PESCADORAS VALENCIANAS DE JOAQUIM SOROLLA

PESCADORAS VALENCIANAS 1915

Pescadoras valencianas 1915
óleo sobre lienzo 201x 133cm
Museo Sorolla, Madrid

SOROLLA , como siempre impaciente por captar ideas y realidades , recorre, desde los inicios de 1912 , gran parte de España , recogiendo notas , estudios y datos para la realización de los distintos paneles destinados a la Hispanic Society . Serias dificultades le impiden seguir trabajando en Cataluña y en Valencia , como era su deseo , y así decide descansar , durante el mes de junio en la playa de Valencia.

El tema de la obra que aquí nos ocupa es, en realidad , una nueva versión de la ya conocida iconografía de la pesca, tan frecuente en el artista y que tantos éxitos le proporcionó . Introduce esta temática en su producción tempranamente , en el año 1894 con el lienzo La vuelta de la pesca

Concretamente con esta iconografía de las mujeres pescadoras , llevó a cabo varias versiones en el año 1903 y 1904 , entre las que destacan las que se encuentran hoy en la Diputación Provincial de Valencia y en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana y la que aquí vemos , ya del año 1908 , con una paleta de tonalidades fuertes y deslumbrantes.

Pescadora con su hijo 1908
óleo sobre lienzo 90,5 x 128,5 cm
Museo Sorolla, Madrid 

Al año 1916 le corresponde la última versión del tema, lo que demuestra que para el valenciano el " motivo " era lo de menos , sumergido como estaba en la " caza " de los reflejos de la luz. En la obra Sacando la barca , Sorolla unifica dos temas utilizados individualmente con anterioridad : la vuelta de las embarcaciones y las pescadoras esperando en la playa .

Se trata de un cierto recrudecimiento regionalista, o si se quiere costumbrista, que tanto desarrollo tuvo en la pintura española desde mediados del siglo XIX . También en esta linea se había movido , entre otros, John Singer Sargent , cuando pintó su maravilloso cuadro de temática muy similar  titulado Las recolectoras de ostras de Cancale ( Corcoran Gallery of Art , Washington ), en 1878- con varios estudios a lápiz y al óleo y una versión  muy parecida que se conserva en el Museum of Fine Arts de Boston

Pescadora valenciana 1916
óleo sobre lienzo 46x37 cm
Colección particular

 En este caso la composición se centra en tres figuras de pescadoras -dos de ellas sujetando con los brazos dos grandes cestas de mimbre -a la espera del regreso de las barcas , para recoger  el pescado y poder comercializarlo posteriormente. Visten inmaculados trajes que hacen de pantalla donde la luz se refleja , jugando, muy sabiamente , con zonas fuertemente iluminadas y en sombras . En cada una de estas variantes , como en una sinfonía , Sorolla maneja una paleta  diversa, diferente iluminación y atmósfera.

Sacando la barca, playa de Valencia 1916
óleo sobre lienzo 100x120 cm
Colección particular

El pintor se afirma consistente, con mucha fuerza, apoyándose en un sólido dibujo y en la contundencia de los personajes, caracterizados por su monumentalidad , única herencia  palpable de la decoración norteamericana . La presencia de figuras de tamaño natural , muy vinculadas con la decoración de las Hispanic Society , se pueden también detectar en algunos lienzos del año 1909, como Paseo a orilla del mar o El baño del caballo ,que pueden considerarse antecedentes directos de los paneles y también de este lienzo.

La fuerte luz del ocaso potencia todavía más la composición -realzando sombras y formas- dramatizándola, rozando casi la distorsión del color que se manifiesta con una paleta  cegadora, que parece tener la cualidad de provocar el deslumbramiento del espectador 

                            Mercedes Tamara 

                           2 julio 2012

                  

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

ESCENA HISTÓRICA DE JOAQUIM SOROLLA

ESCENA HISTÓRICA 1887

Escena histórica
óleo sobre lienzo 38,5 x 54,5 cm
Colección particular

Estos cuadros constituyen una muestra abundante del tipo de pinturas que solía practicar el joven Sorolla en estos primeros momentos : un anecdotismo detallista y castizo , a veces del género  del casacón , inserto en el más tópico fortunysmo.

El ejemplo de los grandes nombre del artista del seiscientos , dio origen a una tendencia pictórica que quería -tratando de recoger parte de su prestigio -reflejar la técnica e incluso la temática .Esta tendencia setecentista encontró en Mariano Fortuny a uno de los grandes representantes ,teniendo en Francia notables cultivadores como Claudius Jacquand, Hégesippe -Jean Vetter o, por encima de todos Ernest Messonier.

La brillantez del atuendo de los mosqueteros , sus blancas gorgueras , eran temas de moda  entonces por las novelas de Alexander Dumas padre y significaban además , en Francia - lugar donde proliferaron y desde donde se expandieron -el rescoldo de una época - la de Luis XIII y Luis XIV - de grandeza política y cultural de aquel país . Eran, además, temasadecuados para exhibiciones sobre el virtuosismo de los pintores.

Pasando el rato  1888
óleo sobre lienzo 21,7 x 30 cm
Colección particular 

En el panorama español se destacó también en esta temática el catalán radicado en París, Roman Ribera quien, a través de Goupil , el más potente marchante de esa época , imponía sus óleos en Europa y en América . Lo mismo le ocurrió a Francisco Domingo , cuya gran facilidad y perfecta técnica le llevaron a mantenerse cómodamente en los circuitos comerciales que le daban bienestar económico, mientras los artistas más inquietos de esa época - como  los impresionistas-luchaban aún penosamente por imponer una linea estética , que con el  tiempo desplazaría por completo a la que Domingo siguió.

El monaguillo 1888
óleo sobre lienzo 45,2x 88,2 cm
Colección particular

Este cuadrito , pintura característica del género del " casacón " sigue claramente a Francisco  de Domingo y muestra todos los elementos de su particular lenguaje pictórico . Lo deshecho de su factura , fogosa y chispeante , a favor de una mayor expresividad colorista y su captación  de la luz , con toques rápidos y menudos para modelar las figuras , explican el éxito de estas pequeñas escenitas entre la clientela burguesa y adinerada de su tiempo.

Mercedes Tamara 

1 julio 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

EL PALAZZO CONTARINI DE CLAUDE MONET

EL PALAZZO CONTARINI 1908

El Palazzo Contarini

óleo sobre lienzo 92 x 81 cm

Colección privada

Durante en el viaje que Monet realiza a Venecia en 1908 surgen sublimes tapices cromáticos  de una abstracción tal que ya nada tiene que ver con la pintura instantánea de Impresión .  Siguiendo la invitación de una amiga del pintor inglés John Singer Sargent, Monet y Alice  Hoschedé , ya casados , pasan dos semanas en el Palazzo Barbaro, un palacio renacentista 

situado en el Canal Grande.. 

Los primeros días pasaron volando sin que Monet realice trabajo alguno. Pasea por las estrechas callejuelas y ya en góndola por los pequeños canales , se imbuye de la atmósfera  de la ciudad y medita . Visita los museos e iglesias de Venecia y en estos lugares estudia  las obras de Tiziano, Giorgione y el Veronés , de los grandes coloristas venecianos que le influirán más tarde en sus propios cuadros . 

La sublime atmósfera de la ciudad le parece intraducible . Pero de pronto y siguiendo un impulso  Monet toma su caballete y su paleta en el Canal Grande y ante el palacio ducal pinta como un  poseso , siguiendo un riguroso horario : se levanta a las seis de la mañana y pasa dos horas ante cada motivo . 

Los intérpretes gustan de referirse a los cuadros de Venecia como " piezas mágicas de colorido  incandescente " y esta pintura El Palazzo Contarini parece en efecto, salida de un romántico  cuento de hadas o de un poema simbolista . Al igual que la niebla de los cuadros invernales de Londres , aquí la luz es avivada por los reflejos chispeantes de la ciudad de las lagunas , no  existen en otros lienzos de otros autores, momentos de una intensidad tan luminosa como los  que Monet retiene en sus cuadros . Monet roba a los cuadros la espontaneidad , el carácter  de boceto , transformándolos en elaboradas fantasías pictóricas . 

El Palazzo Contarini posee un velo azul y nácar de neblina y reflejo : son más recuerdo y  visión que la experiencia visual de un motivo.Lo que ya despuntaba en las series de los  almiares , de los álamos y de la serie de catedrales de Rouen , se muestra ahora con toda  plenitud : en este cuadro Monet se ha convertido en simbolista que celebra aquí las nupcias entre nieblas y arquitetectura , entre materia y atmósfera , entre piedra y luz. 

Mercedes Tamara 

30 junio 2012 

Bobliografía ; Claude Monet , Edit Biblioteca El Mundo

                        El Impresionismo, Edic Taschen

AUTORRETRATO CON LA OREJA VENDADA DE VICENT VAN GOGH

AUTORRETRATO CON LA OREJA VENDADA 1889

Autorretrato con la oreja vendada
´´Oleo sobre lienzo 60x 49 cm
Londres, Courtauld Institute Gallery 

Después del trágico episodio de la autoamputación de la oreja, Vicent , en lugar de hacerse   curar , se quedó encerrado en su habitación . Una vez recuperado tras dos semanas de hospital ,pintó en varios lienzos su autorretrato con la oreja vendada. La versión londinense se basa en  un acorde de colores fríos . Vicent se ha representado evitando la frontalidad y poniendo el acento en el conspicuo vendaje . Su mirada , en un momento de notable abatimiento. rehuye el contacto directo con el espectador . 

Las pinceladas se deshace en pequeños trazos de  dirección vertical, y es interesante observar , aunque Vicent no se remite a tales teorías ,que precisamente en esa época histórica la tratadística científica estaba estudiando la  expresividad figurativa de los estados de ánimo , asociando a las lineas verticales la  sensación de tristeza. 

Hace de fondo de la figura una pared pintada de verde , ante la cual son visibles la parte  vertical de un caballete el cual está fijado en un lienzo apenas abocetado y una de sus estampas  japonesas , que el artista había empezado a coleccionar en Auvres y que en el período de  Arles eran uno de sus principales fuentes de inspiración. 

En este cuadro , el artista está casi irreconocible . Tiene el rostro demacrado y la pincelada  traza una linea accidentada , como si se detuviese a seguir cada hueso . La chaqueta abrochada  y el gorro contribuyen a dar la imagen de un aspecto cerrado , introduciendo un elemento  de distancia entre la figura y el ambiente que le rodea. Van Gogh hablaba con serenidad de  las condiciones en que estaba, dándose cuenta de que le infundía miedo la gente. 

Mercedes Tamara 

28 junio 2012 

Bibliografía _ Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo

                         Gran Atlas del Impresionismo , Edit Electa

CEBOLLAS DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

CEBOLLAS 1881

CEBOLLAS
óleo sobre lienzo 39,1x 60,6 cm
Colección Sterling Clark

A comienzos de 1881 , el marchante de arte Paul Durand Ruel comenzó a comprar las pinturas de Renoir , con asiduidad, dando al artista de cuarenta años , la libertad financiera para emprender un extenso viaje por Italia durante el cual pintó Cebollas ,a fines de noviembre , en Nápoles  . En Italia Renoir pudo estudiar las obras de los antiguos maestros y afinó su técnica para representar formas tridimensionales . Las siluetas redondeadas de las cebollas se ven realzadas por las sorprendentes pinceladas  diagonales paralelas del fondo , un rasgo  característico del estilo de ese período . 

Renoir da a las cebollas y a los ajos una notable y viva textura . Colocadas de forma despreocupadas encima de la mesa , en parte sobre un arrugado mantel de bordes rojos y azules , las cebollas adquieren fuerza gracias a su precaria ubicación , sutiles colores , reflejos y curvas . La pincelada amplia y el enfoque intimista sitúan esta obra directamente  en el cauce impresionista . El ritmo de la composición es dinámico , las formas de cebollas y ajos desde diferentes ángulos crean una animación acentuada por las pinceladas y la  tonalidad general de la tela , aracterizada por un inteligente equilibrio entre los cálidos rojos, amarillos y rosados de cebollas y los matices más suaves y frescos del fondo.

A diferencia del elaborado bodegón con peonías pintado hacía 1880 Cebollas es deliberadamente relajado e informal . No sabemos si esto se debe al sentimiento de haberse liberado en ese momento de las penurias económicas o al deseo de contraponer la forma de vida italiana  a la artificiosa cultura parisina .

Mercedes Tamara 

26 junio 2012

Bibliografía :Colección Sterling Clark , Museo del Prado

COMIDA EN LA HIERBA DE EDUARD MANET

COMIDA EN LA HIERBA 1863

Comida en la hierba
óleo sobre lienzo 
208 x 264 cm
París, Musée d´Orsay

"El desnudo , cuando lo pintan personas vulgares , es inevitablemente indecente " así concluía  el indignado juícío del crítico inglés Hamilton sobre este cuadro , expuesto por Manet en el   célebre y discutido Salón de los Rechazados en 1863.

En un claro, dos hombres en traje contemporáneo conversan junto a una mujer desnuda , mientras otra se baña en un torrente ; el almuerzo se interpone entre nosotros y la modelo ,  que mira explicitamente en nuestra dirección . La pintura, que originariamente se titulaba  El baño , despertó un coro de voces indignadas e incluso irritadas , a pesar de que Manet   se remitía a modelos cultos .

Cuenta Proust que el pintor se había inspirado en una escena real- un grupo de mujeres que  se bañaba en el Sena -inequivocamente filtrada a través de Concierto campestre de Tiziano  y de un grabado de Marcantonio Raimondi tomado del Juicio de Paris de Rafael . La representación del desnudo no era desde luego una novedad en el arte francés : desde el   venerado Ingres hasta las celebridades del Salón , era un tema corriente y materia de estudio   en la École de Beaux Arts .

Sin embargo , los desnudos de los pintores de la historia , mucho más sensuales que los de  Manet , estaban justificados por su inserción en contextos mitológicos y literarios . El recurso  de Manet a los grandes maestros, por el contrario, , lejos de legitimar la obra , la hacía   aparecer mucho más escandalosa , una profanación del doble modelo , de este modo enfangado .

Las palabras de Hamilton son claras :" Ahora un desgraciado francés ha traducido a Giogione   al realismo moderno y a los horribles paños franceses en lugar del elegante traje veneciano ".  La ambientación contemporánea , que despojaba a la escena del sostén hipócrita del disfraz  histórico , resultaba inaceptable  También en el plano estilístico , la obra m cercana al realismo   de Coubert era chocante . La falta de definición de las formas , el proceder sólo por medio del color , resultaba incluso insolente.

Mercedes Tamara 

25 junio 2012

Bibliografía : Manet , Biblioteca El Mundo

                      " Gran Atlas Del Impresionismo " Edic Electa

EL PERFIL DE CLOTILDE DE JOAQUI SOROLLA

EL PERFIL DE CLOTILDE

El perfil de Clotilde
óleo sobre lienzo 33x 49 cm
Museo Sorolla Madrid

Estas dos obras respiran una ambientación muy del gusto de la " Belle Epoque ", aunque sin renunciar a una cotidianeidad singularmente próxima. Muestran un Sorolla muy cercano a las tendencias del modernismo , con claros paralelismos estilísticos y temáticos con los pintores catalanes Santiago Rusiñol y Ramón Casas . Esta gravitación estética se muestra sobre todo  en el Perfil de Clotilde, seguramente el primer retrato llevado a cabo de su joven mujer .


El uso del formato apaisado , el interés por el tema femenino, cuya cabeza ocupa-de perfil-el primer término de la composición , la forma de aplicar el color , mediante un sabio empleo de la gama fría, que inspirada por el tono oscuro de la paleta española tiene a las tonalidades negras como protagonistas: todo en este primer plano del perfil de Clotilde nos recuerda a  las bellas damas entretenidas en la lectura que tan elegantemente pintara Santiago Rusiñol.

Clotilde Contemplando La Venus de Milo
óleo sobre lienzo 58,5x 47,6 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia

Como la protagonista de su bella obra Novela de amor , Clotilde aparece vestida de negro, con una novela en la mano y un perfil muy recortado . La luz artificial de color anaranjado, se refleja en la nariz aguileña y de gran personalidad . Las coloraciones rojizas en los reflejos lumínicos contribuyen a emanar una sensación realmente mágica.

En el otro cuadro Clotilde contemplando la Venus de Milo , se puede observar que, el artista, ha abandonado ya cualquier residuo de convencionalismo, para dar paso a una expresividad  abierta y ágil, búsqueda efectiva que se demuestra a través de la importancia de los valores luminícos y del claroscuro empleado, en este caso, la luz natural dentro de una escena de  interior.

Algunos detalles aluden al carácter de la retratada y de su mundo, subrayando su formación  intelectual como mujer cultivada : unas cuartillas sobre la mesa constituyen una especie de declaración y de la naturaleza muerta dentro de la pintura; de otro lado, parece que Sorolla establece un vínculo con el mundo del arte, en un  diálogo mudo entre su querida esposa y la estatua de escayola de la Venus de Milo.

Mercedes Tamara Lempicka

25 junio 2012