sábado, 31 de marzo de 2012

PAISAJE A LA ORILLA DEL MAR DE EDGARD DEGAS

PAISAJE A LA ORILLA DEL MAR  1892


Paisaje a la orilla del mar de Edgard Degas
monotipo en color al óleo y pastel sobre papel 27 x 36 cm
Neuchâtel, Musée d ´Art et d´Histoire







En el extenso corpus de obras de Degas , la pintura de paisaje es el género menos frecuentado por el pintor.Éste había ejecutado una serie de vistas a finales de  los años sesenta y vuelve sobre el tema , pasado más de veinte años, con una serie de paisajes en los cuales trabaja en el otoño de 1892 y que expone en la galeria Duran- Ruel con ocasión de una exposición individual .


El paisaje aquí publicado forma parte de esta segunda serie , en la cual repara el pintor italiano Giovanni Boldini en su visita a la muestra  Boldini que había conocido a Degas a comienzos de los años setenta , había comprendido la  importancia de sus investigaciones. Degas le sugiere puntos de vista con perspectivas múltiples que Boldini interpreta y desarrolla en sentido dinámico mediante una pincelada  que tiende , de un cuadro a otro, a alargarse cada vez más , como  si se convirtiera en una especie  de caligrafía pictórica .


El género paisajístico, al concluir el siglo , encarna la posibilidad real de llevar a cabo una interpretación lírica de la naturaleza, de expresar  el sentimiento que el hombre siente hacía el espectáculo natural . 


Semejante actitud testimonía, además que el método realista de la representación de la realidad es desde ahora considerado insuficiente por la mayoría. 

Por lo tanto,  en las elecciones artísticas contemporáneas se presenta una actitud que revalúa las  poéticas de lo fantástico y de lo oniríco , que nutren el simbolismo de un fin de siglo para el cual la pintura de paisaje se planea como uno de los géneros principales dentro del cual llevar a efecto con cambio de sensibilidad

Mercedes Tamara 
31 marzo 2012


Bibliografía : Degas : Edit Biblioteca El Mundo


sábado, 24 de marzo de 2012

OTRA MARGARITA JOAQUIM SOROLLA

OTRA MARGARITA 1892


OTRA MARGARITA
óleo sobre lienzo 129 x 198 cm
Washinghton University Gallery of Art









En estos momentos Sorolla había conseguidodos medallas de plata en la Exposición Nacional de Bellas Artes, presentando un tema de historia - " El dos de mayo " en 1884-y una escena costumbrista " Boulevard de París " , en 1890- El llamado realismo social aparece en su obra a partir de 1892, seguramente influenciado por José Jiménez de Aranda , al que conoce desde 1890 y por Jules Bastien- Lepage , su verdadero iniciador.




El pintor José Jiménez Aranda inagura en  España la pintura de denuncia social - más conocida por realismo social- al presentar a la Nacional, en 1890 , el cuadro " Una desgracia "  A partir de estos momentos,todo pintor que se precie y quiera ser algo  en el mundo oficial del arte, ha de desarrollar este tipo de asuntos. El manido tema de la pintura de historia dejó paso a una nueva formulación del realismo.


El primer cuadro de Sorolla en esta dirección será " Otra Margarita " , tema extraído del Fausto de Goethe , que tanta trascendencia tuvo en el último tercio del siglo XIX, pero adaptado a la vida cotidiana de la región valenciana. Como será común en todas las pinturas de  esta etapa, las denuncias sociales quedan subraydas, más por medio del título de la obra -que suele ser muy enfático y literario-que por la propia representación. Si no  tuviéramos conocimientos del primero, no podríamos interpretar las telas más que como meras escenas costumbristas. A ello se debe sumar el hecho de que  el interés del artista se centra más  en el efecto de los estudios lumínicos y de la composición que en el melodramático tema.


Este fue el primer cuadro importante de Sorolla que se pudo ver en Estados Unidos, y su primer gran composición con la temática del realismo social, orientada hacía el comentario de la realidad española desde una perspectiva crítica y regeneracionista , con un claro intento de denuncia de las  desigualdades de la sociedad de su época. Esta temática perdurará en su obra hasta 1900.


Sujeto aún a los rigores formales del realismo más estricto vigente en las últimas décadas del siglo, atento a un dibujo riguroso y descriptivo, especialmente preciso en las figuras y tan sólo algo más libre en los objetos que las rodean. Sorolla logra, sin  embargo, en esta obra, una especial  armonía de conjunto , en la que se integran con perfecta normalidad  algunas de las conquistas de su  innovador lenguaje plástico, que  hacen que este bellísimo lienzo una de las pinturas más justamente celebradas del maestro valenciano.




Con el sugerente nombre de " Margarita "-en clara alusión al femenino personaje que perdió su honor a manos del famoso doctor -nos presenta la tragedia -que al parecer tuvo la ocasión de ver en persona durante uno de sus viajes en tren- de una jovencita abortista , que es llevada presa por haber asfixiado a su hijo.


La escena transcurre en un vagón de tren de tercera-parece que lo pintó en la vía  muerta de Grao-donde la infanticida es trasladada, acompañada por una pareja  de la benemérita, a prisión, Siguiendo la tradición , que había iniciado tempranamente con su conocido cuadro" El dos de mayo " , otra vez se nos muestra el artista interesado por situar a sus modelos en los verdaderos lugares donde transcurre la acción , con el fin de no falsear la luz y la atmósfera ,plasmando así la realidad , de una  manera sincera y directa.


El vagón rectangular , se abre desde el primer plano, a través de una composición decididamente diagonal que queda subrayada por la disposición de los bancos del tren y animada mediante la utilización de un color-casi parece monocromo-a base de tonos cálidos y ocres, que siguen la linea de penetración hacía el interior del espacio imaginario del lienzo. El vagón se hace verdaderamente  asfixiante debido a la abrupta terminación de su perspectiva en una pared totalmente vacía , que viene a remarcar, simbólicamente,la idea de caja, de prisíón.


Es una completa rendición a la pintura de Velázquez , el valenciano utiliza una paleta voluntariamente reducida y el estudio de la luz-cálida y tamizada- que entra por los ventanucos bañando todo el espacio ,  introduce también una nota muy del gusto del maestro entre los maestros , a la que se suma el habitual sombreado y el interés por la captación de la atmósfera y la perspectiva aérea


Mercedes Tamara 


24 marzo 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa



MADRE DE JOAQUIM SOROLLA

MADRE  1895 

Madre
óleo sobre lienzo 125 x 169 cm
Museo Sorolla, Madrid








Es este quizás uno de los cuadros más bellos y misteriosos de Sorolla , una escena intima y grata , un instante cualquiera de la vida cotidiana, tratado con amable ternura . Se trata de su querida esposa Clotilde junto a una niña recién nacida , tumbadas en el lecho , tapadas completamente con una  gran sábana que deja únicamente al descubierto las caras de ambas , que se destacan en contraste sobre la mullida  y también blanquecina almohada.


El pintor ha prescindido de muchos pormenores en este interior , que parece vacío e intemporal, concentrándose expresamente en el gesto de orgullo y cariño de la madre hacía su hija y  en el ambiente reposado y sereno.


Como suele ocurrir siempre, es en  estas escenas íntimas y familiares, donde el pintor valenciano manifiesta realmente su propia personalidad , donde se encuentra seguro y confiado. Se muestra más libre y personal ,llegando a mayores cotas de modernidad y atrevimiento, a través de una sobriedad acentuada por el tema , el vacío de la estancia , la sintética composición y  la reducción de colores y medios.




Elena a los cinco meses






Este lenguaje plástico "vanguardista " contrasta con la producción que hasta el momento había a cabo: esta tela es más o menos coetánea de todas su obras con temática de realismo social . El tema iconográfico de la mujer en la cama fue muy utilizado a finales de siglo- tanto por los modernistas como por los impresionistas -pero siempre con otro sentido más erótico o convulso .


En un instante de inspiración , Sorolla anticipa aquí una de las características definitorias de sus cuadros posteriores: la utilización de las gamas blanquecinas -nunca un blanco puro- que se diluyen en sombras transparentes de suavísimos reflejos de rosas, azules y grises ,  haciendo que la intensidad del blanco de la sábana se convierta en el verdadero protagonista del lienzo.


Mercedes Tamara 
24 marzo 2012



Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa























domingo, 18 de marzo de 2012

EL PRIMER HIJO DE JOAQUIM SOROLLA

EL PRIMER HIJO  1890 

El primer hijo
acuarela sobre papel 48 x 65 cm
Colección particular




Es una etapa más en el camino hacía  una elaboración formal individual y objetiva de la realidad, nuestro joven artista - que sigue cultivando la técnica de la acuarela , que abandonará definitivamente en el año 1899 - lleva a cabo estas intimistas escenas que tienen relación con su recién encontrada dicha familiar 


Clotilde en la ventana





El primer hijo está pintado el mismo año en el que nace su hija Maria Clotilde , que en estos momentos , apenas contaba con un mes de vida. Al igual que ocurre con Clotilde en la ventana , está claro que la puesta en escena emana todavía  un fuerte sabor romántico. Tanto él como su maestro Emilio Sala  descubren con un especial encanto , la cotidiana intimidad del mundo  femenino en un placentero ambiente burgués.


Por lo general , se trata de una aproximación intrascendente y  juguetona , un entrañable y hogareño costumbrismo fin del  siglo que, en manos de Sorolla , adquiere una armonía equilibrada que tiende a una precisión de la linea y a un grafismo refinado.


No la despiertes








En cuanto a la anecdótica ¡ No la despiertes ¡ en ella anticipa Sorolla la preocupación que mostrará en los años posteriores por los temas de corte social . Sin embargo, todavía en esos momentos se decanta decididamente hacía los argumentos más amables y anecdóticos de los personajes que protagonizan sus estampas  populares , dentro de la moda resurgida en estos años por el costumbrismo , teñido en  muchas ocasiones de pintoresquismo a la que el maestro dedicará buena parte de sus esfuerzos                                                        







Mercedes Tamara 
18 marzo 2012



Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa























jueves, 8 de marzo de 2012

MARIE-THÉRÈSE DURAND-RUEL COSIENDO PIERRE A RENOIR

MARIE-THÉRÈSE DURAND-RUEL COSIENDO  1882

Marie -Thérèse Durand Ruel Cosiendo
Óleo sobre lienzo 64,9 x 54 cm
Colección Sterling Clark





A partir de los años ochenta , Paul Durand-Ruel comenzó a comprar pintura impresionista en  cantidades considerables, especialmente cuadros  de Renoir , y se convirtió en su principal marchante  hasta la muerte del artista , con quien también  entabló una estrecha amistad personal .


En 1882 le encargó que pintara retratos de sus cinco hijos, quizá inspirado por los que había hecho para el banquero Paul Berard. En el mes de agosto , Durand-Ruel invitó a Renoir a una casa que había alquilado en Dieppe, en la casa de Normandia , y fue en el jardín donde el artista pintó este retrato de Marie- Thérèse , la hija mayor de Durand-Ruel .


El pintor Jacques-Emile-Blanche , que estuvo de visita en su casa , recordaba  que los " hijos de Durand-Ruel posaban para Renoir en el jardín(...) bajo las  oscilantes hojas de un castaño y el sol molestaba sus mejillas con reflejos incompatibles con los maravillosos  "modelos planos de luz de estudio ". Marie-Thérèse -Durand Ruel cosiendo confirma el relato de Blanche . Renoir capta los efectos tonales de la luz del sol en toda la pintura. El pelo de la  modelo , por ejemplo, está representado con varios matices de amarillos y marrones que los reflejos azules del vestido y los púrpuras del moño acentúan


Sterling Clark estaba particularmente impresionado por la representación del sombrero, pintado con una gradación  de matices que va desde el amarillo brillante hasta el rojo profundo  Las flores coloridas y el follaje de detrás de la modelo infunden a la escena la alegría de un jardín de verano ,en el momento de mayor florecimiento.


A pesar de la vivacidad de la pintura, aparentemente Durand-Ruel no quedó satisfecho con el resultado. según expresó Renoir en una de sus cartas : " Pienso  que Durand no le han gustado mis retratos (...) No quiero que me hablen más de retratos con luz solar . Un bonito fondo oscuro , esto es lo má apropiado "  El tema de una joven concentrada en una  actividad doméstica fue retomado por  Renoir en diferentes ocasiones durante toda su carrera. Marie-Thérèse-Durand- Ruel cosiendo es significativo porque  el artista despliega algunas de las nuevas técnicas que fue incorporando a su pintura desde su viaje a Italia em 1881 .


Especialmente, el perfil definido de la modelo , acentuado por su contraste con los colores más oscuros del fondo , expresa la ambición del artista  de distinguir sus figuras del ambiente.

Mercedes Tamara 
8 marzo 2012


Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado



sábado, 3 de marzo de 2012

TEJADOS ROJOS DE CAMILLEPISSARRO



TEJADOS ROJOS 1877

TEJADOS ROJOS
óleo sobre lienzo 
65,5 x 81 cm
París, Musée d´Orsay



El título, Los tejados rojos, rincón de pueblo, efecto invierno, precisa la dimensión teórica de esta creación de Camille Pissarro. Con este cuadro, en efecto, se aleja de una noción anecdótica del paisaje.

Los planos se suceden paralelamente en la superficie del lienzo. La impresión de profundidad, a partir de este momento, se evidencia simplemente por el tamaño decreciente de los motivos. Del rojo anaranjado al ámbar, las pendientes de los tejados parecen esparcirse por toda la superficie. Las mismas tonalidades se encuentran, en efecto, de nuevo en los campos y las plantas del primer plano, así como en la côte Saint-Denis, en el trasfondo. Los empastes, más o menos pronunciados, que captan más o menos la luz y hacen que la pincelada sea más o menos vibrante, otorgan una gran intensidad y una gran movilidad a la superficie pintada.


Esta pintura fue realizada cuando Pissarro y Cézanne tenían costumbre, desde 1865, de trabajar juntos sobre motivos idénticos. Pero la versión cezaniana, El Vergel, côte de Saint-Denis, en Pontoise (prestado al Museum of Fine Arts de San Petersburgo, Florida) ofrece un plano más cenital, donde las casas y los tejados desaparecen detrás de una cortina de árboles, y los efectos de colores están limitados por este entorno vegetal invasor.


Pissarro presenta Los tejados rojos en la tercera exposición impresionista, en 1877. Cézanne no parece haber mostrado su propia versión en esta exposición. Pissarro fue pues el único en beneficiarse de una crítica elogiosa por este motivo, bajo la pluma del crítico A. Descubes, en la Gazette des lettres, des sciences et des arts de 20 de abril de 1877: "Bonito cuadro, una casita escondida en el bosque, que nos ha sorprendido por la firmeza y la sencillez de su pincelada".

Mercedes Tamara 
3 marzo 2012


Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen


RETRATO DE RAQUEL MELLER DE JOAQUIM SOROLLA

RETRATO DE RAQUEL MELLER 1918

RETRATO DE RAQUEL MELLER
óleo sobre lienzo 125 x100 cm
Museo Sorolla Madrid


El antecedente de mucho de los retratos que llevó a cabo, al aire libre, a importantes personalidades  de su tiempo , está en el que hizo a su cólega  Raimundo de Madrazo , pintado durante la estancia de Sorolla en París , en 1906 , mientras tenía lugar su magna exposición en la prestigiosa galeria Geroges Petit . 


Como había proclamado en gran número de ocasiones,el artista sólo se sentía verdaderamente a gusto en  el género cuando se trataba de retrato pintado al exterior , del que supo crear una tipología propia, alejada de los modelos al uso.


Este magnífico retrato esta´realizado con seguridad y acierto, con aparente facilidad , sin rastro de indecisión y arrepentimiento . Directo e informal , el modelo  aparece relajado , seguro, sin envaramiento , comodidad que refleja la amistad que unía a los dos pintores .  Progresivamente el artista se va olvidando de cierto academicismo  para, renunciando a todo tipo de recetas,instalarse decididamente en plena naturaleza,



RETRATO DEL PINTOR RAIMUNDO DE MADRAZO
1906 Óleo sobre lienzo 97,5x 114,2 cm
The Hispanic Society of  New York





Con una excepcional facultad para sugerir la calidad de la materia , combina con acierto dos planos diferentes : el fondo luminoso , con un derroche de pequeños destellos de colores rojos, verdes, azules y amarillos  las notaciones mucho más suaves del  traje y del cabello del personaje, resueltas en grises y beiges.


En el caso de su querida Raquel Meller ,sorprende la fragilidad y poesía con la  que ha tratado la dama , en la que concentra toda su atención , resultando verdaderamente asombroso cómo ha podido constreñir el  color en la forma , sin ser infiel a la fisonomía  de la retratada


El uso del blanco -blanco sobre blanco-la disolución de los volúmenes , la yuxtaposición de la figura con el fondo , el aspecto decorativo y el empleo de la mancha recuerdan a otra pintura impresionista también como Sargent de origen americano e igualmente admiradora de Velázquez: Mary Cassat.


Generalmente el uso que hace en el espacio en estos retratos más libres , es marcadamente anticonvencional . Con resultados auténticamente brillantes , emplea unas innovadoras  perspectivas de arriba a abajo, en escorzo , o creando la ilusión de que la figura del retratado/a no puede ser contenido por los bordes del cuadro .
Mercedes Tamara 
3 febrero 2012




Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa












viernes, 2 de marzo de 2012

EL PUENTE DE CHATOU DE PIERRE A RENOIR

EL PUENTE DE CHATOU 1875

EL PUENTE DE CHATOU
óleo sobre lienzo 51,1 x 65,4 
Colección Sterling Clark





En 1875 Renoir comoienza a pintar en el restaurante Fournaise , donde realizará algunas de sus más célebres obras y  ambiciosas pinturas . Situado en un islote del rio Sena , cerca del pueblo de Chatou -a quince kilómetros del oeste de Paris -el restaurante ofrecía al artista una vista única de este tramo del río y del puente que lo atravesaba,considerado por mucha gente como la frontera entre la rústica cultura industrial de las afueras de la capital y la bucólica campiña .

Teniendo en cuenta este aspecto , es interesante observar que Renoir representa la orilla del río  salpicada de edificios ejecutados de manera  indistinta , en la misma referencia a las evidentes bellezas naturales del lugar ; efectivamente este cuadro es uno de los paisajes más " urbanizados " pintados por el artista.

Realizado con pinceladas rápidas y colores vivaces. El puente de Chatou , es representativo del estilo de Renoir de mediados de los años setenta, cuando el pintor estaba menos interesado en una definición  cuidadosa de las formas que en transmitir efectos de luz y las variaciones cromáticas a través de sus ágiles toques de pincel . Es interesante notar , al respecto, la yuxtaposición de los amarillos y los  azules intensos , repetida muchas veces en toda la composición.

Es probable que el cuadro esté inspirado- al menos en parte-en las telas que representaban el puente de Argenteuil realizadas por Monet en 1874 . Tanto en Monet como en Renoir, el puente nace  en el lado derecho y está concebido con una  angulación que lleva al espectador al interior  de la escena. Comparándolo con Monet, notamos que Renoir presta poca atención a la representación precisa de los reflejos del agua , que aparecen sólo sugeridos

Mercedes Tamara 
2 marzo 2012


Bibliografía : Colección Sterling Clark Museo del Prado