VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN PAUL GAUGUIN

VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN   1888

Visión después del sermón
Óleo sobre lienzo 74,4 x93,1 cm
Edimburgo, National Gallery of Scotland

Visión después del sermón es uno de los cuadros más ambiciosos en cuanto a la forma de Gauguin . Trata -como expresa el otro titulo usual Jacob luchando con un ángel - un tema del Viejo Testamento , un episodio de la vida del patriarca Jacob , tal y como se describe en el Génesis : por la noche se apareció a Jacob un ángel del Señor que estuvo luchando con él hasta que le dio un golpe y se relajó el tendón del muslo. Pero Jacob respondió " No te dejaré ir si no me bendices " Además de  la bendición le dio un nuevo nombre " Israel " , pues has luchado con Dios.

El tronco de un árbol divide , siguiendo el esquema compositivo de las xilografías japonesas , la superficie del cuadro en la diagonal y separa las mujeres vestidas con trajes bretones ,del primer plano del grupo de lucha , a la derecha del fondo: el ángel con potentes alas y el futuro patriarca tensado contra su contrincante .

Sin embargo, en este cuadro los conceptos como " primer plano " y " fondo " pierden prácticamente su sentido , pues la organización de superficies es lo que domina la composición . El árbol ( un manzano ) de color violeta oscuro no separa fenómenos en el espacio de las profundidades , sino ámbitos del ser divergentes : las figuras femeninas popularmente simplificadas , que al parecer acaban de salir de la  iglesia y que reflexionan sobre el tema del sermón que han oído allí,y la aparición sobrenatural del mismo tema, que trató de la lucha entre Jacob y el ángel. Esta está situada en un fondo rojo " irreal " que puede interpretarse como sucesor del fondo dorado medieval ; es el fondo para la fe , la única escena , un acontecimiento que las mujeres del cuadro experimentan como visión interior y el espectador como visión exterior.

Con esta imagen clave , Gauguin se convierte en la cabeza del grupo de los pintores de Pont- Avern: con obras como estas con el predominio de la superficie y el sugestivo movimientos de las líneas y contornos , el colorido separado del naturalismo y con su expresividad simbolista , Gauguin fue también la figura admirada de los " nabis " 

Mercedes Tamara 

3 -12-2012

Bibliografia:: Gauguin  Edit Biblioteca El Mundo

PREPARACIÓN DE LA PASA ( TRANSPORTANDO LA UVA, JAVEA ) JOAQUIN SOROLLA

PREPARACIÓN DE LA PASA ( TRANSPORTANDO LA UVA, JAVEA ) 1900

Preparación de la pasa ( transportando la uva , Jávea )
óleo sobre lienzo 125 x 200 cm
Museo de Bellas Artes, Oviedo

Desde su primera madurez , en la década de 1890 , a Sorolla le interesaba los motivos de trabajo al aire libre . Muy a menudo , como en sus cuadros dedicados al calafateo, la construcción de barcos o de los cordeleros, las figuras aparecen bajo un entoldado o un techo . Ello permitía al artista captar con exactitud las distintas gradaciones de la luz en el ambiente , como hizo en esta obra .




Tras su triunfo en la Exposición Universal de 1900 de París, Sorolla desarrolló en la localidad alicantina de Javea, una actividad muy fecunda . En ella tuvieron especial importancia los cuadros de trabajo relativos a la elaboración de la uva pasa a partir de la uva moscatel, de gran arraigo en Javea y en todo el marquesado de Denia, donde se mantenía el mismo procedimiento que ya había descrito Hyeronimus Munzer a finales del siglo XV . Ya en 1896, con motivo de una primera estancia allí, habían llamado la atención del artista. Advirtió entonces las posibilidades del motivo, que permitía observar los variados movimientos de las figuras
sobre un fondo de intenso fondo de cal que la luz coloreaba.




En el estío de 1900 el pintor pensó en realizar varios cuadros con este asunto, según le comunicaba, el 19 de agosto a su amigo Pedro Gil Moreno de Mora : " Espero pintar este verano cosas muy bonitas del escaldo de la uva y cosas de la pasa " . Entre todas las obras que en efecto llevó a cabo, en ésta la de mayor importancia . Al principio la proyectó como cuadro cargado de intención social, aunque dudaba por parecerle que podría ser demasíado fuerte el asunto "





El cuadro representa el momento en que se escalda la uva: hombres, mujeres y chicos entre el humo de la lejía hirviendo , cuecen la uva y la extienden sobre cañizos ( la operación es puro arte ) amontonan grandes cantidades de racimos de moscatel colocados en capazos; esto llena todo el piso del cuadro ( ¡ imagínate el color¡) pues bien, entre esta abundancia de fruto ví, y pongo un Sr muy gordo y brutal, con su gran abdomen , tumbado en una mecedora fumando tranquilamente ; los que trabajaban , todos encorvados y sudorosos, contraste que me hizo mucho daño y que me inspiró unas lineas y unos estudios "




Sin embargo Sorolla renunció con buen criterio , al marcado énfasis social que buscaba y participó a su amigo el 3 de septiembre " que estoy haciendo otro( cuadro ) o sea, el mismo pero sin filosofías, la escena artística y nada más. La composición aparece estudiada en algunos dibujos . Uno de ellos , muy abocetado con un arco al fondo, expresa la primera idea. Al artista le interesaban también aspectos parciales del cuadro que abordó separadamente en otrosdibujos , entre los que destaca uno de ellos , en el que ya aparece la composición valientemente cortada, como en el cuadro definitivo, lo que produce una sensación de inmediata realidad . El punto de vista elegido para representar la figura principal , como eje se adelanta hacía el espectador ; da una sensación de inminencia a sus movimientos y hace patente su presencia física , acentuando un recurso que, con menor monumentalidad y potencia , aparecía en algunasobras de José Jiménez Aranda como A buscar fortuna ( colección particular )

Escaldando la uva

óleo sobre cartón 47x64 cm

Madrid, Universidad Complutense

Sorolla representó las diferentes tareas en riguroso orden bien pautado que se percibe desde la izquierda hacía el fondo y de ahí a la derecha , hacía el primer término . Estudió con atención naturalista las actitudes y los movimientos de las siete figuras que aparecen, cada una, ocupada en un trabajo distinto. La de la izquierda vacía un cabàs o capazo de palmito en el que se ha recogido la uva y transportado desde el campo , en un cazo grande hecho de alambres de hierro y que tiene mango de madera para aislar del calor de la caldera o esccaldador , dispuesta sobre el fornet d´escaldar , situado hacía el fondo. Un operario que ha introducido las uvas de la cassa en el agua en ebullición con un poco de lejía sosa cáustica , donde se escaldan durante el tiempo necesario para que corte la piel de la uva , la vierte sobre un cañizo ya cargado de uva escaldada. En él se advierten los pilons, tarugos de madera que permiten su apilamiento sin que se aplaste la uva la llevan al sol, hacía el sequer o secadero donde la uva se transforma en pasa.




Cuando las figuras se disponen en una linea ligeramente oblicua según un ritmo cuidadosamente graduado, que acierta a plasmar el inicio mismo del movimiento hacía adelante en la segunda figura. Al volverse, ésta enlaza con el grupo de atrás , mientras la primera ha dado ya con resolución un paso. La definición sumaria de los rasgos faciales de esta figura acentúa el protagonismo de su puro esfuerzo físico, en el momento que recibe la luz del sol en la mayorparte de su cuerpo, lo que el pintor resalta mediante amplias y luminosas pinceladas , a veces con generosos empastes en los pantalones, la faja y, especialmente la camisa. Mientras elocuente de su penetrante observación es la variación de colorido que se observa entre los brazos, uno al sol y el otro a la sombra

Escaldando uva, Javea

óleo sobre lienzo 66x 88 cm

Madrid, Museo Sorolla

La fuerte iluminación del primer término tiene un eco en la intensa luz del fondo donde se disponen los cañizos sobre los cuales las uvas se secan al sol durante una semana.Interesado en la característica construcción del riu-rau , un cobertizo de ladrillo y mampostería escalada, en forma de porche, el pintor presentó probablemente al espectador los dos grandes arcos  carpaneles de casi dos metros de luz, de modo que las cuatro figuras principales aparecen  enmarcadas por una de ellas. De este modo, a pesar del aparente alargamiento de la composición , apropiado para la representación de los trabajos, la composición se ordena con  sutileza. En el fondo la pared del edificio y el intrados del arco de la izquierda aparecen brevemente coloreados en delicados amarillos, naranjas y malvas, en una franja oblicua del  color violeta, la sombra de un emparrado. Este último término es el mismo que aparece en  otra obra de menores dimensiones, con idéntico asunto y la misma iluminación y sombreado  en diagonal del emparrado, donde se aprecía muy bien la rapidez con que se reparten los racimos sobre el cañizo.


Entre los cuadros de esta serie algunos representan de cerca los cañizos y el escaldador  rodeado de capazos lo que muestra el profundo interés que sintió el pintor por el asunto.  Su tratamiento favoreció un cambio en los procedimientos pictóricos de Sorolla en favor  de una captación más inmediata de la luz que llegaba casi a modificar las formas, haciéndolas más fluctuantes

Mercedes Tamara

2-12-2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

LA LLAMADA PAUL GAUGUIN

LA LLAMADA  1902

LA LLAMADA
óleo sobre lienzo 
130x 90 cm
Cleverland , Cleverland Museum
of Art

La mujer que realiza el gesto de la llamada recuerda, invertida la actitud de una mujer de un friso del  Partenon . Las diversas figuras reaparecen , con pocas variantes en otros cuadros de Gauguin . Las dos mujeres del primer plano están en el cuadro El brujo de Hiva Hoa ( Lieja , Musée d´Art Moderne ) pintado el mismo año . Las figuras centrales constituyen un poster homenaje a " esos  demonios de griegos que lo habían entendido todo "  así como a Puis de Chavannes. A éste le reconoce Gauguin un talento superior . Y en realidad, con su extraña armonía de rosas, rojos malva y anaranjado La llamada anuncia a Matisse y todo un aspecto del expresionismo alemán.

El 10 de septiembre de 1902 , Gauguin se traslada a Hiva Hoa,la isla principal de la colonia francesa de las Marquesas . Aquí,el artista entabla muy pronto nuevas relaciones y, quizás por mérito de las muchachas de la isla . Gauguin parece recuperar cierta energía. Lo cierto es que poco antes de morir pinta algunos de los lienzos más bellos y desde luego los más serenos y menos ligados a intentos literarios de toda su carrera. Cuando se establece en aquella " tumba de flores " de las islas Marquesas y a se ha liberado de la ideología simbolista.

Los cuadros que pinta en este período muestra que ahora ha logrado un perfecto equilibrio entre luz y color , insertando a sus personajes en un paisaje encantado a fin de crear una atmósfera de sueño.Es además significativo que abandone el hábito de los títulos en lengua maorí, marca exótica de la cual no tiene ya ninguna necesidad. Ahora pinta solo su propio deleite y por su satisfacción personal.

Mercedes Tamara 

1-12-2012

Bibliografía : Paul Gauguin, Edit Biblioteca El Mundo

MUJERES EN ELJARDIN DEL HOSPITAL PAUL GAUGUIN

MUJERES EN ELJARDIN DEL HOSPITAL 1888

Mujeres en el jardín del hospital
óleo sobre lienzo 73 x 92 cm
Chicago, The Art Institute

Este cuadro fue ejecutado durante la estancia de Gauguin en Arles , donde fue hospedado por Vicent Van Gogh de octubre a diciembre de 1888. Gauguin se dio cuenta pronto de la diversidad de sus caracteres , de sus preferencias por maestros del pasado y contemporáneos y sus métodos de trabajo . Estas diferencias hacen que en ellos se instaure una especie de " duelo pictórico " . Incluso cuando  Van Gogh intenta seguir los consejos de su amigo , por ejemplo, pintando ya no del natural sino partiendo de la fantasía , y por lo tanto de un recuerdo visual , el resultado de sus tentativas está lejos de poner de relieve eventuales afinidades.


En el caso de Encuentro en el jardín , inspirado en Mujeres en el jardín del hospital de Gauguin , no faltan ciertamente las diferencias entre los dos cuadros , uno esencialmente material y otro decorativo , rítmicamente dividido en zonas planas.

Escribe Gauguin a Emile Bernard : " Es extraño, aquí Vicent encuentra motivos a la Daumier, mientras que yo veo colores a la Puvis , con un  pellizco de Japón . Las mujeres del lugar, con sus peinados elegantes, una belleza de tipo griego, los mantones colgantes como en las obras de los primitivos , recuerdan ciertos frisos griegos.

En suma, aquí se encuentra un compendio de bello estilo moderno "  Son palabras que describen bien este misterioso grupo de mujeres envueltas hasta la cabeza en sus mantones oscuros , que desfilan con gracia por detrás de un arbusto que parece vagamente a un monstruo, dejando a sus espaldas algunos extraños objetos : una empalizada pintada al rojo vivo , curiosas siluetas amarillas triangulares y el espejo de agua azul al fondo del prado.

Si esta serena procesión de arlesianas recuerda en efecto a Puis de Chavannes y a la antigua Grecia ,la inspiración japonesa se manifiesta en los colores fuertes y resueltamente delimitados y en la anticonvencional perspectiva ascendente , tan acentuada que el banco verde , arriba a la derecha por el camino,  puede parecer un insecto encaramado a la pared. 

Mercedes Tamara 

1- 12-2011

Bibliografia : Gauguin  Edit Biblioteca El Mundo

SILLA DE GAUGUIN DE VICENT VAN GOGH

Silla de Gauguin 1888

SILLA DE GAUGUIN

Óleo sobre lienzo 70x92

Museo Nacional Van Gogh

Compañera de la Silla de Van Gogh, en esta imagen Vincent pretende recordar al amigo que se ha ido, evocando una situación idílica que tampoco encontró en los últimos tres meses de convivencia. Las discusiones entre ambos eran frecuentes, especialmente cuando hablaban de pintura al tener visiones distintas de los conceptos artísticos.

La ansiada comunidad de artistas del sur hubiera sido más fácil en compañía de Gauguin, lo que hubiera atraído más pintores a la casa amarilla. Pero todos sus sueños se alejaron con la partida de Paul tras la fuerte discusión del 23 de diciembre.

Vincent siempre se sintió interesado por la representación de objetos personales en sus lienzos como sus botas o su habitación, mostrándonos en este caso la silla vacía del compañero, la mejor de la casa, para que el invitado se encuentre a su gusto en el hogar. Sobre ella contemplamos una palmatoria con una vela encendida - ¿el creyente

Vincent implora a Dios el regreso de su amigo? - y dos libros. Al fondo observamos una lámpara de gas brillando, creando a su alrededor un halo de luminosidad. El holandés realiza la obra siguiendo las pautas ya establecidas en los últimos meses: empleo de una línea oscura para delimitar los contornos - inspirado en el cloisonismo aprendido de Bernard y del propio Gauguin -; pincelada rápida a base de facetas como observamos en el suelo; interés por las luces artificiales, contrastando la vela con el gas.

Sin embargo, el colorido es más austero, más triste, al recurrir a tonalidades verdosas y marrones - curiosamente son las empleadas por Paul en estos momentos - quizá como motivo de la evocación general del cuadro. Las zonas de sombra están representadas en tonos malvas, en un claro recuerdo del Impresionismo. El punto de vista utilizado, más frontal que su compañera, resulta un interesante contraste al contemplar las dos obras juntas.  

Mercedes Tamara 

1-12-2012

Bibliografia : Van Gogh,. Edit Biblioteca El Mundo

EL PUENTE MORET AL SOL ALFRED SISLEY

EL PUENTE MORET AL SOL 1892

El puente Moret al sol
óleo sobre lienzo 58,5x 71 cm
Colección particular

Hijo de padres ingleses , Alfred Sisley ( 1839-1899 ) nació en París. En la década de 1860 ,después de conocer a Monet y Renoir , se unió al grupo de los impresionistas, aunque siempre se mantuvo relativamente al margen. Monet causó un profundo impacto sobrela pintura paisajística de Sisley, pero en su obra también se encuentra rasgos de Corot,como su tierno cariño por la naturaleza.

En 1880 Sisley se estableció en Moret sur Loing, un pequeño pueblo con edificaciones mayoritariamente medievales que lindaba con el bosque de Fontainebleau . Durante las dos últimas décadas de su vida , el pueblo y sus alrededores se convirtieron en eltema principal de si obra. En ocasiones pintaba series que mostraban la misma vistaen diferentes condiciones atmósfericas , pero generalmente el cambio de ubicacióny luz resultaban menos sistemáticos.

Sisley pintó El puente de Moret al sol varias veces. Esta obra realizada en 1892 , se estructura a partir de las distintas zonas que componen el agua de un color azul intenso, los edificios , el cielo y los reflejos que unen pueblo y río. Como en casí toda la producción las figuras humanas son pocas y pequeñas. Se trata de un paisaje urbano que aspira a la serena soledad de un paisaje rural.

Carente de artificio que dirijan la mirada del espectador , esta deambula libremente por las paredes medievales, bañadas por el sol, la colorida superficie del agua y el  cielo luminoso , Sisley , adapta trazo y color con una habilidad consumada a las exigencias de distintas zonas del cuadro. Sin embargo, el carácter amable, encantador y seductor de su pintura hace que haya quien lo subestime.

Mercedes Tamara 

28-11-2012



Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen 

AL BAÑO, VALENCIA JOAQUIN SOROLLA

AL BAÑO, VALENCIA 1908

Al baño , Valencia
óleo sobre lienzo 200x 190 cm
Colección particular

Durante el verano de 1908 que pasó en Valencia, Sorolla tuvo dificultades para pintar en la playa debido a los frecuentes temporales , que ensuciaban el color del mar . A pesar de ello realizó buen número de obras, entre las cuales ésta es una de las de mayor tamaño y acaso la más rotunda de cuantas pintó en aquella campaña. El gran formato vertical elegido permitió al artista mostrar una interpretación monumental de un motivo cotidiano, en la que las tres figuras de niños , seguramente hermanos, destacan sobre la arena y el mar de la playa valenciana.

Los modelos, tratados aquí a tamaño natural, aparecen también en otros cuadros realizados ese mismo verano. Así, la muchacha mayor, y también su bata, parecen las mismas que las  de Idilio en el mar . La menor es la que aparece en Niña con lazo azul, playa de Valencia, obra entonada , como ésta , en profundos tonos azules. El grupo de las tres figuras puede verse , a su vez, de modo muy similar aunque con otra orientación , en las figuras más alejadas a la orilla de Alegría del agua . Y aparece, en primer término con una resolución más amplia y abocetada en una pintura homónima con el mismo formato vertical.

Tal vez el pintor había ensayado la asociación de un niño pequeño junto a dos niñas mayores como revela la obra Verano y un estudio relacionado con ella. Además, en otro cuadro de ese año La hora del baño , Niños en la playa , la figura de la niña en pie presenta un perfil similar. Hay también otros cuadros pintados ese mismo verano en los que aparece un niño desnudo a la orilla del mar junto a una niña algo mayor. En la mayoría de estas obras , tanto en 1904 como en 1908 la supresión del horizonte permitió al pintor hacer más patente el protagonismo de las figuras. En este cuadro, su verticalidad se equilbra con armonía mediante la organización en franjas progresivamente alejadas de la composición en un juego de perpendiculares apenas matizado por las diagonales de las sombras que produce el sol de la tarde.

Al baño. Valencia , 1908
óleo sobre lienzo 103x 74,5 cm
Colección particular

Son frecuentes también en la pintura de este período las representaciones de niños desnudos en el mar , como los que aquí aparecen al fondo . El marcado contraste de complementarios que se exaltan a través de las carnaciones anaranjadas y los resplandecientes azules del agua y también mediante la yuxtaposición muy nítida de la arena y el mar , da a esta pintura una extraordinaria intensidad . A ella contribuye la plenitud de los cuerpos infantiles que, en el caso de la muchacha mayor, evoca resonancia de la escultura clásica. La linea del contorno del azul intenso que monta sobre su cabeza y los suaves brillos del azul claro de su túnica rosa le dan una gran viveza cromática. Modeladas cuidadosamente por el color, especialmente el desnudo, presentan estas figuras una corporeidad perdida ya, en cambio, en los niños del fondo, meras siluetas en el mar. Particular interés tiene la definición del mar mediante pinceladas estrechas y alargadas que resaltan su condición líquida y su movimiento.

Cuando se expuso en Nueva York fue una de las pinturas que mayor atención atrajo. A pesar del vasto número de cuadros que allí figuraban ( trescientos cincuenta ) mereció comentarios por parte de algunos críticos. Uno de ellos señalaba :" Estudiese también el modelado del niño en el Al baño que camina inseguro de mano de sus hermanas. Con qué simple métodos se ha trabajado los músculos, nótese el resuelto caminar de la muchacha mayor; la tierna solicitud de la más joven y la habilidad que se muestra en el dibujo de su mano y la del niño que ella toma. La efusión del artista ante estos niños, que veía a diario, le llevó a mostrar con viva sensibilidad esa relación fraternal, en un marco de profunda comunión con la naturaleza mediterránea.

Mercedes Tamara 
26 -11-2012

Bibliografía :Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa