LA LECTURA EDUARD MANET

LA LECTURA 1865 -1873

La lectura
óleo sobre lienzo 65.5 x 73,5 cm
Museo De Orsay Paris 

La obra fue a parar a la colección particular de Winnaretta Singer, princesa Edmond de Polignac, donde permaneció hasta que en 1944, tras la muerte de la princesa, fue entregado como donación al Estado francés y depositado en el Museo del Louvre.

 En 1947, al igual que el resto de las obras impresionistas del museo, fue trasladado a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tulleríasy perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta 1986, momento en que, con la creación del Museo de Orsay, fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre. En la actualidad puede contemplarse en el Orsay, en la sala 31 del nivel 

En la obra dominan el color blanco del vestido de la mujer, el sofá y las cortinas, tratados con grandes pinceladas de gran luminosidad, en contrapunto con el tono oscuro del cinturón y el collar​ En opinión de Peter H. Feist, en este cuadro «Manet reacciona de manera más sensitiva que de costumbre y analiza especialmente las tonalidades de blanco que se ofrecen a sus ojos».La pintura representa a la esposa del artista, Suzanne Manet (Suzanne Leenhoff de soltera), sentada, y al hijo de ambos, Léon, de pie leyendo un libro. León fue un modelo recurrente para Manet, que lo retrató en varios cuadros, como El almuerzo, Niño con espada o Las burbujas de jabón.

En la obra Manet se muestra mucho más intimista en una escena familia en la que dominan el color blanco del vestido de la mujer, el sofá y las cortinas, tratados con grandes pinceladas de gran luminosidad, en contrapunto con con el tono oscuro del cinturón y el collar. En opinión de Peter H. Feist, en este cuadro «Manet reacciona de manera más sensitiva que de costumbre y analiza especialmente las tonalidades de blanco que se ofrecen a sus ojos»

Quizá el artista se viera influido por Whistler, algunas de cuyas obras se habían expuesto años atrás en el Salón de  París. Los trazos son muy sueltos y las pinceladas se aprecian claramente. La suave luz que penetra por la ventana, filtrada por los visillos, ilumina con mayor fuerza una parte del rostro de la dama y deja a la segunda figura en una zona de semipenumbra. La transparencia de las mangas del vestido está perfectamente conseguida, dejando de lado el estilo más duro de la Olympia o Desayuno sobre la hierba para ofrecer una imagen en la que predomina el abocetado. Quizá el contacto con los jóvenes impresionistas le provoque algún ligero cambio en su pintura. 

Mercedes Tamara

29-06-2018

Bibliografia .Wikipedia

MUJER CON CAFETERA PAUL CEZANNE

MUJER CON CAFETERA-1890- 1895

Mujer con cafetera
óleo sobre lienzo 130.5 x 96,5 cm
Museo de Orsay Paris

Una mujer madura se sienta junto a una mesa en la que hay una cafetera y una gran taza con su correspondiente plato y cuchara. Tras ella se aprecian los casetones de una puerta y la decoración floreada del papel pintado de la pared -influencia de la estampa japonesa-. La volumetría de la mujer es significativa, destacando la contundencia de su torso y brazos. La cabeza está tratada con maestría, reflejando la luz en su zona derecha para resaltar la carnación, igual que ocurre en las manos y en el vestido. De esta manera Cézanne demuestra su vinculación con el Impresionismo, reaccionando en busca de la forma y del color, sus máximos objetivos. La técnica empleada es rápida y violenta, con largos toques de pincel o espátula, sin descuidar el dibujo ni las formas geométricas, en una imagen muy atractiva.

La figura de la mujer es todo un bloque compacto en el centro y que ocupa gran parte de la tela. Pero su volumen protagónico en realidad viene determinado por el contorno, y también por las formas geométricas que delimitan su masa. Un tratamiento geométrico que también se manifiesta en las formas de los pliegues del vestido, o el contraste entre las formas rectas del fondo y las curvas del cuerpo.

Orden y geometría son constantes en las creaciones de este artista postimpresionista, así como también es muy habitual que en sus obras el color principal y más destacado sea el azul. Un protagonismo por su cantidad de superficie y también porque destaca especialmente al superponerse a los ocres espesos del fondo o compararse con el rojo pardo del mantel de la mesa.

Esa ambientación general también provoca que tengan una gran presencia dos objetos de relativo pequeño tamaño dentro del conjunto. Hablamos de la taza y de la cafetera pintada en tonos blancos. Estos objetos sobre la mesa, de alguna forma son como un cuadro dentro del cuadro, un bodegón a los que tan acostumbrados nos tiene la producción pictórica de Cezanne, con obra como por ejemplo Naturaleza muerta con escayola o La cómoda.

En todos esos bodegones vemos la importancia que le da a la geometría como elemento constructor del espacio. Sus bodegones siempre se han considerado como el principio del Cubismo, pero en este caso todo el cuadro lo podemos catalogar como precubista.

Mercedes Tamara
24-06-2018

Bibliografia .Guía del Arte 

Una mujer madura se sienta junto a una mesa en la que hay una cafetera y una gran taza con su correspondiente plato y cuchara. Tras ella se aprecian los casetones de una puerta y la decoración floreada del papel pintado de la pared -influencia de la estampa japonesa-. La volumetría de la mujer es significativa, destacando la contundencia de su torso y brazos. La cabeza está tratada con maestría, reflejando la luz en su zona derecha para resaltar la carnación, igual que ocurre en las manos y en el vestido. De esta manera Cézanne demuestra su vinculación con el Impresionismo, reaccionando en busca de la forma y del color, sus máximos objetivos. La técnica empleada es rápida y violenta, con largos toques de pincel o espátula, sin descuidar el dibujo ni las formas geométricas, en una imagen muy atractiva.

EL BAILE DE LAS CUATRO BRETONAS PAUL GAUGUIN

 - El baile de las cuatro bretonas óleo sobre lienzo 73 x 98 cm
Neue Pinakothek - Múnic

Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y Camille Pissarro .

Desarrollo Los cuadros de bretones habían cosechado bastante éxito en el Salón de París en los últimos años de la década de 1880. Gauguin, que estaba en Pont-Aven en 1888, decidió emplear a las bretonas como protagonistas de sus lienzos

. Así surgen escenas como Cuatro mujeres bretonas o este baile, en el que el pintor ha recogido el momento de la danza de la recolección de la paja. Contemplamos a tres niñas en diferentes posiciones agarradas de las manos, interesándose Gauguin por representar los tocados de las pequeñas mientras el resto del cuadro aparece con un mayor abocetado. La paleta del pintor se aclara a marchas forzadas, dando paso a tonalidades más personales con las que transmite su estado de ánimo y sus sentimientos.

Mercedes Tamara

22-06-2018

Bibliografia : ArteHistoria

TEJEDOR EN EL TELAR VICEN VAN GOGH

Tejedor en el telar
óleo sobre lienzo 70 x 85 cm
Museo Kroller MullerA

Esta obra forma parte de la serie dedicada por Van Gogh a los tejedores en los primeros meses de 1884, durante su estancia en la casa familiar de Nuenen. En ella critica la situación laboral de estos hombres tomando contacto con las teorías socialistas y anarquistas. 

El tejedor se presenta totalmente abstraído en su trabajo, ante la inmensa mole de la máquina que ocupa la mayor parte de la superficie, insertado en ella como si fuera una parte más de su mecanismo

. Una pequeña lámpara en la zona derecha nos indica el trabajo nocturno aunque la silueta del hombre y el telar se recortan sobre un fondo claro que sugiere una luz natural. Lo anecdótico ha sido suprimido para presentar al trabajador como un héroe, identificándose Vincent con él. Las tonalidades oscuras dominan una composición en la que las líneas horizontales y verticales organizan el conjunto. Las pinceladas rápidas y empastadas típicas del maestro se aprecian con contundencia, expresando sus sentimientos de solidaridad y rabia por la situación de la clase obrera en los años finales del siglo XIX.

Mercedes Tamara

20-06-2018

Bibliografia ArteHistoria 

AUTORRETRATO VICENT VAN GOGH

AUTORRETRATO 1886-1888

Autorretrato
óleo sobre lienzo 42 x 34 cm
Art Institute of Chicago 

Van Gogh realizó en su vida numerosos autorretratos Durante los años 1886 a 1888 se cuentan veinticuatro . La insistencia en representar su propia imagen es todo un síntoma de la preocupación retrospectiva del artista .

El cuadro, constituye , ante todo, un extraordinario estudio psicológico , representando su imagen en tres cuarto de perfil , el rostro se halla dominado por la profunda e inquietante expresión de los ojos, inflamados con las pinceladas llameantes que los contornean , las cuales aparecen ascender de la barba rojiza .

La materia pictórica fue aplicada en forma de trazos lineales y puntos de notable relieve que desempeñan un papel expresivo fundamental . Las características técnicas de este Autorretrato revelan la admiración de Van Gogh por las series puntillistas de Seurat y Pissarro , pintores con los que mantuvo relación directa con ellos durante el período de residencia en casa de su hermano Theo .

Su método , sin embargo, no es ortodoxo, puesto que la utilización de trazos paralelos -por ejemplo para la construcción de los cabellos , barba y modelado del rostro -confieren a la obra un efecto expresivo y emocional inalcanzable por el puro procedimiento divisionista de Seurat , mucho mas técnico que el del Van Gogh, en el que prima la expresión en detrimento de la técnica pictórica . Se cree que esta técnica responde perfectamente a la tradición pictórica neerlandesa , puesto que se halla en la linea de Hals y Rembrandt 

Mercedes Tamara

18-06-2018

Bibliografia : Van Gogh ,Edit Taschen

LA SEÑORA MATISSE CON MANTÓN HENRI MATISSE

LA SEÑORA MATISSE CON MANTÓN

LA SEÑORA MATISSE CON MANTÓN
óleo sobre lienzo 112 x 89 cm
Museo de Basilea

La enseñanza de Gauguin se refleja en esta obra de Matisse en la que la modelo de la obra es su propia esposa En esta línea inicial del fauvismo debemos incluir este retrato de la esposa del pintor, En La señora Matisse con mantón prevalece el interés por la construcción de la figura  a base de manchas de color plano delimitadas por lineas de contorno.

El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a Cèzanne. o. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse.

El efecto final es similar al que producen algunos cuadros del artista que en apariencia , la técnica de ejecución de la pintura es muy burda a base de retículas parecidas a la de una vidriera . También es patente en este lienzo la influencia sobre Matisse del arte africano , a la que se debe , por ejemplo, la configuración del rostro del personaje , tallado en planos muy simples que son reforzados en planos muy simples que son reforzados por lineas vigorosas. 

Mercedes Tamara

16-06-2018

Bibliografia Henri Matisse , Edit Taschen

CAMPO DE TULIPANES VICENT VAN GOGH

CAMPO DE TULIPANES 1883

Campo de tulipanes
óleo sobre lienzo 48 x 65
The National Gallery of Art. Washington.

Los paisajistas de la Escuela de La Haya supondrán la primera influencia para el joven Vincent, especialmente su tío Anton Mauve. Las vistas de la campiña holandesa tendrán un considerable éxito en el mercado artístico de fines del siglo XIX y a Van Gogh ya le habían llamado la atención durante su trabajo en la galería Goupil, ejecutando un buen número de ellas en estos años de La Haya. 

Las vistas de la campiña holandesa eran uno de los temas favoritos a la hora de decorar los hogares; Conocedor de este dato Vincent realizó varios paisajes de este tipo bajo la influencia de los paisajistas de la Escuela de la Haya, en especial de su tío Antón Mauve, con el que estudió dibujo y pintura. 

Apreciamos como paulatinamente se va introduciendo el color en la producción del holandés, observándose una pincelada obtenida a base de pequeñas manchas de vivas tonalidades. A pesar de la casi ausencia de dibujo en la composición, es suplido gracias al realismo con el que está captada la vista, donde las nubes - creando un admirable sensación de movimiento - adquieren un importante papel.

En esta obra podemos apreciar como el color va introduciéndose en la obra de Van Gogh, la pincelada se obtiene a base de pequeñas manchas, la imagen está tomada con un realismo absoluto donde las nubes dan una sensación de movimiento a la obra.

Mercedes Tamara

11-06-2018

Bibliografia ForoXerbar