VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO BERTHE MORISOT

VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO 1871-1873

Vista de París desde el Trocadero
óleo sobre tela 46 x 81,5 cm
Museo de Arte de Santa Bárbara

Berhe Morisot nació en Bourges en 1841. Aprendió paisajismo con Camille Corot y en el estudio de Archille -François Oudinot, discípulo y amigo íntimo de Corot. Posteriormente ,Edouard Manet , que con el tiempo se convertiría en su cuñado , le dio clases de dibujo anatómico y pintura. Presentó nueve cuadros en la primera exposición impresionista de 1874 y fue un miembro incondicional del movimiento hasta su muerte , en 1895-

Vista de París desde el Trocadero fue creada en la residencia paterna de Berthe Morisot en la calle Franklin. En esa época, la casa tenía una vista panorámica  realmente extraordinaria porque, siguiendo el enrevesado curso del río Sena, alcanzaba el Campo de Marte , enclave donde se levantaba la Exposición Internacional de Paris de 1867. Aunque es más suelta de factura, esta pintura tiene elementos del estilo de Corot. El ancho del cuadro es casi doble de su altura, proporción que Corot utilizaba con frecuencia, sobre todo cuando trabajaba desde un punto de vista elevado. También recuerda mucho a la obra de Corot la masa simplificada de verde del primer plano y las pinceladas amplias que emplea Morisot para describir la superficie de la tierra desde una distancia media hasta la lejanía del horizonte. En su composición , la obra de Morisot se parece a Hyde Park ( h 1871 )  de Monet, mientras que la influencia de Manet se advierte en la frescura de la pintura, sobre todo , en el hábil y muy sugerente retrato de los personajes del primer plano.

A pesar de la vivacidad, Vista de París desde el Trocadero está estudiada con el ojo de un auténtico habitante de la ciudad. La industrialización de la segunda mitad del siglo XIX provocó la rápida expansión de las ciudades europeas más importantes, incluyendo Paris que cambiaron drásticamente de aspecto. La contaminación ambiental fue un factor decisivo. Influyó tanto en la visibilidad como en la coloración del aire. Y esto se halla muy presente en el cuadro de Morisot; los edificios situados en la lejanía desaparecen en la neblina gris púrpura de una atmósfera cargada de humo.

Mercedes Tamara

28-06-2014

Bibliografía . El Impresionismo Edic Taschen

NIÑA CON RAMA CAMILLE PISSARRO

NIÑA CON RAMA 1881

Niña con rama
óleo sobre lienzo 81 x 64 cm
París, Museo de Orsay

El año 1880 fue un año muy importante para el artista, no solo porque la venta de sus cuadros mejoró su precaria situación económica, sino sobre todo porque marcó una nueva etapa en su trayectoria creativa. El fracaso de las primeras exposiciones colectivas de los impresionistas le llevó a reflexionar muy en serio sobre su arte, desde la técnica a los temas, y sobre su relación con el público y la crítica. Lo primero que hizo fue dar más espacio a la figura humana, que hasta entonces solo había aparecido en sus autorretratos y en uno de los pocos retratos de parientes y amigos. Esta tela forma parte de una serie de cuadros muy logrados sobre campesinos jóvenes captados con sencillez y naturalidad durante su trabajo en el campo o descansando , como en este caso.




Desde entonces, durante algunos años, Pissarro dedicó gran parte de sus obras al mundo campesino y al trabajo de campo , en abierta polémica con los burgueses de París y su cómoda vida urbana. La elección de estos temas no hace más que confirmar el interés del artista por la gente del campo, observada con la misma sencillez y naturalidad con que Degas pintaba sus bailarinas o mujeres lavándose o peinándose.







Estilísticamente se aprecia el uso de pequeños toques complementarios que servían a Pissarro para dar una luminosidad más intensa y difusa a la obra, y que le aproximaba a las investigaciones contemporáneas de Seurat y Signac. La estructura de esta obra es a la vez sencilla y lineal, con espacios muy estudiados, para que todo el énfasis se concentre en los aspectos emocionales, que predominan sobre los descriptivos, En este cuadro Pissarro redujo la profundidad del paisaje de fondo y diluyó sus referencias a la realidad, hasta el punto de que llega a parecer un simple decorado teatral. El artista distribuyó con atención y destreza los matices de amarillo y verde para mostrar los efectos del sol entre las hojas del bosque.




Aunque la postura de esta joven campesina pueda parecer torpe y poco agraciada, lo cierto es que ya la hemos encontrado en varios cuadros de los impresionistas ,especialmente en los de Degas . Su intención era que el espectador llegase a percibir la espontaneidad y naturalidad de la escena. La expresión de la cara, ligeramente apoyada en el hombro izquierdo, nos da a entender que la niña está ensimismada en sus pensamientos o fantasías, completamente aislada de la realidad que la rodea. A diferencia de otras obras , donde lo que predomina es el compromiso social y civil, en esta Pissarro privilegió los aspectos poéticos y psicológicos , logrando efectos de una intensidad lírica sorprendente

Mercedes Tamara

10-06-2014

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen
                       Gran Atlas del Impresionismo, Edic Letea

SANTIAGO RUSIÑOL OBRA Y BIOGRAFÍA

Santiago Rusiñol . Obra y Biografía

Santiago Rusiñol (Barcelona 1861- Aranjuez 1931) intelectual español conocido no sólo por sus magníficas obras de arte sino también por sus escritos y la participación en los círculos modernistas más punteros de finales del siglo XIX quienes encontraron un gran eco en la Barcelona del momento, animados por las expectativas que Cataluña presentaba tanto en el ámbito económico como en el cultural y el social.

Así es el panorama donde comienzan a despuntar los primeros modernistas que lejos de presentar unos rasgos comunes, son tremendamente heterogéneos, hecho que nos impide trazar unas líneas comunes pero que guarda bajo sus faldas a artistas muy distintos. Ese es el caso de Rusiñol cuyas obras encuentran elementos o influencias impresionistas, prerrafaelistas e incluso simbolistas.

Aurora Fernández Polanco ha resumido de forma magistral su trayectoria cuando aseguraba que Rusiñol es un pintor que comienza siendo realista, que pasa por el impresionismo de tonalidades frías y encuadramientos insólitos hasta que, en 1894 viaja a Italia, hablando ya de un Rusiñol simbolista muy cercano al prerrafaelismo. En los últimos años viaja a Granada a partir de lo cual el hombre desaparece de su pintura y en su lugar aparece una naturaleza artificial: la pintura de jardines.

Vida y obra de Santiago Rusiñol
Santiago Rusiñol nace en una familia industrial catalana quedando pronto huérfano por lo que debe abandonar sus estudios e ideales artísticos para ponerse al servicio de su abuelo en la empresa familiar. En 1887 muere su abuelo y Rusiñol se siente liberado por lo que decide romper con su vida llegando a divorciarse de su mujer con la que se había casado pocos meses antes.

Sus primeras lecciones pictóricas son recibidas en la academia Acad, propiedad de Moragas Torras y en el Centro de Acuarelistas. Allí conoce a Casas del que desde este momento se convierte en amigo inseparable. Con él decide realizar un viaje en carro por Cataluña de donde salen una serie de obras de ambiente rural y costumbrista además del amor que Santiago anunciaría por el Mediterráneo especialmente por Sitges que años más tarde sería el escenario de su propio museo. De sus visitas saldrían una serie de obras con paisajes sencillos y bello cromatismo como ocurre en Vista de Valdemosa, La Costa oPatio Azul donde la luz es la verdadera protagonista de la composición. 

Será con Casas con quien del mismo modo realizará su primera exposición en la Sala Pares en el año 1884. 

Esta gran amistad quedó constatada en la obra Rusiñol y Casas pintando, lienzo realizando en 1890 por ambos pintores donde se les ve a ambos en un momento de creación de sus obras.

Tras un tiempo estudiando en España, Rusiñol decide emprender un largo viaje por Europa y América donde terminará de perfilar su estilo a base del conocimiento profundo de multitud de obras de muy diversos artistas.

París será la ciudad en la que desarrolle sus máximas potencialidades. Comenzó frecuentando la Academia Gervec donde fue alumno de Carrière y de Puvis de Chavannes para terminar bebiendo de los impresionistas especialmente de Manet y Degàs de quienes copiará las figuras desdibujadas, las distintas tonalidades del mismo color y la introducción de los sentimientos.

Si importante fue su primera estancia en París, la segunda etapa de su vida en la ciudad francesa marcará un nuevo sentido en su obra a partir de la cual adopta elementos simbolistas donde incluye la figura femenina con un aire triste, melancólico. De este periodo son sus obras La morfinómana (1894) y Cabezas de anarquistas de 1893.

Además de París, Santiago visitó Italia en el año 1894 donde estudia ampliamente el Renacimiento y de donde obtiene definitivamente esa influencia simbolista presente en alguna de sus obras como la colección de tres cuadros llamados La Poesía, La Pintura y La Música, del año 1895.

Rusiñol es conocido como el pintor de los jardines ya que sus obras más conocidas tienen como escenarios bellos paisajes de jardines españoles como el de Granada, Sevilla y Aranjuez. En ellos destacan el ambiente delicado junto con un brillo y cromatismo únicos en el arte español. Obras como Almendros en flor (1929), muralla verde muestran unas obras ordenadas donde la simetría de los árboles marcan la composición.

Si nos referimos a su actividad intelectual, Rusiñol es fundador, junto con otros muchos compañeros, de Els Quatre Gats, centro de reunión de artistas jóvenes. El edificio, diseñado por Josep Puig i Cadafalch, intentaba imitar los lugares de tertulia de Montmatre dando como resultado un edificio que mezcla lo gótico y lo modernista donde se llevaron a cabo debates, exposiciones y espectáculos de toda naturaleza.
Entre sus obras literarias podríamos destacar Desde mi molino, escrita en 1893, Impresiones de arte, del año 1894 o el Místico (1903) aunque su obra más conocida es L `Auca del Senyor Esteve.

Mercedes Tamara

5-06-2014

Bibliografia: " Arte de España " 

El PUENTE JAPONÉS CLAUDE MONET

El PUENTE JAPONÉS 1923-1924

El puente japonés
óleo sobre lienzo 89 x 100 cm
Musée Marmottan, Monet, París

A principios del siglo XX , la pintura de paisajes era el género artístico por excelencia. Las vivas representaciones de los impresionistas iban dirigidas a las clases medias que poblaban las ciudades y, en general , consideraban el campo un lugar de esparcimiento .

En 1890, Claude Monet ( 1840-1926 ) compró una casa en Giverny y embelleció su jardín con un estanque de nenúfares de estilo japonés y otros elementos asombrosos. El jardín se convirtió en el motivo central de sus pinturas, hasta el punto de que pasaba casi todo su tiempo en él plasmando imágenes de una luz y un color esvanescentes. Monet empezaba pintado al aire libre y luego reelaboraba las telas en su estudio.

El puente japonés era uno de sus temas favoritos y Monet lo pintaba sin descanso , con distinta iluminación y diferente espíritu.  A partir de 1906 , el artista empezó a perder la vista y las pinturas que realizó con este impedimento tienen un tono bastante rojizo en general , síntoma característico de las personas cuya visión queda afectada por las cataratas.

En 1923, Monet se sometió a un tratamiento que resultó eficaz , pero este cuadro que terminó tras su intervención quirúrgica, se origina como una de las obras más abstractas . Aunque se puede reseguir el perfil del puente en la parte central de la tela , son las enérgicas pinceladas , las que forman el remolino de árboles, plantas y agua. Monet trabajó tanto en este tema que la obra terminó diluida en un juego de color, luz, follajes y reflejos. La pincelada genera un impasto, influiría posteriomente en los expresionistas abstractos.

Mercedes Tamara

5-06-2014

Bibliografía : Claude Monet , Edit Biblioteca El Mundo

                       El Impresionismo, Edic Taschen