LA BELLA ANGELA PAUL GAUGUIN

LA BELLA ANGELA 1889

La bella Angela
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
Paris, Museo de Orsay

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor postimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en su tiempo en la cultura occidental.

Esta dama vestida con el traje regional de la Bretaña es Angèle Satre , la mujer del alcalde de le Pouldou . Para romper cualquier relación entre "la modelo y la maldita naturaleza " como le comentó el propio Gauguin a Bernard en una carta , el pintor encerró a la mujer en un óvalo cortado parcialmente por el encuadre, de tal forma que el retrato queda aislado del fondo.

Gauguin no buscaba una representación realista lo que pretendía más bien era aunar formas simples con colores intensos . Como resulta fácil de imaginar , el retrato de Angela gustó muy poco en la época . Al fondo aparece una pieza de cerámica realizada por el pintor , con lo que la obra queda sí doblemente firmada.

El hecho de incluir el título en el propio cuadro supone una novedad , que se convirtió más tarde en costumbre en las obras que Gauguín pintó en Tahití

Mercedes Tamara ( autora )

24-05-2015

LA SEÑORA CHARPENTIER CON SUS HIJOS PIERRE-AUGUSTE RENOIR

LA SEÑORA CHARPENTIER CON SUS HIJOS 1878

La señora Charpentier con sus hijas
óleo sobre lienzo 153,6 x 190 cm
The Metropolitam Museum Nueva York

La relación entre el editor Georges Charpentier y Renoir fue especialmente estrecha. Charpentier heredó una exitosa editorial, ampliando los resultados económicos de la misma gracias a su habilidad para descubrir nuevos talentos como Flaubert o Zola. Se casó con Marguerite Lemonnier en 1872, una joven de buena familia cuyo padre había sido un gran mecenas, protegiendo a Gericault y Delacroix

En la obra que nos ocupa,Renoir ha colocado  en la pared del fondo a espaldas a los tres personajes ;  llama la atención una serie de paneles decorativos de gusto oriental entre los que solo puede identificarse del de la esquina superior izquierda con los pavos reales . La actitud de la señora Charpentier que ocupa toda la parte central del cuadro , es de cariño y protección hacía sus dos pequeños , a quienes mira con una mezcla de dulzura y orgullo materno satisfecho. En la parte izquierda del cuadro Renoir representó a los dos hijos de la señora Charpentier . La que está sentada sobre el san Bernardo es Georgette , nacida en 1872 . El del sofá es su hermano Paul , nacido en 1875, cuyo padrino era ´Emile Zola. Los tirabuzones rubios y el vestido idéntico al de su hermana mayor, hacen que parezca una niña.

Merece destacar la belleza del bodegón de la esquina superior derecha , ejemplo de supremacía de los colores vivos y palpitantes , sobre el dibujo , 

La composición está estructurada con maestría, recordando las obras clásicas al ubicar a la madre en la zona central de la escena, equilibrando las figuras de las niñas en la izquierda con la mesa y la silla del fondo. Al mismo tiempo, los diferentes elementos se colocan en planos paralelos para crear el efecto de profundidad, a través de una acentuada diagonal en perspectiva. Las tonalidades también están dispuestas de manera estructurada, creándose interesantes contrastes entre los tonos negros y los claros. Si bien la pincelada es rápida y fluida, encontramos una importante dosis de dibujo y modelado que no se halla en los paisajes de estos años.

Mercedes Tamara ( autora )

21-05-2015

Bibliografia : Renoir Edit Biblioteca El Mundo 

LA SIEGA VICENT VAN GOGH

LA SIEGA 1888

La siega
óleo sobre lienzo 72, 5 x 92 cm
Museo Riljkmuseum , Vicent van Gogh, Amsterdam

Nada más llegar a Arles, el 29 de febrero de 1888, Van Gogh salió a explorar los alrededores de la pequeña ciudad provenzal en busca de localizaciones para sus cuadros. 

Uno de estos cuadros lo título La siega , que, a diferencia de otras pinturas dedicadas a este tema donde no parecía ningún ser humano , en éste aparece la figura diminuta de un campesino que contrata con los otros elementos enormes del lienzo 

La siega es una obra espléndida , el campo se abre en toda su solemnidad y majestad , con un aliento vasto que revela la perfecta consonancia entre el artista y el mundo rural. Si la primavera de Arles le dio a conocer los colores delicados de las flores , el verano fue una auténtica explosión de la luz solar. A Van Gogh le gustaban mucho los trigales , que también pintó en Saint- Rémy y Auvers .

El espacio está subdividido en franjas horizontales regulares que se pierden en el fondo donde surgen las colinas , de colores más apagados y opacos que contrastan con el azul de un cielo límpido y sin nubes. Las tonalidades amarillas de los campos están punteadas por otros colores como el blanco y el naranja de las casas , presencia sólida y reconfortante de la iconografía del artista holandés.

Aparte de pintar un tema tan querido para él , como el trabajo en el campo , le brindaban un símbolo del eterno ciclo vital de la naturaleza En el dibujo y en el uso de los colores Van Gogh puso en práctica las enseñanzas de los impresionistas , aunque Van Gogh reconoció haberse inspirado en los cuadros de Salomon Kunink, un alumno de Rembrandt 

Mercedes Tamara ( autora )

19-05-2015

Bibliografia : Impresionismo Edic Taschen

LA CLASE DE DANZA EDGAR DEGAS

LA CLASE DE DANZA 1873-1876

La clase de danza
óleo sobre lienzo 85 x 75 cm
París Museo de Orsay

Hacía 1874, Degas empezó a especializarse en los cincos temas que iban a caracterizar toda su obra : las carreras de caballos, las planchadoras y las lavanderas, las cantantes de café y las modistas , las bailarinas de ballet y las mujeres en el baño .

La clase de danza es su primera obra maestra dentro del campo temático de las bailarinas de ballet , el más frecuente en su carrera. Paradójicamente el ballet francés experimentó un gran retroceso justo en los años en que Degas fue cronista. Atrás quedaba la gran época del ballet romántico , que se prolongó desde finales de la década de 1820 hasta la década de 1860 . La danza no volvió a vivir un momento de parecido esplendor hasta los años veinte con la creación de los ballets rusos.

La clase de danza de Degas hace referencia a la gloria pasada de este mundo . En medio del cuadro se ve el profesor Jules Perrot rodeado de alumnas . Perrot era una estrella de la Ópera de París , que había triunfado como bailarín, coreógrafo y profesor de danza en ciudades como Londres y San Petesburgo . La respetuosa distancia que separa a las alumnas de su maestro consigue realzarle en medio de la enorme sala . Degas reprodujo en sus cuadros de bailarinas escenas de las clases de ballet y los ensayos , pero muy raramente de las representaciones . Con sus imágenes de entre bastidores el pintor ofrece una mirada intima al fascinante mundo del ballet. Los detalles delicados y descriptivos , como la jarra para humedecer el suelo abajo a la izquierda , la bailarina situada sobre el piano se rasca la espalda , el abanico transparente de la muchacha del primer plano o la madre que abraza y consuela a su hija , no son nunca casuales , sino elementos cuidadosamente calculados por Degas

Mercedes Tamara ( autora )

14-05-2015

Bibliografia : Degas, Edit Biblioteca El Mundo

COSECHA EN MONTFOUCAULCAMILLE PISSARRO

COSECHA EN MONTFOUCAUL 1876

Cosecha en Montfolcaut
óleo sobre lienzo 65 x 92,5 cm
París, Museo de Orsay

Camille Pissarro ( St-Thomas, Antillas 1830-París 1903 ) era uno de los mejores  pintores impresionistas . En 1885 ingresó en la Academia Suiza de París. Su pintura de paisajes y de escenas bucólicas manifiesta la influencia de Coubert y de Corot , pero es expresión al mismo tiempo de una tendencia al impresionismo que en 1874 le llevó a un enriquecedor intercambio con Cézanne en Pontoise .

Durante una época Pisarro abrazó la estricta sistemática puntillista , pero en 1890 regresó a su estilo anterior . Aunque su obra tiene muchas reminiscencias de otros autores , muestra también un clara impronta propia. Junto a Monet y Sisley, Pissarro fue uno de los principales representantes del impresionismo y el único que participó en todas las exposiciones colectivas.

En su obra Cosecha en Montfolcaut pintó además de este bello paisaje campestre a figuras que parece ser vivían y trabajaban en ellos . Sus  personajes, al contrario que las de Monet y Renoir , no son ciudadanos acaudalados que pasan el fin de semana en contacto con la naturaleza sino campesinos y campesinas , pastores y pastoras . Y a diferencia de los personajes de Millet , las de Pisarro no están idealizadas , sino que se integran en el paisaje con sus poses naturales.

No existe ninguna jerarquía visible en los cuadros de este artista : ni la naturaleza es más importante que sus moradores, ni viceversa . Ambos elementos son tratados por igual, con las pinceladas sueltas con las que el pintor plasmaba la impresiones que le producía el paisaje . La figura de la mujer situada a la derecha de esta composición es la quintaesencia del talento artístico de Pissarro. Por medio del color el artista funde en ella el campo, los árboles, el cielo y las nubes.

Mercedes Tamara ( autora )

1-05-2015

Bibliografia : Pissarro, Edic Taschen

AL AIRE LIBRE RAMÓN CASAS

AL AIRE LIBRE 1890 .1891

Al aire libre
óleo sobre lienzo 51 x 66 cm
Barcelona, Museo Nacional de Arte de Cataluña

Casas mostró su talento artístico cuando todavía era muy joven . Aún iba al colegio, pero además tomaba clases de pintura en la Academia Vicens de Barcelona. En París ingresó en el taller de Carolus-Duran , cuya concepción artística oscilaba entre el academicismo y el impresionismo , en Casas se impuso la influencia del impresionismo , frente a los métodos de su maestro.

El cuadro Al aire libre , pintado en Montmatre en sus años parisinos , es muy contenido en sus tonos cromáticos y se basa sobre todo, en el color negro, de clara tendencia española. La libertad de la pincelada , que se aprecia sobre todo en la reproducción abocetada del segundo plano , así como el tratamiento plano del espacio , renunciando a una académica construcción de la perspectiva, muestran a Casas sin embargo como un aventajado alumno del impresionismo.

Exhibida en la Exposición General de Bellas Artes de Barcelona del año 1891, Casas había pintado esta obra el año anterior en París. En esta etapa ya estaba confirmado el estilo del pintor con luces muy tamizadas y tenues que reflejaban la inmediatez de la pintura en "pleno aire" con figuras bien delimitadas pero evanescentes. Lo que más destaca en el cuadro, con el cual Casas obtuvo el primer éxito significativo en Barcelona, es su compleja composición espacial: los tres términos de profundidad están señalados por la línea rota que une la silla vacía en primer plano, la figura femenina que se encuentra sentada delante del velador y la masculina en el fondo. Como Degas, el encuadre acusa claras influencias de la fotografía, y el motivo, con la relación no explicada entre los dos personajes, resulta envuelto en un halo misterioso y poético, muy del gusto de cierta pintura de final de siglo en la cual Casas estaba inmerso.

Mediante el contraste elemental del blanco y el negro y la acentuación de lineas aisladas , el cuadro transmite al mismo tiempo una fuerte instantánea gráfica . Por eso no es extraño que Casas mantuviera un estrecho contacto con Toulousse- Lautrec, y que sus carteles y dibujos aparecieran en público. Hay que destacar en este sentido sus cerca de 300 retratos al carboncillo de famosos de su época, que lo delatan como un extraordinario retratista . En España, pintó , además de paisajes , numerosas escenas costumbristas, en las cuales carga más el elemento folclorístico que en los efectos de la luz y el color. 

Mercedes Tamara ( autora )

27-04-2015

Bibliografia : Wikipedia 

MUJER RECOSTADA ARMAND GUILLAUMIN

MUJER RECOSTADA 1877

Mujer recostada
óleo sobre lienzo 49 x 65 cm
París, Museo de Orsay

Armand Guillaumin (Moulins, 16 de febrero de 1841 – Orly, 26 de junio de 1927), fue un pintor y grabador francés de estilo impresionista. Mientras otros maestros de su círculo (como Renoir y Cézanne) abandonaron pronto el impresionismo puro y conformaron estilos más personales, Guillaumin se mantuvo fiel a los rasgos más reconocibles de dicha corriente y es considerado de hecho «el impresionista más fiel y longevo».

A pesar de que este pintor participó en seis de las ocho exposiciones colectivas que celebraron los impresionistas y de fue amigo de Pissarro y Cézanne , su obra, al contrario que las de éstos, han caído en el olvido

El cuadro Mujer recostada , exhibido en 1877, en la tercera exposición impresionista , es una de las pocas obras en las que el artista muestra figuras, ya que siempre tuvo predilección por los paisajes. La pintura representa a una mujer con el pecho desnudo y recostada sobre la cama con el rostro y el cuerpo  vueltos hacía el observador. Tiene la cabeza apoyada sobre la mano derecha y baja los ojos en actitud soñadora , evitando así enfrentar su mirada melancólica con la del público que la observa, La modelo emana un sentimiento de tristeza , que impregna el sobrio escenario pintado principalmente en azules y grises . Sólo confieren una nota de luminosidad a la tristeza de la escena el abanico que sostiene la mujer en su mano izquierda y las cortinas estampadas que flanquean la cama.

Mercedes Tamara ( autora)

26-04-2015

Bibliografia : Atlas del Impresionismo