RAMO DE FLORES PAUL CÉZANNE

RAMO DE FLORES 1902-1904

Ramo de flores
óleo sobre lienzo 77 x 64 cm
Moscú, Museo Puskin

A finales del año 1872 Cézanne se traslada a Auvers-sur-Oise, pueblecito cercano a París donde permanecerá hasta la primavera de 1874. Allí convivirá con el doctor Gachet, médico vinculado con los impresionistas que será inmortalizado por Van Gogh. Durante esta estancia realizará algunos cuadros con jarrones repletos de flores, flores que la esposa del doctor le cortaba y preparaba en jarrones de cerámica de Delft. 

El florero se presenta ante pared amarilla, sobre una mesa de tonos marrones, eludiendo cualquer referencia espacial extra. Un potente foco de luz baña todo el conjunto, resaltando las tonalidades verdes, azules, amarillas, rojas o blancas que configuran el ramo. La influencia de Fantin-Latour se deja ver en el motivo pero la pincelada abocetada es una evidente muestra de la admiración del maestro de Aix hacia Manet.

Parece ser que Cézanne que admiraba mucho a Delacroix que  tenía la idea de realizar un cuadro basado en una Apotesis de Delacroix y había ejecutado ya un boceto : " El maestro romántico muerto era transportado por ángeles : unos llevaban pinceles , otro la paleta. Debajo se extendía un paisaje donde Pissarro trabajaba al pie del caballete . A la derecha Claude Monet , y en primer plano Cézanne , visto de espaldas , pica en mano y zurrón al costado y en la cabeza gran sombrero al estilo Barbizon . El cuadro no llegó a realizarse pero la estima del pintor por Delacroix era tan viva que sintió la exigencia de ponerse de nuevo frente a él , ejecutando esta encantadora copia 

llamada Ramo de flores. Es uno de los raros cuadros de flores realizados por el pintor al final  de su carrera artística , a diferencia de los impresionistas . no le entusiasmaba en absoluto la pintura de flores tanto que había comentado " A las flores he renunciado, se marchitan enseguida

Mercedes Tamara

1-12-2015

Bibliografia . Artehistoria

AUTORRETRATO CON GORRA PAUL CÉZANNE

AUTORRETRATO CON GORRA 1875

Autorretrato
óleo sobre lienzo 53 x 38 cm
San Petesburgo, Museo del Ermitage

" Era alto y delgado de articulaciones nudosas , una fuerte cabeza barbuda , la nariz muy fina, perdida entre el pelo hisurto del bigote , ojos pequeños y claros.. en el fondo de los ojos una gran ternura. Tenía la voz fuerte ... era un poco cargado de espaldas y sufría un respingo nervioso que se había hecho crónico " . Así describe Zola, en sus apuntes para La obra y Claude Lautier , el pintor fracasado devorado por la inseguridad y la ambición , que escoge el suicidio cuando el peso de su incapacidad productiva se le hace insoportable. En sus rasgos se reconoció a Cézanne y que no hay que excluir que Zola , en este breve y eficaz retrato , pensara en su amigo pintor, al cual había reprendido en varias ocasiones por sus vacilaciones en su relación con el arte ( " La pintura no es más que un capricho que te ha venido un buen día que estabas aburrido " , le dirá una vez en tono perentorio.

Zola estaba acumulando información para sus novelas en los días febriles de la primera muestra organizada por los impresionistas, cuando se realizó este autorretrato, y son innegables las correspondencias entre las palabras del escritor y este intenso cuadro en el cual Cézanne se retrata cerrado, pensativo, con las facciones hundidas y ocultas por la barba espesa y larga. El punto de vista es muy próximo : el rostro del pintor  sale del fondo coloreado e indeferenciado merced a la densa pincelada que construye las formas superponiendo una zona a otra. Si bien el negro del cabello, la barba y la chaqueta sigue siendo el color dominante del cuadro, el rostro está iluminado por vivaces toques de pincel teñido de azul, amarillo , el violeta, el rojo que garantiza una intensa variación cromática . La factura veloz y aproximada recuerda las contemporáneas indagaciones de Cézanne sobre la relaciones entre la forma, color y luz en plein air

al lado de Pissarro.

Mercedes Tamara 

5-09-2015

UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE GEORGES SEURAT

UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE 1884-1886

Una tarde de domingo en la Grande Jatte
óleo sobre lienzo 207 x 308 cm
Art Institut of chicago

El tema no puede ser más costumbrista. Se trata de una (dislocada) escena cotidiana que se podía ver en los alrededores de la Grande Gatte, a orillas del Sena, en donde las distintas clases sociales pasean o descansan en sus riberas. Un tema, por lo tanto, profano, tan típico del siglo XIX que, sin embargo, y como más tarde veremos, en realidad es una pura excusa.

Si se contempla cualquier superficie con una tonalidad uniforme en el cuadro de Seurat de La Grande Jatte , se encontrará en cada centímetro de esta superficie un vibrante enjambre que incluye todos los elementos que componen el tono en cuestión . También por ejemplo la zona del césped a la sombra ; la mayoría de las pinceladas muestran los tonos locales de la hierba, los toques de color naranja y otros muchos más escasos reflejan el efecto del sol apenas perceptible. Ingredientes ocasionales de color púrpura configuran el tono complementario del verde. Un azul cianógeno, determinado por la proximidad a un trozo de hierba a pleno sol , se vuelve más denso hacía la linea que marca el límite, pero que se va rebajando poco a poco a partir de esa linea ...

Los colores , aplicados por separado en el lienzo , se funden de nuevo en la retina. Así pues, no nos encontramos ante una mezcla de pigmentos, sino una mezcla a base de rayos de luz de distinta coloración. 

Por consiguiente , el método de Seurat se podría describir tal como sigue : el color propio de cada objeto en el tono local y el color de la luz que se supone naranja , tal como se puede ver en los toques anaranjados dispersos por todo el cuadro . Los demás colores se desarrollan a partir de estos dos, recurriendo a la ley de contraste simultáneo ya que : " Dos colores contrapuestos ejercen entre sí una influencia mutua , cada uno impone al otro su propio color complementario. Así, por ejemplo , el verde sugiere en la superficie limitrofe un rojo púrpura , el rojo un verde azulado, el amarillo un azul ultramar , el violeta una amarillo verdoso , el naranja un azul cianógeno : contraste de los matices cromáticos . El tono claro parece más claro todavía y el oscuro parece más oscuro : contraste de los grados de luminosidad " 

La racionalización del color comenzó ya por la paleta, un instrumento en principio  sumamente individual que revela mucho del temperamento del pintor . La paleta de Seurat se ha conservado en la primera hilera , muestra once colores puros entre los que faltan los tonos terrosos , por debajo aparecen mezclas de colores con blanco y en la última hilera se ven pinceladas de blanco puro . Sólo se pueden mezclar los colores vecinos ( análogos ) es decir , ningún complementario que hubiese podido romper el colorido del tono.

Toda la composición está dominada por la interacción de numerosas verticales que son compensadas por horizontales y diagonales de sentido izquierda derecha (sombras, ribera).La línea ha desaparecido virtualmente (aunque en nuestra visión reaparezca en las formas compositivas, como ya se dijo), mientras que el color y sus gradaciones toma la máxima importancia. Su forma de trabajarlo es sumamente novedosa, aplicándolo en pequeños puntos sobre el lienzo para conseguir un efecto visual concreto: aprovechar la capacidad de combinar los colores cercanos que tiene nuestra pupila, creando así los tonos intermedios que produce la luz natural sobre los objetos

Mercedes Tamara 

28-09-2015

Bibliografia : Wikipedia 

CLASE DE PINTURA HENRI MATISSE

CLASE DE PINTURA 1919

Clase de pintura
óleo sobre lienzo 74 x83 cm
Edimburgo, Scottish National Gallery of Modern Art

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente, junto a Pablo Picasso como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno del siglo XX. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.

La pintura absorbió totalmente la vida artística de Henri Matisse hasta el extremo de introducirse en su obra Clase de pintura en la que vemos al artista cuya presencia se ha reducido al mínimo en cuanto a su importancia , densidad y color son poco relevantes en el conjunto del cuadro a diferencia de otras pinturas en las que el color destaca por sus colores intensos Aquí el dibujo es el que define todos los elementos de esta pintura .

Mediante este artificio óptico se incluye la presencia del pintor en compenetración con el medio artístico al tiempo que indica cierto distanciamiento . En su reflexión, el pintor se impone como creador soberano frente al mundo de las imágenes . Su representación está próxima a la irrealidad , lo cual se ve reforzado por la presencia de la muchacha leyendo. Con el libro abierto ésta se impone al bodegón compuesto por un jarro de flores , frutas y un pincel sobre la mesa . El color negro de las hojas del libro y del pincel establecen la relación con el fondo. El espejo ovalado sirve para enmarcar otro de los temas del pintor, un paisaje que sin el espejo estaría ausente en la habitación. El espejo refleja la proyección en la superficie negra del fondo y, aludiendo a la actividad del pintor, hace las veces del cuadro en el cuadro. Al mismo tiempo actúa de mediador entre la figura de la modelo y él. Los diversos niveles de la realidad, representación pictórica y grafica y reflexión en el espejo, son reconciliados en la unidad del nivel pictórico bidimensional por el empleo de los valores cromáticos y luminosos 

                                                              Mercedes Tamara  ( autora )

                                                              26-08-2015

                                                                         

Bibliografía : Wikipedia

     

  

NATURALEZA MUERTA CON CEBOLLAS PAUL CEZANNE

NATURALEZA MUERTA CON CEBOLLAS 1896-1898

Naturaleza muerta con cebollas
óleo sobre lienzo 66 x 82 cm
Paris, Museo de Orsay

Este cuadro es indudablemente uno de los resultados más fascinante de la investigación de Cézanne sobre el tema de las naturalezas muertas . El pintor se ejercita en la cebolla , que tiene una estructura más compleja y resulta por tanto especialmente afín a sus osadas búsquedas de estos años , por su "mayor flexibilidad lineal y sobre todo por su forma más abierta y ondulada " .

El pintor construye su composición descentrándola hacía la izquierda , para después imponerle un repentino movimiento hacía la derecha por medio de la leve pero eficaz proyección del cuchillo . En la mesa dispone aparentemente en desorden sus cebollas , que describen una serie de lineas curvas a las cuales reaccionan los ángulos agudos de la mesa, en un sutilísimo equilibrio de fuerzas centrífugas y expansiva la primera , contenedora y constructiva la segunda , casi como para remachar el esfuerzo constante del artista por dotar de orden el caótico movimiento al que están sometidas todas las cosas.

Con delicadas modulaciones de color traduce con esmero todas las vibraciones cromáticas que la atenta observación de la naturaleza sugiere con las rosas , los rojos, los azules y los anaranjados construye sabiamente las cebollas y luego se detiene en los efectos de transparencia del vidrio y de la copa , acentuados por el juego de reflejos y por la inestabilidad de los contornos . La capa de pintura es extremadamente fina y la delicadeza de los efectos de la luz revela, una vez más, su asiduo y fructifero acercamiento a la pintura española del siglo XVII . También a la pared quizá el espacio vacío más grande de toda la producción de Cézanne- se reserva un tratamiento pictórico particularmente refinado , que le confiere inéditos efectos de transparencia.

Mercedes Tamara

24-08-2015

Bibliografia : Cézannne Edit Biblioteca El Mundo 

TRES PARES DE ZAPATOS VICENT VAN GOGH

TRES PARES DE ZAPATOS 1886

Tres pares de zapatos
óleo sobre lienzo 49 x 72 cm
Cambridge ( MA ) Fogg Art Museum 

En 1886, Van Gogh pintó Tres pares de zapatos , que en cuanto a la intensidad del color y de la energía psíquica , aún carece de la intensidad sobrecogedora de sus posteriores obras, el ambiente está aquí sublimado más allá de lo pintoresco. El cuadro presenta zapatos descuidados con cordones, suelas remachadas , calzado usados de cocheros comprados en los mercadillos de viejo. Así hay que imaginarse el calzado que llevaba Van Gogh para pintar cuadros de paisaje en los alrededores de París .

En la vieja pintura holandesa , el camino que se recorría a pie era una metáfora recurrente del camino de la vida, Van Gogh pintó en su estudio de la Rue Lepic naturalezas muertas de sus propios zapatos , que a sus jóvenes compañeros de profesión parecían " extraños " .Los zapatos vivos se refieren programáticamente al ser artista de Van Gogh ; la naturaleza muerta se convierte en una especie de autorretrato .

El tema se plasma de forma realista , pero con una pincelada libre. El modo del cuadro es serio ; su sencillez se corresponde con un mensaje moral . Los zapatos están tan animados que parecen contar con personalidad y expresión individual ; es decir , se trata de auténticos retratos de cosas. 

Al contacto con los impresionistas , la paleta oscura-terrosa de Van Gogh se hizo más clara y adquirió mayor colorido . Pintó su Jarrón con lirios en 1890 , en los últimos días que pasó en Saint- Rémy. Como el tulipán en el siglo XVII, y después de un intermezzo mariano en la Baja Edad Media , el lirio  comenzó su marcha triunfal a finales del siglo XIX y, sobre todo en el estilo modernista . Cada época tiene sus preferencias florales : con el girasol , el lirio se convirtió en algo así como el símbolo de la pintura de Van Gogh , en una marca animada y llena de colorido de una época que anunciaba la modernidad.

Mercedes Tamara ( autora )

10-08-2015

Bibliografia : Van Gogh, Edic Taschen

TERRAPLÉN PAUL CÉZANNE

TERRAPLÉN 1870

Terraplén
óleo sobre lienzo 80 x 129 cm
Munich. Neue Pinakothek

Realizado cerca del Jas de Boffau , el paisaje revela el provechoso contacto de Cézanne con la pintura de los impresionistas, contacto que tuvo ocasión de profundizar durante su primera estancia en París . Su paleta, se aclara , dando entrada a colores más luminosos y límpidos, si bien el pintor no renuncia a tratar las formas con empastes densos y cargados de materia , que le vienen de la vivificante relación con la pintura realista de Gustave Courbert.

Procede mediante pinceladas amplias y resueltas que dan al cuadro una gran intensidad expresiva y un decidido rigor formal. Todo conserva su sustancia material , no se deshoja como en los contemporáneos cuadros impresionistas , sino que se impone como forma neta, como volumen. La cuidada disposición de los elementos de la visión en planos paralelos le ayuda a garantizar un orden a ésta y guiar los ojos del observador al centro del cuadro, hacía la zanja del ferrocarril que desgarra el paisaje como una herida abierta.

Subyace al cuadro una velada polémica contra los " beneficiosos " efectos de la modernidad. A diferencia de Zola y de sus amigos impresionistas , Cézanne juzga asperamente las violentas intervenciones del hombre en el paisaje y en varias ocasiones insiste en la decepción que le causan el hierro, las máquinas , el ansia irracional de lo nuevo , que se insinúa en la naturaleza violando su majestuosa belleza 

Mercedes Tamara

13-07-2015

AUTORRETRATO PAUL CÉZANNE

AUTORRETRATO 

Autorretrato
óleo sobre lienzo 63 x 51 cm
Berna, Kuntmuseum

" Cuando Cézanne pintaba sus autorretratos -afirma Westheim, trasladaba a los melancólicos rasgos el enorme peso de la creación, 

que tenía la función de transformar el caos en orden. Se ve al hombre que avanza silenciosamente en su tiempo, que se sitúa por encima de los problemas de sus contemporáneos, en una atroz soledad porque ha comprendido la creación en su esencia, síntesis extremas de elementos divergentes .

Es una descripción tal de sí mismo no hay nada de Cézanne que su contemporáneos hallaban, nada de pequeño burgués que lleva de manera pedante su existencia. A pesar de que el pintor concedió siempre poca importancia a su aspecto físico, siente la exigencia de retratarse nada menos que cuarenta y seis veces en el transcurso de su carrera artística . A esta decisión contribuyen el ansia del autoanálisis , la afirmación de su personalidad pese a la general incomprensión y a la necesidad de una relación más intima con su modelo más paciente, el mismo.

En el autorretrato de Berna , la atmósfera pensativa y humilde, la expresión seria y enfurruñada parecen confirmar esta hipótesis . La figura de Cézanne emerge vigorosamente del fondo , en el cual dominan los ángulos rectos de la puerta y la ventana, que acentúan la impresión de severidad general del cuadro. Las marcadas facciones del rostro , sintéticamente traducidas por una pincelada quebrada y espesa , parecen casi esculpidas en la madera , como para dar una idea de fijeza . La sensación de austera  compostura es acentuada además por la vestimenta elegida por el pintor , una pesada chaqueta marrón delimitada por una profunda linea de contorno que recorre el hombro izquierdo ,y el " viejo sombrero deformado " que suscita a menudo los comentarios burlones de sus refinados colegas parisienses

Mercedes Tamara

12-07-2015

PICNIC EN MAYO PÁL SZINYEI MERSE

PICNIC EN MAYO 1873

Picnic en mayo
óleo sobre lienzo 128 x 163,5 cm
Galeria Nacional de Budapest

Pál Szinyei Merse ( 1845-1920 ) comenzó su trayectoria profesional como un pintor retratista aficionado al retrato, pero su estilo evolucionó muy pronto hasta incluir la pintura al aire libre y el análisis de la luz y el color .

Oriundo de Hungria , Merse fue el artista que importó los conceptos inherentes al impresionismo francés y lo instauró en Europa central . Y esto lo logró antes de visitar París , viaje que  no realizó hasta 1908.

Szinyei Merse estudió en Munich , por eso la adopción del ideario impresionista y su revolucionario empleo de la pincelada fue simultáneo y, a su vez, distinto de la trayectoria que siguieron los artistas franceses .

Picnic en mayo , su obra más influyente, es un buen ejemplo del colorido basado en la armonía de los colores complementarios y contrapuestos , de la importancia del color como vehículo de la luz. El público denostó la obra la primera vez que la expuso, pero pocos años después se empezó a valorar .

La temática del cuadro y el empleo de la luz y las sombras son libres y deshinbidas .El grupo de personajes que aparece bajo la sombra de un árbol que queda oculto y del que solo vemos su nitida silueta marcada en el prado . Sin embargo, los vestidos de la damas, extendidos de forma circular sobre la hierba , parecen brillar con luz propia. Las parejas mantienen una conversación amorosa, se lanzan miradas apasionadas y fingen desaires . Al margen de su trayectoria artística

Szinyei Merse también se dedicó a la política y luchó por la modernización  artística de Hungria.

Mercedes Tamara

10-07-2015

BAILARINA POSANDO PARA EL FOTÓGRAFO EDGAR DEGAS

BAILARINA POSANDO PARA EL FOTÓGRAFO 1875

Bailarina posando para el fotógrafo
óleo sobre lienzo 65 x 50 cm
Moscú, Museo Pushkin

Había en Degas una curiosa sensibilidad para la mímica. Por otro lado , a las bailarinas y planchadoras que pintó las captó en actitudes profesionales significativas , lo cual le permitió renovar la visión de los cuerpos y analizar un gran número de poses de las que pintores no se habían ocupado antes de él. Abandonó a las bellas mujeres blandamente recostadas , las venus deliciosas y las odaliscas : no trató de colocar en el lecho a ninguna obscena y soberana Olimpia (... ) como Manet . Se esforzó , por el contrario , en la reconstrucción de la mujer femenina especializada , esclavas de la danza y del almidón , o de la acera ; y estos cuerpos , más o menos deformados , a los cuales hace asumir posturas en extremo inestables para su estructura articulada (...) hacen pensar que todo el sistema mecánico de un ser vivo puede hacer muecas como un rostro.

En este cuadro, la postura de la bailarina no es armónica . La danzarina es sorprendida mientras está buscando una bella posición mirándose al espejo , y Degas opta por representar precisamente ese momento en que los miembros, al colocarse , adoptan un aspecto grotesco 

Mercedes Tamara ( autora )

6-07-2015

. 

COCHE EN LAS CARRERAS EDGAR DEGAS

COCHE EN LAS CARRERAS 1872

Coche en las carreras
óleo sobre lienzo 36,5 x 55,9 cm
París, Museo de Orsay

Degas es , sin duda, uno de los mejores impresionista por su habilidad pictórica , por la sabia elección de sus temas que se ajustaron a las preferencias de muchos críticos que apoyaban la representación de asuntos tomados únicamente de la vida contemporánea , valorados como auténticos documentos históricos además de como obras de arte.

El estilo de Degas , como vemos en Coche de carreras,  es preciso y dota a las imágenes de un carácter casi fotográfico , con los encuadres compositivos alargados que se adaptan a soluciones visuales siempre nuevas y dinámicas , que reemplazan a ls visiones frontales, icónicas e inmóviles que caracterizan las obras de otras impresionistas coetáneos suyos  Efectivamente, en esta obra que comentamos hay una simetría horizontal que introduce la linea del horizonte en algo dinámico merced a la sagacidad de dejar fuera de campo una parte del coche en primer plano de modo que la imagen mostrada aparezca menos meditada y más casual. 

Sin embargo, aun cuando la impresión que causa el cuadro sea una visión accidental , el pintor medita , con gran atención, los equilibrios tanto cromáticos como compositivos , que concurren a crear esa sensación de casualidad

Mercedes Tamara ( autora )

1-07-2015

Bibliografia : El Impresionismo , Vol 1 

TARRO CAFETERA Y FRUTA PAUL CÉZANNE

TARRO CAFETERA Y FRUTA 1867-1869

Tarro, cafetera y fruta
óleo sobre lienzo 64 x 81 cm
París, Museo de Orsay

Las frutas y los utensilios familiares ofrecen a Cézanne un rico repertorio de formas que responden coherentemente a su deseo de indagación analítica de la realidad. Modelos dóciles , presencias tranqulizadoras el pintor gusta de ponerlos a posar con esmero y después de observarlos largo rato, traducir su absorta y discreta belleza en el lienzo. La mesa de su cocina es pobre ,son las cosas que en ella coloca : falta de elegancia de las mesas servidas por Manet , pues al pintor no le interesa nunca el objeto en si , sino su valor formal , su precisa sustancia volumétrica . Si de Manet toma los estridentes contrastes de negros y blancos , sus naturalezas muertas de estos años , simplificadas y expresivas , recuerdan más la clásica compostura que las de Chardin , artista muy apreciado por el joven Cézanne .

Este cuadro, aparentemente desordenado y provisional, deja ver con claridad su carácter estático y compuesto, su vocación de inmovilidad y silencio . Los objetos manifiestan bien su potencia volumétrica y se imponen con formas puras capaces de acoger , merced a la fuerza del color , una luz fina y brillante. Cézanne construye con densos empastes , las superficies espesas y lúcidas de los artículos de cocina, marcando con negro los contornos para conferirles más presencia material. Trabaja atentamente en la forma de las frutas y las dispone sobre un mantel blanquísimo que abre sus tonos blancos al vibrante contraste con el cuchillo negro . Todo emana una sensación de quietud , de absorta concentración que sorprende si se compara con sus contemporáneas 

composiciones de figuras , tan expresamente atormentadas y dinámicas. 

La naturaleza muerta parece ser un asunto especialmente afín al pintor porque le obliga al contacto directo con la realidad de las cosas , con su variedad de objetos , le ayuda a encausar los efectos de su fantasía visionaria y le enseña el inapreciable valor de la observación atenta y escrupulosa de la naturaleza

Mercedes Tamara

28-06-2015

Bibliografia : Cézanne, Edit Biblioteca El Mundo 

ROSAS EN UN JARRÓN PIERRE-AUGUSTE RENOIR

ROSAS EN UN JARRÓN 1910

Rosas en un jarrón
óleo sobre lienzo 29 x 33 cm
París, Museo de Orsay

Renoir realiza a partir de 1896 numerosos cuadros de rosas , flores que lo fascinan por su fragante materia cromática , además de la alusión a la belleza femenina , cuyos secretos más íntimos parecen simbolizar . En una de las conversaciones mencionadas en la biografía de Ambroise Volland ( 1918 ) el pintor confiesa que muchos fragmentos pictóricos con rosas sugieren como estudios de color para sus desnudos : al parecer coloca las flores junto a los desnudos femeninos porque, durante la búsqueda de la tonalidad idónea para representar la epidermis dispone el empaste casi instintivamente en forma de rosa , dando de ese modo una razón concreta a una analogía puramente simbólica.

Es curioso y sintomático que en esos mismo años Monet, inmerso en su jardín de Giverny , pinte con devoción panteísta sus nenúfares, mientras Renoir , en la naturaleza mediterránea de su casa de Les Collettes, en Cagnes sur Mer, coloca rosas junto a los desnudos de la mujer , sirviéndose , por decirlo así de la flor para representar lo que más le interesa , la belleza femenina . Como ya en los tiempos en los que, en las riberas del Sena , pintaban uno al lado del otro los mismos motivos con distintos resultados , una vez más los dos grandes pintores captan diferentes aspectos de imágenes análogas : para uno la pintura se torna abandono ante las solicitaciones del cosmos , para el otro es la ocasión de crear una " naturaleza humanizada " ,de regalar al espectador unas formas que están en plena armonía con el verde , el azul, el rosa que lo rodean y que están condicionados en su sustancia , como ya ocurría en el período impresionista , por la luz que emanan de esos colores

Mercedes Tamara

24-06-2015

LAS FRESAS PIERRE AUGUSTE RENOIR

LAS FRESAS 1908

Las fresas
óleo sobre lienzo 23 x 39 cm
Burdeos, Museo des Beaux Arts

Por la total inexistencia de contenidos literarios , la naturaleza muerta es uno de los géneros predestinados por derecho propio a las experimentaciones formales de los impresionistas : pensemos en las calibradas composiciones de Henri Fantin Latour ( amigo de Renoir desde los tiempos que ambos acudían al taller de Gleyre ) , que continúa exponiendo en el Salón aunque sigue próximo al grupo impresionista , y en Edouard Manet , que da repetidas pruebas de capacidad para captar las vibraciones tonales y la atracción sensual de las flores y hortalizas que pinta.

Desde su actividad juvenil como decorador de porcelanas , Renoir pinta con notable maestría y virtuosísmo técnico naturalezas muertas de flores : en su período "impresionista " el pintor tiende a abandonar estos temas en favor de unas amplias panorámicas de la vida moderna y de los retratos.

En los años noventa , con la vuelta a la pintura de interiores hogareños acomete de nuevo el cultivo de la naturaleza muerta de la cual este cuadro es un ejemplo de gran calidad . La representación de las fresas, además , da a Renoir ocasión de hacer uso de diversas tonalidades en rojo , su color preferido estos años para reproducir las carnaciones de los niños , desnudos femeninos rosas . 

Con su amplia predilección por el color rojo , desde los esfumados rosáceos de las carnes hasta el tono purpúreo de las rosas, gustaba de captar el fluir de las formas vivas , modulando este color en una amplia gama de gradaciones , modelando los volúmenes con su pincelada menuda , que testimonía ,además de su profunda sabiduría , su inmediatez , su frescura indestructible

Mercedes Tamara ( autora )

21-06-2015

Bibliografia ; " Atlas del Impresionismo "

BAILARINA SUBIENDO LA ESCALERA EDGAR DEGAS

BAILARINA SUBIENDO LA ESCALERA 1886.1890

Bailarina subiendo la escalera
óleo sobre lienzo 39 x 89,5 cm
París, Museo de Orsay

Edgar Degas ( París 1834-1917 ) se llamaba en realidad Hilaire Germain  Edgar de Gas y descendía de una familia de banqueros . Estudió entre 1853 y 1855 en París, con los sucesores de Ingres, Louis Lamotrhe e Hippolyte Flandrín, que el inculcaron significativos valores del maestro. Degas cultivó la amistad de Monet y Renoir y participó en la exposición impresionista. Su tema favorito es el ser humano , sobre todo el cuerpo femenino . 

Degas entiende y plasma sus poses y movimientos como encarnación de la perfección y la armonía. El tratamiento del espacio y la luz en sus representaciones de jinetes, bailarinas y lavanderas, que a partir de 1870 realizó mayoritariamente en pastel, marcan claramente sus diferencias con los maestros clasicistas y caracterizan su arte como mucho más cercano al impresionismo.

Bailarina subiendo la escalera resulta ser una obra extraordinariamente moderna debido a sus excéntricas perspectivas y a sus encuadres extremos . Es característico de este artista representar en primer plano situaciones aparentemente sencillas y prosaicas . Unas bailarinas suben apresuradamente las escaleras hacía la pista de baile para asistir a clase con sus compañeras . Las dos figuras de la izquierda están bruscamente cortadas por el marco del cuadro . 

El hecho de que una de las muchachas mire hacía atrás otorga a la obra un dinamismo especial . Al fondo se ve las otras bailarinas ,reunidas ya . La superficie vacía de la derecha y la pared desnuda de la izquierda , contrastan en gran manera con las figuras de distintos tamaños . Degas demuestra una vez más con el encuadre su gran talento artístico. 

                                                                       Mercedes Tamara  

                                                                       14-06-2015

Bibliografia : Degas, Edit Biblioteca El Mundo 

JARDÍN FLORIDO EN SAINTE-ADRESSE CLAUDE MONET

JARDÍN FLORIDO EN SAINTE-ADRESSE 1886

Jardín florido en Sainte- Adresse
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
París, Museo de Orsay

Claude Monet ( Paris 1840- Giverny 1928 ) empezó a pintar al aire libre en Le Havre bajo la influencia de Boudin. En el taller de Charles Gleyre conoció a Renoir , Sisley y Bazille . Obtuvo un gran éxito con sus cuadros de figuras y acusó la influencia de William Turner . En 1874 cuando expuso en el estudio de Nadar el cuadro Impresión, Sol naciente ( 1872) la crítica encontró el nombre con el que se conoce al grupo de artistas reunidos alrededor de Monet, impresionistas. A través de la variación hasta el infinito del mismo motivo para lograr un profundo estudio de la luz y la atmósfera, Monet llevó hasta sus últimas consecuencias el arte de la impresión visual. 

Monet logró encarnar el espíritu impresionista como ningún otro pintor Entre las creaciones de su primera etapa destacan los temas de jardines a veces incorporando figuras humanas y otras, describiendo solamente las imágenes de los jardines con sus elementos más destacados : árboles, arbustos, florecillas y una exhuberante vegetación.

En el año 1886 Monet pintó Jardín florido en Sainte -Adresse una localidad cercana a Le Havre en la que transcurrió su juventud . Se trata de un cuadro fascinante por su colorido intenso y luminoso, que muestra un bello rincón del jardín escogido expresamente . Se trata de la finca de la familia de Jeanne- Magueritte Leocadre de la cual había realizado también un retrato 

En primer término se divisa parte del campo con unos bellos colores verdes oscuros que contrastan con el verde más claro que Monet ha situado a la derecha del lienzo. Tras una hilera de pequeñas florecillas verdes y rojas aparece su finca de un color blanco con unas ventanas semiabiertas en la que se pueden ver parte de las persianas de color verde . La finca está en parte cubierta por un enorme árbol para dar sombra y evitar el calor de la estación estival. 

Mercedes Tamara ( autora )

2-06-2015

LA BELLA ANGELA PAUL GAUGUIN

LA BELLA ANGELA 1889

La bella Angela
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
Paris, Museo de Orsay

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor postimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en su tiempo en la cultura occidental.

Esta dama vestida con el traje regional de la Bretaña es Angèle Satre , la mujer del alcalde de le Pouldou . Para romper cualquier relación entre "la modelo y la maldita naturaleza " como le comentó el propio Gauguin a Bernard en una carta , el pintor encerró a la mujer en un óvalo cortado parcialmente por el encuadre, de tal forma que el retrato queda aislado del fondo.

Gauguin no buscaba una representación realista lo que pretendía más bien era aunar formas simples con colores intensos . Como resulta fácil de imaginar , el retrato de Angela gustó muy poco en la época . Al fondo aparece una pieza de cerámica realizada por el pintor , con lo que la obra queda sí doblemente firmada.

El hecho de incluir el título en el propio cuadro supone una novedad , que se convirtió más tarde en costumbre en las obras que Gauguín pintó en Tahití

Mercedes Tamara ( autora )

24-05-2015

LA SEÑORA CHARPENTIER CON SUS HIJOS PIERRE-AUGUSTE RENOIR

LA SEÑORA CHARPENTIER CON SUS HIJOS 1878

La señora Charpentier con sus hijas
óleo sobre lienzo 153,6 x 190 cm
The Metropolitam Museum Nueva York

La relación entre el editor Georges Charpentier y Renoir fue especialmente estrecha. Charpentier heredó una exitosa editorial, ampliando los resultados económicos de la misma gracias a su habilidad para descubrir nuevos talentos como Flaubert o Zola. Se casó con Marguerite Lemonnier en 1872, una joven de buena familia cuyo padre había sido un gran mecenas, protegiendo a Gericault y Delacroix

En la obra que nos ocupa,Renoir ha colocado  en la pared del fondo a espaldas a los tres personajes ;  llama la atención una serie de paneles decorativos de gusto oriental entre los que solo puede identificarse del de la esquina superior izquierda con los pavos reales . La actitud de la señora Charpentier que ocupa toda la parte central del cuadro , es de cariño y protección hacía sus dos pequeños , a quienes mira con una mezcla de dulzura y orgullo materno satisfecho. En la parte izquierda del cuadro Renoir representó a los dos hijos de la señora Charpentier . La que está sentada sobre el san Bernardo es Georgette , nacida en 1872 . El del sofá es su hermano Paul , nacido en 1875, cuyo padrino era ´Emile Zola. Los tirabuzones rubios y el vestido idéntico al de su hermana mayor, hacen que parezca una niña.

Merece destacar la belleza del bodegón de la esquina superior derecha , ejemplo de supremacía de los colores vivos y palpitantes , sobre el dibujo , 

La composición está estructurada con maestría, recordando las obras clásicas al ubicar a la madre en la zona central de la escena, equilibrando las figuras de las niñas en la izquierda con la mesa y la silla del fondo. Al mismo tiempo, los diferentes elementos se colocan en planos paralelos para crear el efecto de profundidad, a través de una acentuada diagonal en perspectiva. Las tonalidades también están dispuestas de manera estructurada, creándose interesantes contrastes entre los tonos negros y los claros. Si bien la pincelada es rápida y fluida, encontramos una importante dosis de dibujo y modelado que no se halla en los paisajes de estos años.

Mercedes Tamara ( autora )

21-05-2015

Bibliografia : Renoir Edit Biblioteca El Mundo