EL PALAZZO CONTARINI DE CLAUDE MONET

EL PALAZZO CONTARINI 1908

El Palazzo Contarini

óleo sobre lienzo 92 x 81 cm

Colección privada

Durante en el viaje que Monet realiza a Venecia en 1908 surgen sublimes tapices cromáticos  de una abstracción tal que ya nada tiene que ver con la pintura instantánea de Impresión .  Siguiendo la invitación de una amiga del pintor inglés John Singer Sargent, Monet y Alice  Hoschedé , ya casados , pasan dos semanas en el Palazzo Barbaro, un palacio renacentista 

situado en el Canal Grande.. 

Los primeros días pasaron volando sin que Monet realice trabajo alguno. Pasea por las estrechas callejuelas y ya en góndola por los pequeños canales , se imbuye de la atmósfera  de la ciudad y medita . Visita los museos e iglesias de Venecia y en estos lugares estudia  las obras de Tiziano, Giorgione y el Veronés , de los grandes coloristas venecianos que le influirán más tarde en sus propios cuadros . 

La sublime atmósfera de la ciudad le parece intraducible . Pero de pronto y siguiendo un impulso  Monet toma su caballete y su paleta en el Canal Grande y ante el palacio ducal pinta como un  poseso , siguiendo un riguroso horario : se levanta a las seis de la mañana y pasa dos horas ante cada motivo . 

Los intérpretes gustan de referirse a los cuadros de Venecia como " piezas mágicas de colorido  incandescente " y esta pintura El Palazzo Contarini parece en efecto, salida de un romántico  cuento de hadas o de un poema simbolista . Al igual que la niebla de los cuadros invernales de Londres , aquí la luz es avivada por los reflejos chispeantes de la ciudad de las lagunas , no  existen en otros lienzos de otros autores, momentos de una intensidad tan luminosa como los  que Monet retiene en sus cuadros . Monet roba a los cuadros la espontaneidad , el carácter  de boceto , transformándolos en elaboradas fantasías pictóricas . 

El Palazzo Contarini posee un velo azul y nácar de neblina y reflejo : son más recuerdo y  visión que la experiencia visual de un motivo.Lo que ya despuntaba en las series de los  almiares , de los álamos y de la serie de catedrales de Rouen , se muestra ahora con toda  plenitud : en este cuadro Monet se ha convertido en simbolista que celebra aquí las nupcias entre nieblas y arquitetectura , entre materia y atmósfera , entre piedra y luz. 

Mercedes Tamara 

30 junio 2012 

Bobliografía ; Claude Monet , Edit Biblioteca El Mundo

                        El Impresionismo, Edic Taschen

AUTORRETRATO CON LA OREJA VENDADA DE VICENT VAN GOGH

AUTORRETRATO CON LA OREJA VENDADA 1889

Autorretrato con la oreja vendada
´´Oleo sobre lienzo 60x 49 cm
Londres, Courtauld Institute Gallery 

Después del trágico episodio de la autoamputación de la oreja, Vicent , en lugar de hacerse   curar , se quedó encerrado en su habitación . Una vez recuperado tras dos semanas de hospital ,pintó en varios lienzos su autorretrato con la oreja vendada. La versión londinense se basa en  un acorde de colores fríos . Vicent se ha representado evitando la frontalidad y poniendo el acento en el conspicuo vendaje . Su mirada , en un momento de notable abatimiento. rehuye el contacto directo con el espectador . 

Las pinceladas se deshace en pequeños trazos de  dirección vertical, y es interesante observar , aunque Vicent no se remite a tales teorías ,que precisamente en esa época histórica la tratadística científica estaba estudiando la  expresividad figurativa de los estados de ánimo , asociando a las lineas verticales la  sensación de tristeza. 

Hace de fondo de la figura una pared pintada de verde , ante la cual son visibles la parte  vertical de un caballete el cual está fijado en un lienzo apenas abocetado y una de sus estampas  japonesas , que el artista había empezado a coleccionar en Auvres y que en el período de  Arles eran uno de sus principales fuentes de inspiración. 

En este cuadro , el artista está casi irreconocible . Tiene el rostro demacrado y la pincelada  traza una linea accidentada , como si se detuviese a seguir cada hueso . La chaqueta abrochada  y el gorro contribuyen a dar la imagen de un aspecto cerrado , introduciendo un elemento  de distancia entre la figura y el ambiente que le rodea. Van Gogh hablaba con serenidad de  las condiciones en que estaba, dándose cuenta de que le infundía miedo la gente. 

Mercedes Tamara 

28 junio 2012 

Bibliografía _ Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo

                         Gran Atlas del Impresionismo , Edit Electa

CEBOLLAS DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

CEBOLLAS 1881

CEBOLLAS
óleo sobre lienzo 39,1x 60,6 cm
Colección Sterling Clark

A comienzos de 1881 , el marchante de arte Paul Durand Ruel comenzó a comprar las pinturas de Renoir , con asiduidad, dando al artista de cuarenta años , la libertad financiera para emprender un extenso viaje por Italia durante el cual pintó Cebollas ,a fines de noviembre , en Nápoles  . En Italia Renoir pudo estudiar las obras de los antiguos maestros y afinó su técnica para representar formas tridimensionales . Las siluetas redondeadas de las cebollas se ven realzadas por las sorprendentes pinceladas  diagonales paralelas del fondo , un rasgo  característico del estilo de ese período . 

Renoir da a las cebollas y a los ajos una notable y viva textura . Colocadas de forma despreocupadas encima de la mesa , en parte sobre un arrugado mantel de bordes rojos y azules , las cebollas adquieren fuerza gracias a su precaria ubicación , sutiles colores , reflejos y curvas . La pincelada amplia y el enfoque intimista sitúan esta obra directamente  en el cauce impresionista . El ritmo de la composición es dinámico , las formas de cebollas y ajos desde diferentes ángulos crean una animación acentuada por las pinceladas y la  tonalidad general de la tela , aracterizada por un inteligente equilibrio entre los cálidos rojos, amarillos y rosados de cebollas y los matices más suaves y frescos del fondo.

A diferencia del elaborado bodegón con peonías pintado hacía 1880 Cebollas es deliberadamente relajado e informal . No sabemos si esto se debe al sentimiento de haberse liberado en ese momento de las penurias económicas o al deseo de contraponer la forma de vida italiana  a la artificiosa cultura parisina .

Mercedes Tamara 

26 junio 2012

Bibliografía :Colección Sterling Clark , Museo del Prado

COMIDA EN LA HIERBA DE EDUARD MANET

COMIDA EN LA HIERBA 1863

Comida en la hierba
óleo sobre lienzo 
208 x 264 cm
París, Musée d´Orsay

"El desnudo , cuando lo pintan personas vulgares , es inevitablemente indecente " así concluía  el indignado juícío del crítico inglés Hamilton sobre este cuadro , expuesto por Manet en el   célebre y discutido Salón de los Rechazados en 1863.

En un claro, dos hombres en traje contemporáneo conversan junto a una mujer desnuda , mientras otra se baña en un torrente ; el almuerzo se interpone entre nosotros y la modelo ,  que mira explicitamente en nuestra dirección . La pintura, que originariamente se titulaba  El baño , despertó un coro de voces indignadas e incluso irritadas , a pesar de que Manet   se remitía a modelos cultos .

Cuenta Proust que el pintor se había inspirado en una escena real- un grupo de mujeres que  se bañaba en el Sena -inequivocamente filtrada a través de Concierto campestre de Tiziano  y de un grabado de Marcantonio Raimondi tomado del Juicio de Paris de Rafael . La representación del desnudo no era desde luego una novedad en el arte francés : desde el   venerado Ingres hasta las celebridades del Salón , era un tema corriente y materia de estudio   en la École de Beaux Arts .

Sin embargo , los desnudos de los pintores de la historia , mucho más sensuales que los de  Manet , estaban justificados por su inserción en contextos mitológicos y literarios . El recurso  de Manet a los grandes maestros, por el contrario, , lejos de legitimar la obra , la hacía   aparecer mucho más escandalosa , una profanación del doble modelo , de este modo enfangado .

Las palabras de Hamilton son claras :" Ahora un desgraciado francés ha traducido a Giogione   al realismo moderno y a los horribles paños franceses en lugar del elegante traje veneciano ".  La ambientación contemporánea , que despojaba a la escena del sostén hipócrita del disfraz  histórico , resultaba inaceptable  También en el plano estilístico , la obra m cercana al realismo   de Coubert era chocante . La falta de definición de las formas , el proceder sólo por medio del color , resultaba incluso insolente.

Mercedes Tamara 

25 junio 2012

Bibliografía : Manet , Biblioteca El Mundo

                      " Gran Atlas Del Impresionismo " Edic Electa

EL PERFIL DE CLOTILDE DE JOAQUI SOROLLA

EL PERFIL DE CLOTILDE

El perfil de Clotilde
óleo sobre lienzo 33x 49 cm
Museo Sorolla Madrid

Estas dos obras respiran una ambientación muy del gusto de la " Belle Epoque ", aunque sin renunciar a una cotidianeidad singularmente próxima. Muestran un Sorolla muy cercano a las tendencias del modernismo , con claros paralelismos estilísticos y temáticos con los pintores catalanes Santiago Rusiñol y Ramón Casas . Esta gravitación estética se muestra sobre todo  en el Perfil de Clotilde, seguramente el primer retrato llevado a cabo de su joven mujer .


El uso del formato apaisado , el interés por el tema femenino, cuya cabeza ocupa-de perfil-el primer término de la composición , la forma de aplicar el color , mediante un sabio empleo de la gama fría, que inspirada por el tono oscuro de la paleta española tiene a las tonalidades negras como protagonistas: todo en este primer plano del perfil de Clotilde nos recuerda a  las bellas damas entretenidas en la lectura que tan elegantemente pintara Santiago Rusiñol.

Clotilde Contemplando La Venus de Milo
óleo sobre lienzo 58,5x 47,6 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia

Como la protagonista de su bella obra Novela de amor , Clotilde aparece vestida de negro, con una novela en la mano y un perfil muy recortado . La luz artificial de color anaranjado, se refleja en la nariz aguileña y de gran personalidad . Las coloraciones rojizas en los reflejos lumínicos contribuyen a emanar una sensación realmente mágica.

En el otro cuadro Clotilde contemplando la Venus de Milo , se puede observar que, el artista, ha abandonado ya cualquier residuo de convencionalismo, para dar paso a una expresividad  abierta y ágil, búsqueda efectiva que se demuestra a través de la importancia de los valores luminícos y del claroscuro empleado, en este caso, la luz natural dentro de una escena de  interior.

Algunos detalles aluden al carácter de la retratada y de su mundo, subrayando su formación  intelectual como mujer cultivada : unas cuartillas sobre la mesa constituyen una especie de declaración y de la naturaleza muerta dentro de la pintura; de otro lado, parece que Sorolla establece un vínculo con el mundo del arte, en un  diálogo mudo entre su querida esposa y la estatua de escayola de la Venus de Milo.

Mercedes Tamara Lempicka

25 junio 2012

UN PAR DE ZAPATOS DE VICENT VAN GOGH

UN PAR DE ZAPATOS 1887

Un par de zapatos
óleo sobre lienzo 34x 41,3 cm
Baltimore, The Baltimore Museum of Art

En los comienzos de su carrera , Van Gogh había probado fortuna con naturalezas muertas de zapatos . La opción obedecía a más de un motivo : por una parte , se trataba de un tema relativamente simple, que ofrecía al artista , todavía no seguro de sus propios medios , una  posibilidad para ejercitarlos ; por otra, lo dispensaba de la necesidad de encontrar modelos ,cosa no siempre fácil , sobre todo a causas de las estrecheces económicas de Vicent, que en más de una ocasión se había lamentado escribiendo a su hermano de las dificultades que tenía para pagar a quienes posaban para él.

La versión del museo de Baltimore fue ejecutada en París algunos meses después de llegar el artista a la capital . A pesar de su aparente banalidad , la obra demuestra con qué atención  seguía Van Gogh las novedades de la pintura contemporánea .

La composición, que el corte diagonal de la mesa hace dinámica , se torna aún más vivaz gracias a las rápidas pinceladas  con que representa el paño azul,  que casi parece deslizarse debajo de los zapatos .  El artista , ya fascinado por la libertad de la factura de los pintores románticos Delacroix y Monticelli , comenzaba a fijarse t también en los impresionistas , con sus colores luminosos y el uso del encuadramiento movidos, no rigurosamente frontales 

 En comparación con el período holandés , el colorido se ha aclarado ; con el azul se combina un marrón claro y  aparecen aquí y allá toques de blanco para aclarar la superficie . Van Gogh presta notable atención a la luz, que torna móviles las superficies que el artista utiliza para describir  algunos detalles , como las cuerdas retorcidas, la piel gastada, el grosor de los clavos de las suelas.

El fondo oscuro , por el contrario , parece trazado con un pincel de punta más fina que forma una serie de cuadrados o rectángulos , de una manera que recuerda las incisiones . Aquí Vicent recurre a su experiencia de dibujante y a su pasión por la gráfica a la que se había dedicado especialmente durante su estancia en La Haya ,  en la cual había  proyectado ganarse la vida haciéndose ilustrador

Mercedes Tamara

22 junio 2012

Bibliografía : Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo

JOVENCITA EN EL JARDÍN DE MARY CASSAT

JOVENCITA EN EL JARDÍN 1885

JOVENCITA EN EL JARDÍN

Óleo sobre lienzo 35 x 55 cm

París , Musée d´Orsay 

Una paleta clara y viva caracteriza la obra de Mary Cassatt, pintora americana que introdujo el impresionismo acerca de los aficionados y coleccionistas del otro lado del Atlántico. Gran amiga de   Degas, participó en exposiciones del grupo impresionista a partir de 1879.

Los retratos de familiares, a menudo mujeres y niños, captados en la intimidad de su cotidianidad, son frecuentes en su obra. La Jovencita en el jardín, también llamado Mujer cosiendo, lo demuestra con una originalidad: la figura está representada al aire libre

. El lienzo se mostró durante la última exposición del grupo, en 1886. El fondo, con obvia riqueza de colores, está estructurado por un camino, amplia banda diagonal que determina la imagen de profundidad. Fomenta la representación de la jovencita, monumental en un primer plano de cerca. La pincelada rápida y esbozada que demuestra la falda contrasta con el contorno nítido y firme del rostro y del busto, indicando que la artista no renuncia a la precisión del dibujo.

Mercedes Tamara 

19 junio 2012

Bibliografia : Impresionismo Edic Taschen

LES VESSENOTS EN AUVERS DE VICENT VAN GOGH

LES VESSENOTS EN AUVERS 1890

Les Vessenots en Auvers 1890

óleo sobre lienzo 55x 65 cm

Museo Thyssen Bornemizsa

Vincent van Gogh abandonó París el 20 de mayo de 1890 con destino a Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo a treinta y cinco kilómetros al norte de París adonde se habían dirigido antes que él otros artistas, como Charles Daubigny o Paul Cézanne , y lugar de residencia del doctor Paul-Ferdinand Gachet , el médico y coleccionista de obras de arte a quien Theo van Gogh , por recomendación de Camille Pissarro , confió el cuidado de la salud de su hermano Vincent. A pesar de que apenas duró dos meses, la época de Auvers fue tremendamente fecunda para el pintor. Durante las que serían sus últimas semanas de vida, pintó algunos retratos y numerosos paisajes entre los que se encuentra «Les Vessenots», la zona de Auvers en la que vivía el doctor Gachet, que fue además el primer propietario del cuadro.

Como en otros lienzos de este último periodo, el artista combina una composición de horizonte elevado, en la que se agrupan una serie de viejas casas de la campiña, algunas con tejados de paja, junto a unos extensos campos de trigo y algunos ondulantes árboles, con una paleta reducida, de luminosos verdes y amarillos, y unas pinceladas agitadas y nerviosas, que siguen un ritmo ondulante y repetitivo. Tal y como observaba Guillermo Solana en su estudio sobre el periodo final del pintor, el horizonte elevado es lo que diferencia estos paisajes de Auvers de los posibles antecedentes como Daubigny y George Michel, o la pintura holandesa del siglo xvii y constituye además «un rasgo general del paisajismo avanzado de la segunda mitad del siglo xix». 


A pesar de que Van Gogh pintaba frente al motivo, nos muestra una visión absolutamente personal y manifiesta de forma visual aquello que le sugiere lo que está mirando. Los fértiles prados de los alrededores de Auvers le producían sentimientos enfrentados; la sensación de libertad que tenía frente a esos amplios sembrados se contraponía a la melancolía y la sensación de soledad que le producían. Sería en uno de estos campos de trigo, que repetidamente había pintado en las últimas semanas, donde abrumado por sensaciones contradictorias y en medio de una recaída de su fuerte depresión, Van Gogh terminaría con su azarosa existencia, cuando en la mañana del 27 de julio de 1890 se disparó un tiro. Murió solo y atormentado, aunque, como leemos en la última carta que escribió a su hermano, mantuvo hasta el final un atisbo de esperanza en su obra: «La verdad es que sólo podemos hacer que sean nuestros cuadros los que hablen». 

Mercedes Tamara

19 junio 2012

Bibliografía : Colección Carmen Thyssen- Bornemizsa 

RETRATO DE MUJER JOVEN DE EDGAR DEGAS

RETRATO DE MUJER JOVEN 1862

Retrato de mujer joven
óleo sobre lienzo 27 x 22 cm
París, Musée d´Orsay

La fecha de este retrato es bastante controvertida . Algunos estudiosos  la adelantan incluso a 1862, otros la retrasan a a 1870 . Las pequeñas dimensiones y la belleza  metafísica de la obra hicieron observar al crítico Georges Rivière : " Este retrato es una maravilla de dibujo, es bello como el más bello de Clouet , el más grande de los primitivos " . En efecto , a favor de  quienes propugnan una fecha temprana  está el sentido casi ultraterreno que domina las obras de historia y los retratos juveniles del artista. El rostro de su tía Bellelli en el famoso retrato de familia parece al natural contrapunto de esa cabeza clásica de mujer joven.

La mujer, que parece absorta en unos pensamientos que le hacen inmunes a cualquier contacto con el mundo dirige la mirada a algo o a alguien que está fuera del lienzo . El carácter hierático de los rostros típicos de la pintura religiosa que Degas había tenido la oportunidad de estudiar durante los años de su  formación , es trasladado a un asunto intimo como  el pequeño retrato del Musée d´Orsay . Ya sensible a las instancias del realismo , pero todavía fuertemente ligado a los estudios primitivos llevados a cabo en su  juventud , en las obras de este período -el artista muestra los dos elementos en una admirable fusión.

Mercedes Tamara 

19 junio 2012

Bibliografia : Degas, Edit Biblioteca El Mundo

VENECIA PALACIO DUCAL DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

VENECIA PALACIO DUCAL 1881

Venecia, palacio ducal
óleo sobre lienzo 54,5 x 65.7 cm
Adquirido poe Stteling Clark

En 1881, por primera vez en su vida, Renoir ganó suficiente dinero para  permitirse un viaje al extranjero ; se dirigió a Italia , donde pensaba  estudiar las obras de los antiguos maestros , especialmente Rafael.

La primera etapa de este peregrinaje fue Venecia, donde el artista quedó  impresionado por las obras de Tiziano, el Veronés y Canaletto. Los cuadros  que realizó en la ciudad los dedicó  a las principales atracciones turísticas, representadas con el estilo impresionista que le conocemos.

El tema de Venecia , Palacio Ducal es, justamente , el edificio más célebre de la ciudad . En una carta a un amigo , el mismo Renoir comenta irónicamente: " He pintado el Palacio Ducal visto desde San Giorgio : algo que nadie ha hecho, creía . Pero descubrí que había una fila de al menos seis personas para pintarlo ".

Si bien la mayor parte de los cuadros  realizados durante su estancia en Venecia recuerdan más a bocetos que a obras  acabadas , Venecia, Palacio Ducal  es uno de los dos que el artista elaboró en modo más completo ( el otro es una vista del Gran Canal conservada en el Museum of Fine Arts de Boston ).

Aunque adopta el heterogéneo esquema cromático impresionista para grabar un lienzo los fugaces efectos de luz, Renoir representa las formas arquitectónicas  con un significativo grado de exactitud, como atestigua la detallada descripción de las treinta y cuatro arcadas del palacio.

Sobre las fachadas luminosas por la luz aterciopelada el sol refleja uno de los  azules intensos del cielo ; el primer plano está punteado por góndolas  y velas luminosas someramente descritas que suman toques vibrantesa la gama cromática predominantemente clara del lienzo . También la esfera y la cruz de la punta superior de la catedral  de San Marcos dan un sesgo visual rico al perfil de los edificios que se recortan contra el cielo.

Mercedes Tamara 

19 junio 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

EL PESCADOR DE JOAQUIM SOROLLA

EL PESCADOR
óleo sobre lienzo 76x 106 cm
Colección privada

El Pescador es un cuadro realizado por el pintor español Joaquín Sorolla en el año 1904, vinculado al impresionismo español, de corte costumbrista. Sorolla realiza una interpretación personal del estilo impresionista y dota de protagonismo absoluto a la luz, el color y el movimiento de las figuras. Entre sus temas preferidos destaca su dedicación al paisaje levantino, de ambiente costero, siempre con presencia humana,que plasma con un protagonismo absoluto de la luz.

La obra fue pintada en la playa valenciana de Cabañal y muestra en primer plano la figura de un muchacho que transporta en una cesta la pesca realizada a lo largo del día.Se trata de  una composición en la que destaca la luminosidad del conjunto en el que predominan los tonos azul y rosa. La figura principal se muestra en diagonal por encima de las rodillas, lleva el torso desnudo y un sombrero le protege la cara del implacable sol. Sostiene con el brazo izquierdo un cesto de mimbre cubierto por un lienzo de tela que mueve el viento caprichosamente, dejando al descubierto la pesca.

En el fondo está el mar y unos niños que juegan con las olas. Se ha querido ver en esta obra, como en otras del artista, la influencia de la fotografía y de hecho Sorolla trabajó durante unos años de su juventud en el estudio de un fotógrafo, entablando relación con su hija Clotilde, que acabaría por convertirse en su esposa

.

Mercedes Tamara 

18 junio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

EL PEINADO DE EDGAR DEGAS

EL PEINADO 1892-1895

El peinado
óleo sobre lienzo 114 x 146 xm
Londres, National Gallery

DEGAS ejecuta numerosos estudios de mujeres realizando en la intimidad gestos relacionados con el cuidado del cuerpo . Para descubrir el cuerpo femenino , el artista se sirve del dibujo . Sus pasteles , al igual que los cuadros al óleo , son color y dibujo.

Degas amaba desde sus años juveniles la pintura de Ingres . A menudo repetía en voz alta las enseñanzas recibidas , pero de sus propias ideas no hablaba nunca. " A Degas le gustaba hablar de pintura -recuerda Paul Valery -pero no soportaba que hablasen de los demás , y mucho menos de los literatos (....) Yo le decía : Pero en suma ¿ qué entiende usted por dibujo ? . Respondía con su famoso axioma : " El dibujo no es la forma , es el modo de ver la forma. Y allí estallaba la tempestad (....) Yo adivinaba , sin embargo, lo que quería decir . El contraponía lo que denominaba la " disposición " , es decir, laq representación conforme a los objetos , a lo que llamaba el   dibujo ", esto es, la particular modificación que el modo de ver y actuar de un artista hace sufrir a la representación exacta ".

Y a través del dibujo modifica Degas la forma en las obras tardías La linea negra que a trechos define el contorno en este lienzo no existe en la realidad . La linea del contorno es un elemento que los ojos imaginan ver para poder transcribir la realidad. El dibujo es entendido aquí como medio de transcripción y como finalidad de ver. " Hay una enorme diferencia entre ver una cosa sin el lápiz en la mano y verla dibujando " esta observación es también de Valéry , que explica, en relación con la actitud de Degas , el modo de percibir el mundo a través de procesos selectivos que impone la pintura . El examen del escritor es una interpretación personal de la obra de Degasy él mismo lo pone de relieve en diversos momentos. La función del artista es comunicar por medio del arte ; la del teórico es reducir unos significados que siempre seguirán siendo opinables.

Mercedes Tamara

17 junio 2012

Bibliografía E Degas, Edit Biblioteca El Mundo

MARINA DE JOAQUM SOROLLA

MARINA 1880

MARINA
óleo sobre lienzo 44,5 x 78 cm
Museo Sorolla, Madrid

La tela que aquí se reproduce es una de las tres marinas que Sorolla presentó, una vez finalizados sus estudios, a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1881.  Pintada un año antes, se puede considerar como uno de los primeros ejemplos , ya con un cierto grado de importancia, de su  temprana obra.

Todavía en estos momentos , el artista no ha conseguido abandonar una interpretación lastrada en la tradición de la pintura marinista postromántica . Habrá que esperar al siglo XIX, para que el tema marítimo adquiera una autonomía propia, convertido en argumento del género paisajístico. La pintura valenciana jugará un papel primordial en esta génesis , a través de la llamada Escuela Española de Marinistas, en la que destacan claramente algunos discípulos de Carlos de Haes, como Rafael Monleón Torres ( 1843-1900 ) y Javier Juste ( 1856-1899 ).

A la influencia de ambos se debe que el jovencísimo pintor lleve a cabo una lectura estrictamente naturalista, en una obra que, por lo temprana, no deja de asombrar por su impecable factura . El realismo, siempre fundamental en Sorolla de esta época , se expresará con una pincelada exacta  y sin vacilaciones.

También es verdad que el artista se aleja de la clásica visión posromántica del mar como sinónimo de drama y se atreve a pintar únicamente lo que ve: los veleros situados en un mar plácido y tranquilo, la pequeña barca de remos que se aproxima al puerto y el cielo lleno de nubes , en lo  que parece un día gris y tormentoso

BODEGÓN 1878
óleo sobre lienzo
44 x 66 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia

Realmente lo que está haciendo el " aprendiz " de artista es seguir la tradición pictórica de los Países Bajos . El resultado final parece algo convencional ya que seguramente , no está pintado al natural -es decir, teniendo en cuenta las tonalidades de la luz y del color- sino realizado o al menos terminado y retocado en el estudio , como indica el hecho de que se trata de un mar  del norte trasladado al ámbito mediterráneo ; una extrapolación de la temática, atmósfera y  colorido de la tradición nórdica.

De factura académica , trabajado de forma meticulosa en cuanto al tratamiento de los detalles, respira una cierta atmósfera de melancolía y soledad . Es un entorno calmado , donde los ocres , grises azules y algunas breves notas de blanco, se entremezclan , para darnos una  sensación de quietud . El resultado es una pintura oscurecida , de colores muy opacos, algo borrosa y sucia . Debemos esperar todavía algunos años para encontrarnos con el Sorolla colorista y vibrante.

Sin embargo,en esta obra anticipa un tema que será preferido dentro de su producción - el marítimo-aunque también es verdad que, esta temprana interpretación , se encuentra a años luz del pleno desarrollo de lo que será su lenguaje futuro: descubridor de una luz y una  atmósfera que cuajará en el " sorollismo ", tendencia continuada y desarrollada por una pléyade de artistas. que, a través de un concepto determinado del tema,un interés luminíco y una especial forma de pintar , prolongarán - durante casi medio siglo-su personal 
estética mediterránea

Mercedes Tamara 

15 junio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa