pintura el "héroe" es la luz del sol viva que ilumina los edificios, vistos desde la sombra debajo de los árboles. . Sisley capturado con éxito esa sensación de aire frío, que contrasta con el calor todavía de la orilla opuesta.




La elevada maestría pictórica de Alfred Sisley y su asombroso tacto para el color se han fundido en el paisaje penetrado de poesía de Villanueve-La Garenne sobre el Sena - El paisaje es extremadamente sencillo . En el primer plano aparece la sombreada orilla cubierta de árboles entre cuyas hojas, al igual que en el camino que corre por la pendiente de la orilla, juegan destellos de sol , unas veces brillantes, otras suaves y apagadas . El río , no muy ancho y lento, parece tener la transparencia de un espejo y su azul proviene del cielo reflejado en él-.

Reverdece alegre la otra orilla sobre la cual se despliega una pequeña ciudad . Sus blancas casas de dos pisos con postigos claros y y las vallas blanqueadas de los jardines parecen limpias y acicaladas . Las figuras de los viandantes se difuminan en la pálida neblina de un día soleado . El espectador percibe una ligera brisa , el aire templado, el sosegado ambiente nacido del silencio y la tranquilidad de este rincón tan típico de la Ille de France , que el pintor gustaba de pintar. El impresionismo de Sisley es muy específico . En él están presente las reminiscencias de la tradiciones realistas de la pintura  francesa del siglo XVIII .

La naturaleza es un sombrío día otoñal es todo movimiento . El fuerte viento azota sin piedad las ramas deshojadas de los árboles : los troncos , deformados por la tempestad hacía la lejanía . Nubes de diversas consistencia vuelan veloces por el desasosegado cielo pintado en un estilo cercano al puntillismo , a golpe de colores blancos, grises y azulados.

Mercedes Tamara ( autora )

28-08-2016

Bibliografía : Atlas del Impresionismo

ALMIARES AMARILLOS PAUL GAUGUIN

ALMIARES AMARILLOS 1889

Almiares amarillos
óleo sobre lienzo 73,5 x 92 cm
París, Museo de Orsay

La cuestión del color en la pintura occidental ha despertado siempre encendidos debates. En el siglo XIX enfrenta a los adeptos de un arte dominado por el dibujo con los partidarios de una expresión basada en las sensaciones visuales. 

En la segunda mitad del siglo XIX, el advenimiento de la sociedad industrial revoluciona esta dualidad. Los impresionistas afirman la superioridad de la percepción visual en la expresión de la sensibilidad contemporánea. En una sociedad dominada por el movimiento y la velocidad, su pintura barre con la idea de un arte basado en cánones estéticos inmutables. La subjetividad de la percepción permite que el color se emancipe del tono local y de su función mimética respecto a la realidad. 

La generación de artistas que sucede a los impresionistas entre 1885 y 1905 propugna múltiples enfoques del color: objetivo y científico con la descomposición espectral, pero también emocional, sensual, cerebral, filosófico o simbolista. El crítico de arte inglés Roger Fry designa con el término genérico postimpresionista esta vanguardia, y que culmina una revolución estética mediante el triunfo del color.

El tema de los almiares aparece en otras obras que Gauguin pintó en Arles con su amigo Van Gogh

Lo más interesante del lienzo es el colorido empleado por el artista en el que destacan los brillantes tonos amarillentos del heno, encontrando un fuerte eco de Van Gogh. La pincelada empleada es muy suelta, ejecutando la composición mediante manchas. La ingenuidad que se respira en estas obras adelanta el estilo que hará famoso a Gauguin con escenas como "Ta matete" o "Bañistas".

Los colores que utilizó el artista en  la obra Almiares amarillos  son muy claros y vivos que evocan la luz mediterránea . En este cuadro aparecen dos campesinas jóvenes cuya postura solemne y casi religiosa recuerdan las composiciones dedicadas por Millet, Van Gogh o Pissarro a las tareas del campo.

                                                                                   Mercedes Tamara
                                                                                    21-08-2016 

Bibliografia ; ARTEHISTORIA

HACINA DE HENO Y GRANJAS EN GIVERNY CLAUDE MONET

HACINA DE HENO Y GRANJAS EN GIVERNY 1886

Hacina de heno y granjas en Givernyóleo sobre lienzo 61 x 81 cm
Museo del Ermitage 

Claude Monet (1840-1926) es el verdadero promotor del Impresionismo, al que siempre se mantuvo fiel.


Nació en 1840 en París, pero la mayor parte de su infancia y adolescencia transcurrió en Le Havre. Su vocación artística comenzó cultivando la caricatura, a los quince años ya gozaba de cierta reputación como caricaturista, realizando numerosas caricaturas de los habitantes de Le Havre. De la mano de Boudin se inició a la pintura al aire libre, representando marinas y escenas de playa y de campo 

La colección de cuadros de Claude Monet que se encuentra en el Museo del Ermitage abarca diversos períodos de la obra del artista y permite seguir la formación de los problemas cardinales del Impresionismo. Uno de ellos es el problema de las series , que Monet alcanza a resolver en su etapa madura. 

Hacina de heno y granjas en Giverny En este lienzo que comentamos se expresa la pretensión del artista de captar el aspecto cambiante de la naturaleza , su dependencia del estado del tiempo , de la luz, del aire y del momento del día. 

De este modo surge la serie que lleva por título Hacina de heno y granjas en Giverny,

de la cual el cuadro del Ermitage es una muestra temprana de 1886. En este paisaje la lógica de la construcción académica del cuadro por planos se ve sustituida por la lógica más viva de la percepción directa de la naturaleza. La hacina de heno es a la vez el nudo de la composición y una parte orgánica - la principal- del todo .

La solución cromática del cuadro se basa en un complicado sistema de reflejos . Los colores parecen interpenetrarse . La hacina de un verde amarillento recibe sobre sí los reflejos amarillos del campo, que la rodea con franjas de brillante hierba y las manchas rojizas de las amapolas.

Mercedes Tamara ( autora )

13-08-2016

Bibliografia : Claude Monet, Edic Taschen 

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ESQUIFES EN EL YERRES GUSTAVE CAILLEBOTTE

ESQUIFES EN EL YERRES 1877

Esquifes en el Yerres
óleo sobre lienzo 88 x 115.5 cm
Colección particular

Gustave Caillebotte Nació en París el 19 de agosto de 1848. Inició su formación artística en el taller del academicista León Bonnat, y poco tiempo después. Tras desarrollar un estilo muy personal dentro del más puro realismo, fue profundamente influenciado por los impresionistas.

El estilo pictórico de Caillebotte pertenece a la escuela del realismo pictórico; sin embargo, fue profundamente influenciado por sus colegas impresionistas. Al igual que sus precursores, Jean-François Millet y Gustave Courbet, y también su contemporáneo Degas, Caillebotte se enfocaba en pintar la realidad, tal cual como existía y la visualizaba, con la esperanza de reducir la teatralidad inherente de la pintura. Tal vez por su relación cercana con muchos de los pintores de su época, su estilo y técnica varían considerablemente en su obra pictórica, como si estuviese tomando prestado y experimentando, pero realmente sin apegarse a ningún estilo en particular. En ocasiones, parece que tuviese cierta inclinación por el estilo de Degas, plasmando en sus obras un realismo con una amplia riqueza de colores (especialmente en sus cuadros con escenas interiores) y otras veces, comparte el compromiso impresionista de "realidad óptica" y emplea una paleta caracterizada por tonalidades pasteles y una pincelada suelta similar a la de  Renoir y Pissarro 

Sus pinturas de campo en Yerres se enfocaban en los divertidos paseos en barca, en la quietud de los riachuelos, en la pesca, la natación, y en escenas domésticas en torno a la residencia familiar. Frecuentemente, utilizaba una suave técnica impresionista semejante a la de Renoir para expresar la naturaleza tranquila del campo, en contraste con las pinceladas más sobrias y lisas de sus pinturas urbanas


Entre los cuadros que hacen referencia al agua destaca Esquifes en el Yerres , donde 

el artista encontraba a menudo sus temas ya que su familia poseía una casa , a orillas del Yerres En esta obra , el artista aclara la coloración y da mayor soltura al empaste, a diferencia de sus amigos impresionistas , pero sin llegar a una descomposición de los pigmentos que disolviera la plasticidad de los cuerpos representados en el primer término 

El agua tiene movimiento gracias a la introducción del esquife que hunde en el agua el primero de los remeros donde las manchas solares contrastan con el color verde intenso que tienen las aguas del río.


La composición es muy coherente, .Parece ser que Caillebotte fue inspirado por el arte japonés. En su cuadro maneja efectivamente la perspectiva y de una forma más realista que la pintura de Manet, como por ejemplo Paseo en bote (1874).

Mercedes Tamara  ( autora )

6-08-2016

Bibliografia : Wikipedia 

BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE TOULOUSE LAUTREC

BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE 1889

Baile en el Moulin de la Galette
óleo sobre lienzo 88, 5 x 101,3 cm
Corbun Memorial Collection

Si se compara esta obra con el Baile en el Moulin de la Galette de Renoir ( 1876 ), se ven claramente las diferencias entre los dos pintores , interesados en sacar a la luz en el mismo ambiente un local de Montmartre muy frecuentado por los artistas- diversos aspectos de la vie moderne y en captar de manera contraria su atmósfera.

En el lienzo de Renoir triunfan el color y la luz , en una imagen idilíca de alegría festiva , en la cual los personajes se comunican entre sí y bailan entrelazados . En cambio , en la obra de Lautrec , el dibujo prevalece claramente sobre el color ; los tonos son oscuros y los personajes aparecen irremediablemente encerrados en su aislamiento.

La joven prostituta con gorguera , de ojos pícaros un poco ofuscados por el alcohol , sugiere la comparación con otra obras de Lautrec como ( A la mie, La bebedora )
símbolos de la condición degradada del proletariado urbano Téngase en cuenta , que no es una denuncia de carácter social o moral, ya que Lautrec , a su vez alcohólico ,no se propone en ningún momento perturbar la escala social, sino que la acepta tal y como es, buscando en ella tipos humanos , caracteres.

La obra fue expuesta en París en septiembre de 1889 , en el Salón de los Independientes , la primera muestra auténtica en la que Lautrec tomó parte , y suscitó numerosos comentarios

Mercedes Tamara

1-08-2016

Bibliografia : Lautec Edit Biblioteca El Mundo