VICENT VAN GOGH PINTANDO LOS GIRASOLES DE PAUL GAUGUIN

VICENT VAN GOGH PINTANDO LOS GIRASOLES 1888

Vicent van Goh pintando los girasoles
óleo sobre lienzo 73x 92 cm
Amsterdam, Museo Van Gogh

" Se me ocurrió la idea de hacerle un retrato mientras pintaba la naturaleza muerta que tanto  amaba , los girasoles . Y cuando lo terminé me dijo . " Soy yo mismo , pero después de volverme  loco " . Así comenta Gauguin trece años después , en Avant et Après , la génesis de este retrato, ejecutado poco antes de la conocida crisis de locura de Vicent , que escribiría un año después   a su hermano Theo : " Desde entonces mi cara se ha (...) serenado mucho, pero soy yo mismo,  sobremanera fatigado y lleno de tensión , como estaba en aquella época ".

  
Gauguin representa a Vicent sentado ante el caballete , pintando cinco girasoles que están en  un jarrón sobre una silla de paja. En la pared, detrás de él, hay un paisaje colgado . El artista ,  con la mano en el aire , parece estudiar el gesto que poco después trasladará al lienzo , observando el tema con los ojos entrecerrados.

Aunque sea precisamente ésta la expresión que Vicent asume cuando examina un cuadro, en  sus autorretratos no hay nada que nos prepare para la inquietante imagen plasmada por Gauguin. La cabeza parece casi deforme , con la frente baja e inclinada , el rostro y la nariz  aplastados , la mandibula prominente e hisurta con la barba roja. La mirada hace pensar en  un cuadro hipnótico.


La comprimida estructura de la composición crea tensión y una atmósfera amenazadora.  Gauguin parece observar a su modelo desde arriba , como sugiriéndole su propia superioridad . Resulta así una obra de una impresionante verdad psicológica . La agitación de Vicent, por  su parte, le exige sin duda un notable esfuerzo de paciencia , a la que es poco propenso. " La situación en la que me encuentro es un tanto difícil (....) Debo mucho a Theo van Gogh  y a Vicent , y a pesar de alguna diferencia no puedo enfadarme con un hombre tan bueno, que encima está enfermo, sufre y me necesita ".

Mercedes Tamara

15 agosto 2012

Bibliografia : Gauguin  Edit Biblioteca El Mundo

LOS JUGADORES DE CARTAS DE PAUL CÉZANNE 1895-1896

LOS JUGADORES DE CARTAS DE PAUL CÉZANNE 1895-1896

Los jugadores de cartas
óleo sobre lienzo 47 x 46 cm
Paris, Museo De Orsay

Entre 1892 y 1896 , Cézanne se ocupa en una serie de pequeños cuadros dedicados a jugadores   de cartas , tal vez sugerido por los Jugadores de cartas ( 1635-1640 ) de Louis Le Nain, obra   conservada en el museo de Aix. El pintor hace cuatro versiones del asunto : una con cinco    personajes, otra con cuatro , otra con tres y dos con una pareja de jugadores , muy similares   entre sí. Cézanne reflexionó sobre el tema durante mucho tiempo y antes de ponerse a pintar  ejecutó gran número de estudios . Parte de la crítica es de la opinión de que el pintor simplificó   progresivamente la composición , partiendo de los lienzos más poblados hasta llegar después  a los más simples, aun cuando hay quien ha avanzado la hipótesis de que Cézanne trabajó en  varios cuadros al mismo tiempo.

Esta pintura, la más pequeña de la serie, se halla probablemente entre las más tardías. Transmite la impresión de una intensa concentración por parte del pintor , de un trabajo  largo y continuo. En un ambiente angosto , sumariamente descrito , los dos jugadores, uno frente a otro, se dedican a una partida . Las posturas y gestos son perfectamente simétricos y en los rostros no hay la mínima intención de indagación psicológica. Una  atmósfera de suspensión invade toda la escena ." La fijeza del jugador que aguarda-  dice Giulo Carlo Argan-está definida por la forma cilíndrica del sombrero, que se repite en la manga, por la recta del respaldo de la silla, por las notas blancas de la pipa y el cuello " mientras que la " movilidad psicológica del otro ( el jugador de la derecha )  es mostrada por los colores más claros y sensibles a la luz de la chaqueta, del sombrero,  del rostro, y por la dirección , menos rígida y más ondulada , de los trazos ".

El pintor trabaja con el color y hace de él la verdadera " sustancia del espacio pictórico "   ya no es el " tono local relacionado con las cosas " sino que transforma el cuadro " en  un tejido de notas coloristas a las cuales el toque da una densidad y una dirección autónomas   con respecto a la forma de los objetos ".

Mercedes Tamara 

14 agosto 2012

Bibliografía : Paul Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo

BAILE EN EL MOULIN ROUGE, LA GOLUE Y VALENTÍN -LE-DESOSSÉ DE TOULOUSSE LAUTREC

BAILE EN EL MOULIN ROUGE, LA GOLUE Y VALENTÍN -LE-DESOSSÉ

Baile en el Moulin Rouge, La Goulue y Valentín -le-Desossé
óleo sobre lienzo 298x 316 cm
París, Musée d´Orsay

" Mi querido amigo , llegaré el 8 de abril , a las dos de la tarde ; mi barracón estará en el Trône , entrando a la izquierda tengo un sitio óptimo y me alegraría muchísimo si tuvieses tiempo de pintarme algo . Tienes que decirme dónde debo comprar los lienzos , así te los  daré ese mismo día " , escribe Golue a Lautrec el 6 de abril de 1895 , encargándole dos paneles que habrán de formar la fachada de su barracón en la Foire de Trônet , donde  la bailarina , ya en decadencia, se exhibe en la danza del vientre.

El espectáculo de la bailarina se presenta en abril y por eso el pintor ha tenido muy poco tiempo para hacer los dos paneles , que muestran en efecto una fractura muy rápida e inmediata : nacidos a modo de decoración efímera , serán recompuestos tras un desmebramiento en ocho partes, y de este modo milagrosamente salvados y actualmente están expuestos en el Musée d´Orsay.

"Golue " ( glotona ) es el sobrenombre de la alsaciana Louise Weber , que pasó de lavandera a bailarina y actriz , famosa por su apetito insaciable y por sus danzas endemoniadas , en especial por la quqdrille naturaliste ( derivada del célebre cancán ) que será la principal  atracción del Moulin Rouge a partir de 1890 . Gorda y cansada, en 1895 empieza para  ella una triste decadencia que la verá como florista en el Casino, luchadora en la Feria de Neuilly, domadora en el Juliano y en 1925 mujer cañón. Después de vivir en una chabola y trabajar como criada para todo un prostíbulo , muere en 1929 en el hospital Lariboisière,  el mismo año en que los lienzos de Lautrec le había pintado y que ella había cedido pronto entran a formar parte de las colecciones del Louvre : su valoración alcanza una cifra equivalente a cuatrocientos mil euros.

Mercedes Tamara 

13 agosto 2012

Bibliografía : Toulousse -Lautrec Edit Biblioteca El Mundo

EN EL INVERNADERO DE EDVARD MANET

EN EL INVERNADERO 1879

En el invernadero
óleo sobre lienzo 115x 150 cm
Berlin, Nationalgalerie

Es un retrato de pareja y representa a los esposos Guillemet , propietarios de un importante  negocio de moda; no tienen parentesco con el pintor que había posado para El balcón . De este cuadro toma Manet la idea de barandilla , esta vez duplicada , si bien con menos presencia que en el cuadro de diez años antes . La construcción del espacio es muy cuidada y la pesadez geométrica del banco tiene su contraste en la proliferación de plantas en segundo plano.


Éstas, que se alternan con las figuras, dividen la percepción horizontal del espacio , mientras que con su masa verde , tratada sin embargo como si fuese una tapicería , hace destacar de manera especialmente viva el amarillo de los complementos de madame Guillemet ,célebre por su belleza y su buen gusto. La aparente distancia entre ellos es desmentida por la proximidad de las manos , que introduce una atmósfera íntima.


Los invernaderos se habían convertido en un ambiente de moda en el Segundo Imperio y Zola los había transformado en lugares de encuentro amoroso en su novela de 1872 La cucaña , que no había dejado de suscitar escándalo . Manet expuso el cuadro en el Salón de 1879 , en el cual algún crítico maligno aludió a la asociación con Zola , aunque la escena no tenía nada de equívoco . Se expuso junto con En barca , en una deliberada contraposición social de las dos parejas. Manet había logrado tener un encuentro con el subsecretario de Estado para proponerle la adquisición pública de una de las dos telas o del apreciado Buen bock a fin de estar representado en el Luxemburgo, el museo de arte contemporáneo. La oferta, sin  embargo, no fue atendida y el Estado no compró nunca una obra del pintor en vida de éste.


A pesar de ello, es testimonio de la vitalidad de la obra y de su carácter evocador de una  época una reciente película adaptada de la obra de Oscar Wilde Un marido ideal en la cual se cita claramente el cuadro de Manet en una de las últimas escenas.

Mercedes Tamara 

10 agosto 2012 

Bibliografía : Edouard Manet , Edit Biblioteca El Mundo

LA PÉRGOLA DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

LA PÉRGOLA 1876

La Pérgola
óleo sobre lienzo 81x65 cm
Moscú, Museo Puskhin 

El cuadro corresponde a la época en la que Renoir está preparando el gran lienzo Baile en el Moulin de la Gallette : instalado en el lugar, estudia el ambiente , las luces, la fisonomía de las personas . En abril de 1875 alquila en la Rue Cortot de Montmartre un estudio compuesto por dos enormes habitaciones , un almacén donde acumular los cuadros terminados y un jardín. Seguidamente empieza a  trabajar en una serie de bocetos y estudios del Moulin de la Gallette , popular punto de encuentro y diversión de los parisienses.

La obra, antaño en la colección de Eugène Murer, muestra a un grupo de hombres bajo una pérgola , sentados a una mesa con una mujer y ocupados en hacerla beber y cortejarla, mientras los observa una figura femenina que, por semejanza del vestido y del peinado, podría ser Estelle , la modelo que posará en el primer plano del 

Baile en el Moulin de la Gallette. La escena es un ejemplo de esa pintura- que tanta fortuna tendrá pronto entre el público americano- que los críticos  definen como " impresionismo romántico " de Renoir, caracterizado por la  representación de amores burgueses: enamorados en un baile o en un jardín, escenas de género que figuran gratas reuniones de amigos , de fiesta en el  Moulin de la Gallette , en Borgival, en Chatou.

La expresión de los rostros y los detalles de las vestimentas se sugieren con pinceladas grandes y el fitrarse de la luz entre las hojas de los árboles se plasma con breves manchas que otorgan movimiento al cuadro. La mujer de espaldas que lleva un vestido blanco con franjas azules crea una especie de bastidos y con su sombrilla enmarca graciosamente la escena e introduce  al observador en la zona de la sombra donde se desarrolla el cortejo galante.

Mercedes Tamara

9 agosto 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo

EL PAYASO DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

EL PAYASO 1909

El payaso
óleo sobre lienzo 120x 77 cm
París, Musée de j´Orangerie

Después del retrato de su segundogénito Jean en traje de Pierrot ( 1902 ) Renoir dedica este cuadro a su hijo menor, Claude ( al que llaman Coco ) nacido en agosto de 1901 . La escena, cualquier cosa menos un espontáneo episodio familiar , está minuciosamente estudiada y se inserta en la línea de los retratos oficiales de autores como Veronés, Velázquez y Van Dyck. La primera referencia , sin embargo, es el Gilles de Watteau , del cual este cuadro es casi  una cita : el protagonista de la obra de Watteau es un personaje de aire melancólico , símbolo del artista incomprendido , pariente espiritual de los saltimbanquis y arlequines de Picasso . El Pierrot de Renoir no tiene, por el contrario, nada de esa tristeza : el pintor está fascinado sobre todo por el traje e interesado en la traducción pictórica del rojo.

La sobria estructuración de la imagen ( véase la columna del fondo habitualmente un atributo de quien ejercita un poder temporal ) sería adecuado para el retrato de un señor aristocrático, mientras que el modelo es la tierna figura de un niño disfrazado de payaso : no está muy claro si Renoir quería rendir homenaje a la retratística oficial -de la cual él mismo , si bien en forma diferente , ha ofrecido excelentes ejemplos- o hacer una parodia de ella.

En sus memorias ( Renoir - Souvenirs de mon père, París 1948 ) , Claude Renoir resume la génesis de la obra , vivida por él como un auténtico fastidio por la molestia de las calzas largas. Tras mucha insistencia y seductores ofrecimientos de su madre , que le promete un trenecito de madera y una caja de colores , " decidí ponerme las calzas de algodón durante unos momentos y mi padre-conteniendo la rabía que parecía que iba a estallar de un momento a otro -consiguió terminar el cuadro, a pesar de las continuas contorsiones que yo hacía para rascarme ".

Mercedes Tamara 

8 julio 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo 

MUJER DE AZUL DE PAUL CÉZANNE

MUJER DE AZUL 1904 

Mujer de azul
óleo sobre lienzo 88,5 x 72 cm
San Petesburgo, Museo Estatal del Ermitage

Una mujer de azul en una silla , con aire de fatigado abandono; la mano izquierda 

apoyada en una mesa ; la mirada absorta , cargada de triste melancolía . Se trata 

de uno de los últimos retratos femeninos realizados por Cézanne , ya al final de su 

trayectoria , quizá en el estudio de Lauves. 

La dama que posa para él no es Hortense, su esposa y modelo favorita . No tiene 

sus rasgos , pero sí los de la protagonista de un cuadro ejecutado por las mismas 

fechas , la Mujer con libro , hoy en Washington . Según Cachín, pudiera tratarse 

de madame Brémond , la gobernanta del pintor tan apreciada por éste , que vivía 

con él en la Rue Boulegon de Aix y tenía fama de ser una óptima cocinera. Émile 

Bernard la conoció cuando fue a Provenza , a casa del maestro en 1904, y percibió 

de inmediato el sincero afecto que la mujer profesaba al huraño pintor al que le 

toleraba con paciencia salidas chuscas como la de que " siempre pasaba junto 

a él sin rozarlo ni siquiera con la falda ".

El retrato que le dedica Cézanne posee un gran vigor expresivo. Su figura se  impone con una fuerza casi monumental . El pintor trabaja de manera refínadisima con el color, haciendo que las modulaciones cromáticas definan por si solas los volúmenes . Azul sobre azul , tono sobre tono : con sabios toques de rosa . Cézanne  destaca los puntos más salientes de la figura y con el negro sigue su perfil para  darle mayor consistencia plástica . La gama cromática es luminosa y viva : del  rosa el pintor pasa al amarillo claro y luego al verde esmeralda hasta llegar al  " tono local " dado por el azul cobalto al que encomienda la tarea de definir  parte del fondo . Ante una pared irreal y abstracta , la figura de la mujer se   recorta vigorosamente , merced también a la compleja perspectiva que le enmarca y la empuja hacía delante , hacía el primer plano, con ayuda de la  esquina de la mesa y su profunda diagonal , que parece proyectarlo todo más  allá de los estrechos límites del lienzo.

Mercedes Tamara 

6 agosto 2012 

Bibliografía : Paul Cezanne , Edit Biblioteca El Mundo