DIA DE VERANO DE BERTHE MORISOT

DIA DE VERANO  1879

Día de verano de Berhe Morisot
Óleo sobre lienzo 45,7 x 75,2 cm
Londres, The National Gallery

La obra de Berhe Morisot contribuyó a las innovaciones del impresionismo tanto como los cuadros de Pissarro, Renoir, Sisley y/o Monet . Sin embargo, en la Historia del Arte solo se recuerda en relación con su amigo y mentor Éduard Manet.



En el caso de Día de verano se ha supuesto que se trataba de uno de los cuadros sobre las cuatro estaciones que había previsto pintar con Manet . Si bien terminó Primavera y Otoño , eligió en los dos casos una personificación que se diferencia notablemente del motivo de Morisot en Día de verano . Por lo tanto, se puede excluir que se tratara de la misma serie.

La técnica de Morisot , autónoma y fuera de lo corriente , se ha tenido demasíado poco en cuenta hasta ahora . Con pinceladas enormemente libres lleva la pintura al lienzo , de modo que se producen gruesas manchas de color. Crea así una piel de  color irregular , que se diferencia de la lisura  académica de la técnica tradicional. Morisot sigue, con pinceladas inconexas y enérgicas lineas en zigzag, las indicaciones de la luz y del color. Además formula , con motivos muy personales, aspectos específicos del sexo femenino.

Berthe que en el invierno anterior había sido madre, acompaña a la niñera y a la pequeña  Julie en sus paseos diarios al parque . El Bois de Boulogne le estimuló a retomar la pintura al aire libre . Morisot encontró un compromiso ideal entre los deberes de la maternidad y el deseo de volver a pintar lo antes posible . Llevándose los modelos al parque, podía pintar y estar al mismo tiempo con su hija Julie.

El cuadro de Morisot Día de verano describe una escena soleada en el agua. En uno de los lagos de Bois de Boulogne , el parque donde solía  descansar la población de París , dos mujeres hacen una excursión en barca . Renoir eligió un motivo muy similar para su obra Barcas en el Sena . En el lienzo de Morisot aparecen dos mujeres sentadas en una barca que ocupa todo el primer plano , Morisot se ha acercado mucho a las dos . En comparación con Barcas en el Sena de Renoir se puede apreciar como la pintora se concentra en las figuras , mientras que Renoir solo las trata como parte del paisaje.

Morisot no plasma una vista espontánea de dos mujeres que esperan la salida de la barca , sino que ofrece una composición muy estudiada y preparada con un boceto en acuarela . Este estudio presenta el motivo de forma prácticamente idéntica : probablemente lo hizo directamente  en el Bois de Bologne .

Para ello, Morisot utilizó dos modelos profesionales que trabajaban para Eduard Manet y que este le había recomendado . Berthe pintó a las dos mujeres una segunda vez, pero en esa ocasión cortando flores  en el Bois de Bologne. 

La artista llevó las obras que había hecho ese verano a la exposición de los impresionistas de 1880 y cosechó muchos elogios ; incluso logró vender algunos cuadros.Varios críticos compararon su modo de tratar el color con el gran pintor francés del siglo XVIII Fragonard,con quien Berthe Morisot estaba emparentada," Mire de que forma maravillosa trata siempre el blanco en sus cuadros ; nadie ha empleado el blanco de un modo tan extraordinario ". La crítica la denominó una  " impresionista básica , sin arrepentimiento " 

Mercedes Tamara 

16 mayo 2012

Bibliografía: Gran Atlas del Impresionismo, Edit Electa

EL ROSAL AMARILLO DE LA CASA DE SOROLLA DE JOAQUIM SOROLLADE JOAQUIM SOROLLA

EL ROSAL AMARILLO DE LA CASA DE SOROLLA  1920

El Rosal amarillo de la casa de Sorolla  de Joaquim Sorolla
óleo sobre lienzo 64 x 95 cm
Museo Sorolla, Madrid

Uno de los temas más recurrentes en el artista anticipando ya sus visitas a la Granja , Granada y Sevilla- fue el jardín de la casa del paseo del General Martinez Campos en Madrid . Construido siguiendo sus propios deseos y diseño , este jardín rodeaba la amplia casa -hoy Museo Sorolla- a la que se trasladó con su familia en 1911, cuando su reputación como pintor se hallaba en su máximo cenit.

Adelfas en el patío de la casa de Sorolla

Son el descanso de nuestro pintor : adelfas, alhelies, rosales amarillos , entremezclados con pequeñas estatuas clásicas: columnas, azulejos de colores, tinajas y tiestos de barro. Para su construcción se había inspirado en los jardínes del Alcázar de Sevilla y la Alhambra granadina. Arranca a este jardin  sugestivas apariencias traducidas sobre el lienzo con riquísimas cualidades que constituyen una auténtica fiesta para los ojos y cuya magia ejerce una poderosa seducción. Grises, verdes, azules,violetas, rosas, arillos...matería muy ligera y luz sutil de la caída de la tarde conviven con pinceladas pastosas y claridad de pleno sol. Los colores están aplicados por toda la superficie con generosas y fuertes manchas de tonos de intensidad similar, con una clara intención de indefinición de las formas

Detalle del jardín de la casa de Sorolla

Para Sorolla pintar significaba seguir sintiendo un  impulso vital y este se desarrollaba, en su mejor medida, desde su casa,desde su taller y su jardín. Estos trozos, estas impresiones de color realizadas en poquísimo tiempo, resumen su deseo de vivir con tranquilidad porque, en muy pocas ocasiones en su vida, agobiado siempre por las obligaciones y los plazos , tuvo ocasión de vivir según sus deseos. El jardín , pequeño oasis, verdadero descanso para el pintor, se convirtió en un tema preferente de multitud de trabajos, fundamentalmente entre los años 1916 y el final de su carrera en 1920. Es precisamente en ese marco, pintando el retrato de la mujer de Ramón Pérez de Ayala , cuando le sorprende la enfermedad de la que ya no se volverá a recuperarse.

Jardín de la casa de Sorolla

Sorolla tiene una apasionada dedicación al jardín hogareño donde no tiene que agacharse, mancharse de barro y tierra si es preciso para cuidar y oler mejor las flores malvas y cuajadas de los alhelies:olores familiares que él reconoce como fragancia de su propia vida . rodeado de su familia y de su querídisima esposa , demandando de ella quizás su última caricia

Detalle de la casa de Sorolla

 En esta abreviadísima composición de punta de vista bajo y visión en diagonal, contrasta la  materia orgánica y exhuberantemente colorista de las flores  y de la vegetación, con la inorgánica y estática de las antiguas piedras de tonos dorados y las reproducciones de los bronces pompeyanos que parecen " congelados " en su movimiento.

Mercedes Tamara 

15 mayo 2012

Bibliografía _ Sorolla , Jardínes de luz . Edic El Viso

MUJER CON COLLAR DE PERLAS EN UN PALCO DE MARY CASSAT

MUJER CON COLLAR DE PERLAS EN UN PALCO 1879

Mujer con collar de perlas en un palco
de Mary Cassat
óleo sobre lienzo 81,3 x 59,7 cm
Philadelphia  Museum of Art

A diferencia de Marie Bracquemond , Mary Cassat, extranjera en París , gozaba de expectativas profesionales buenas. Muchas artistas norteamericanas disfrutaban de mejores oportunidades en París que en su propio país, aún muy inmerso en las convenciones burguesas.

Mary Cassat se trasladó a París en 1865 , para continuar su formación artística . Desde 1868 participó asiduamente en las exposiciones del Salón ; fue además la única artista norteamericana en participar en varias exposiciones de  los impresionistas. 

El retrato de una Mujer con collar de perlas en un palco se presentó primero en la cuarta  exposición de los impresionistas, donde se dedicó una estancia a las obras de Mary Cassat con motivos del teatro y de la ópera. Este cuadro fue uno de los pocos que se vendieron en la exposición.

El contacto con los pintores impresionistas se estableció sobre todo a través de Edgar Degas  que se había  convertido en su amigo y mentor. Al igual que Renoir  y Degas , también Mary Cassat reprodujo los grandes teatros y la ópera de París como centro de la cultura y de la vida moderna . Con su brillo , noche a noche , y  la multicolor afluencia del público , ofrecían numerosos motivos.

En sus cuadros de teatro Cassat se concentró no tanto como hizo Degas-sobre lo que ocurría en el escenario o en el foso de la orquesta, sino que dedicó su atención al público femenino . Son las espectadoras del teatro las que, en sus cuadros, se convierten en objetos de  observación : por un lado , por las miradas del público: por otro, por la mirada del observador del cuadro. El tema del teatro pasa a un segundo plano , pues constituye tan solo el marco en que se presenta a la espectadora .La exhibición del atractivo físico , ya sea paseando en el parque o asistiendo al teatro, forma parte del papel que desempeña la mujer a finales del siglo XIX.

Los espectadores de Mary Cassat parecen ser conscientes de ello . Los abanicos que sostienen en la mano , que  podrían servir de protección visual permanecen cerrados. Esto queda especialmente claro en Mujer de negro en la ópera de 1879 , con el hombre que se asoma de su palco y no observa a la mujer que acompaña , sino que con sus prismáticos fija su mirada en la espectadora del primer plano. Esta, a su vez, dirige la mirada al escenario . 

También la mujer del collar de perlas es observada, ensu palco, por el público que aparece en el fondo del cuadro. Ella, a su vez, no mira al escenario, sino a los puestos del palco que aparecen en el espejo detrás de ella. Al situar un espejo inmediatamente detrás del sillón rojo . Cassat consigue un sorprendente efecto espacial. La elegante curvatura de los puestos del palco solo aprecía en este reflejo, que es lo que  crea este efecto espacial plano.

La luz refulgente de la lámpara de araña no solo se  vierte hacía delante, por encima de la mujer del collar de perlas, sino que con el reflejo produce un contraluz. La luz brilla sobre sus hombros desnudos y blancos , descansando sobre el guante de la mano derecha  con la que sostiene el abanico. Todo el cuadro parece bañado en una luz roja y dorada, puede considerarse como una de las obras de mayor armonía de Mary  Cassat.

Mercedes Tamara 

14 mayo 2012

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen

FIGURA DE SANTA ITALIANA DE JOAQUIM SOROLLA

FIGURA DE SANTA ITALIANA 1885

Figura de santa italiana de Joaquim Sorolla
óleo sobre lienzo 78 x 61 cm
Museo del Prado, Madrid

En este año el joven Sorolla parte como pensionado hacía Roma; allíestudiará en la Academia de Bellas Artes , donde tendrá como profesor a Francisco Padilla, José Villegas y Emilio Salas.

En estos momentos Sorolla, en busca de su propio camino artístico , se deja llevar por las diferentes corrientes de la época .Después de un viaje a París, donde seguramente entabló relaciones con diferentes pintores y realidades estéticas , " Sorolla abrió sus ojos por primera vez-en palabras de su amigo Aureliano de Beruete-al movimiento iniciado entonces en la pintura moderna"

Este cuadro, en clave simbolista, es una experiencia alejada y opuesta a la futura personalidad de la pintura sorollista, que se caracterizará por su exacerbado  naturalismo, tendencia que considera el tema y el significado como lo menos importante de la obra de arte. El simbolismo-compuesto por diversas personalidades y estilos que se agruparon bajo este sugerente nombre-tenía como  característica fundamental precisamente el hecho de que se constituía en una fuerte reacción contra el naturalismo.

En España la tendencia simbolista apenas  se dejó sentir en esas tempranas fechas  y, cuando lo hizo , fue en torno a 1910-1930. Tradicionalmente existía en nuestro país un  enfrentamiento nítido entre naturalismo e  idealismo, en palabras de Valle Inclán , entre pintores de ideas y los " bárbaros luminosos que tienen la mano hábil-en clara referencia  a Sorolla ".

Quizás una de las características más claras  de esta pintura de ideas fuera la mezcla de elementos extraídos de distintas poéticas. El mundo cultural y artístico del momento era un verdadero caldo de cultivo para el desarrollo de diferentes movimientos , incluyéndose en el mismo saco, tanto el simbolismo como el decadentismo, esteticismo y modernismo, etc, en una confusión que hasta ahora hoy en día cuesta trabajo resolver.

Esta dinámica de cambios hizo posible que nuestro artista pudiera vivir experiencias estéticas que, en un principio, deben ser consideradas como totalmente contrapuestas e irreconciliables entre sí.

A pesar de ello, resulta fascinante y muy sorprendente el hecho de que Sorolla afrontara este tipo de cuadros en clave simbolista -no es una experiencia aislada como demuestran otras de sus obras  como, por ejemplo, la que lleva el título La oración ( Museo de Bellas Artes de  Buenos Aires )- En la misma linea de los prerrafaelistas y  medievalistas como Dante, Gabriel Rossetti, Gustave Moreau,etc, con influencias evidentes de pintores clásicos como un Sandro Boticelli o, mejor un Fra Angelico, con una estética que tiene mucho que ver también con el pintor simbolista Maurice Denis-Misterio católico, 1899 Musée Denis.

Sorolla subraya en esta obra la inspiración literaria. y el punto de vista ecléctico. la acumulación de elementos dispares y un decorativismo con resonancias bizantinas, todo ello perfectamente ambientado en  una atmósfera de misterio y poesía.

Sorprende más si tenemos en cuenta el hecho de que aquí el artista se muestra realmente anticipador, ya que lleva a cabo esta obra justamente un año antes de que apareciera en París el Manifiesto simbolista,firmado por el escritor Jean Moréas

Mercedes Tamara  

10 mayo 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

JARRÓN CON ROSAS DE ÉDOUARD MANET

JARRÓN CON ROSAS 1882

Jarrón con rosas de Eduard Manet
óleo sobre lienzo 55,9 x 34,6 cm
Colección Sterling Clark

Jarrón con rosas forma parte de la serie de pequeñas obras florales realizadas por Manet hacía el final de su vida , cuando la enfermedad le impedía trabajar en pinturas de mayor envergadura . Se piensa que Manet compuso este cuadro con un ramo de flores que le trajeron amigos y admiradores que  habían ido a visitarlo en el estudio de la rue d´Amsterdam de París , donde podía pintar ante el caballete.

En estos cuadros Manet  representó una notable variedad de flores-lilas, tulipanes, pensamientos, clemátides, peonías, rosas- que ordenó en varios jarrones de cristal ( los estudiosos han identificado siete ) de varias formas y  medidas . A pesar de su enfermedad, trabajó estas obras finales con tanta intensidad y brio que consiguió  algunos de sus resultados pictóricos más fascinantes.


Parece ser que esta tela data de finales del verano de 1882 , cuando el artista y su esposa alquilaron una casa en  Rueil. a las afueras de París , donde Manet , ya muy enfermo , se limitó a pintar escorzos de jardín o pequeñas naturalezas muertas de frutas o flores, por lo cual es posible que las rosas de la pintura fueran recogidas en el jardín  y no llevadas por amigos . El pesado  jarrón en forma de clepsidra es único en las pinturas de flores de Manet y  quizás perteneciera a la casa.

En esta composición se invierte el  esquema usual en el que el ramo de flores parece surgir con un estallido de un recipiente pequeño y delicado; aquí, en cambio, el jarrón domina el  lienzo , marcadamente vertical, lo que nos lleva a pensar que el reto del artista era sobre todo concentrar la luz que se refractaba sobre la  superficie curva del cristal y la sólida masa del jarrón situado encima de la mesa. El ramo, brillantemente realizado con un virtuosismo pictórico en el que  no se nota merma de habilidad técnica, se ha colocado sin muchas ceremonías. 


Esta informalidad y esta despreocupacion otorgan a la pintura su soprendente inmediatez , una escena de vida registrada con honestidad y franqueza , y con una  minima pretensión artística . La insistente simetria de la composición está compensada por la ligera inclinación hacía la izquierda del jarrón , que introduce dinamismo sutil , y por el capullo solitario de una rosa caida sobre la mesa , una metáfora conmemovedora  de la salud del artista .

Mercedes Tamara 

10 abril 2012

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

NADADORES DE JOAQUIM SOROLLA

NADADORES  1905 

Nadadores de Joaquim Sorolla
óleo sobre lienzo 90 x 126 cm
Museo Sorolla, Madrid

El verano que Sorolla pasó en Jávea en 1905, fue uno de sus momentos más felices y más productivos, en  los que el pintor llevó a cabo notables adelantos en el estudio de la refracción de la luz en el agua y de las secuencias en movimiento.


Se muestra realmente valiente al presentar a los niños nadando dentro de un agua rizada y transparente , afrontando el máximo desafío que suponía captar la figura en movimiento y la disolución , la descomposición y fragmentación de ésta en el medio líquido. Se hace maestro en el estudio de la anatomía infantil , sobre todo captada de forma dinámica : en el agua, que es energía que corre y fluye , transparente,con infinitos reflejos de verdes, azules,  amarillos y malvas.

El bote blanco 1905
óleo sobre lienzo 105x 150 cm
Colección particulae

En su marcha vertiginosa juega de tal modo con la " impresión "que los toques de pincel son cada vez más sueltos , pero, también más intencionados . Su mano apenas mezcla ya el color . Intuitivamente, el pincel recoge su carga de la paleta para depositarla en pinceladas exactas que se transforman al alejarse , en volúmenes y luces : aire, mar , cielo y tierra.

Detalle del El bote blanco

En estos cuadros donde, al fragmentar la pincelada por su obsesionante sed de luz, se asemeja en la forma, más que en el fondo , al impresionismo . El interés de la escuela francesa por el descubrimiento de la vibración atmosférica tiene mucho  que ver con ello . Uno y otros coinciden en un tema preferido : el apresamiento  de lo fugaz ; de las nubes y el agua  con sus reflejos movibles, culebreantes, indecisos, sobre los que, nuestro pintorhace importantes avances.

Nadadora 1905
óleo sobre lienzo 107,5x 180 cm
Museo Sorolla, Madrid

Al artista ya no le interesa la búsqueda del  detalle, sino el intento de apresar lo fugaz- luz, color y movimiento -en un todo, en el  que la luz y su velocidad , tienen la virtud  de poner a toda la naturaleza en movimiento. Se trata de una verdadera carrera contra  reloj , en la que es necesaria seguir la marcha del sol , resolver, siempre deprisa. la duda entre lo que es del todo necesario pintar y aquello otro que simplemente se  debe desvelar o apuntar , en un complicado proceso que requiere una intuición cercana a la genialidad.

Mercedes Tamara 

6 marzo 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

PAISAJE A LA ORILLA DEL MAR DE EDGARD DEGAS

PAISAJE A LA ORILLA DEL MAR  1892

Paisaje a la orilla del mar de Edgard Degas
monotipo en color al óleo y pastel sobre papel 27 x 36 cm
Neuchâtel, Musée d ´Art et d´Histoire

En el extenso corpus de obras de Degas , la pintura de paisaje es el género menos frecuentado por el pintor.Éste había ejecutado una serie de vistas a finales de  los años sesenta y vuelve sobre el tema , pasado más de veinte años, con una serie de paisajes en los cuales trabaja en el otoño de 1892 y que expone en la galeria Duran- Ruel con ocasión de una exposición individual .


El paisaje aquí publicado forma parte de esta segunda serie , en la cual repara el pintor italiano Giovanni Boldini en su visita a la muestra  Boldini que había conocido a Degas a comienzos de los años setenta , había comprendido la  importancia de sus investigaciones. Degas le sugiere puntos de vista con perspectivas múltiples que Boldini interpreta y desarrolla en sentido dinámico mediante una pincelada  que tiende , de un cuadro a otro, a alargarse cada vez más , como  si se convirtiera en una especie  de caligrafía pictórica .


El género paisajístico, al concluir el siglo , encarna la posibilidad real de llevar a cabo una interpretación lírica de la naturaleza, de expresar  el sentimiento que el hombre siente hacía el espectáculo natural . 


Semejante actitud testimonía, además que el método realista de la representación de la realidad es desde ahora considerado insuficiente por la mayoría. 

Por lo tanto,  en las elecciones artísticas contemporáneas se presenta una actitud que revalúa las  poéticas de lo fantástico y de lo oniríco , que nutren el simbolismo de un fin de siglo para el cual la pintura de paisaje se planea como uno de los géneros principales dentro del cual llevar a efecto con cambio de sensibilidad

Mercedes Tamara 

31 marzo 2012

Bibliografía : Degas : Edit Biblioteca El Mundo