BAILARINA POSANDO PARA EL FOTÓGRAFO EDGAR DEGAS

BAILARINA POSANDO PARA EL FOTÓGRAFO 1875

Bailarina posando para el fotógrafo
óleo sobre lienzo 65 x 50 cm
Moscú, Museo Pushkin

Había en Degas una curiosa sensibilidad para la mímica. Por otro lado , a las bailarinas y planchadoras que pintó las captó en actitudes profesionales significativas , lo cual le permitió renovar la visión de los cuerpos y analizar un gran número de poses de las que pintores no se habían ocupado antes de él. Abandonó a las bellas mujeres blandamente recostadas , las venus deliciosas y las odaliscas : no trató de colocar en el lecho a ninguna obscena y soberana Olimpia (... ) como Manet . Se esforzó , por el contrario , en la reconstrucción de la mujer femenina especializada , esclavas de la danza y del almidón , o de la acera ; y estos cuerpos , más o menos deformados , a los cuales hace asumir posturas en extremo inestables para su estructura articulada (...) hacen pensar que todo el sistema mecánico de un ser vivo puede hacer muecas como un rostro.

En este cuadro, la postura de la bailarina no es armónica . La danzarina es sorprendida mientras está buscando una bella posición mirándose al espejo , y Degas opta por representar precisamente ese momento en que los miembros, al colocarse , adoptan un aspecto grotesco 

Mercedes Tamara ( autora )

6-07-2015

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COCHE EN LAS CARRERAS EDGAR DEGAS

COCHE EN LAS CARRERAS 1872

Coche en las carreras
óleo sobre lienzo 36,5 x 55,9 cm
París, Museo de Orsay

Degas es , sin duda, uno de los mejores impresionista por su habilidad pictórica , por la sabia elección de sus temas que se ajustaron a las preferencias de muchos críticos que apoyaban la representación de asuntos tomados únicamente de la vida contemporánea , valorados como auténticos documentos históricos además de como obras de arte.

El estilo de Degas , como vemos en Coche de carreras,  es preciso y dota a las imágenes de un carácter casi fotográfico , con los encuadres compositivos alargados que se adaptan a soluciones visuales siempre nuevas y dinámicas , que reemplazan a ls visiones frontales, icónicas e inmóviles que caracterizan las obras de otras impresionistas coetáneos suyos  Efectivamente, en esta obra que comentamos hay una simetría horizontal que introduce la linea del horizonte en algo dinámico merced a la sagacidad de dejar fuera de campo una parte del coche en primer plano de modo que la imagen mostrada aparezca menos meditada y más casual. 

Sin embargo, aun cuando la impresión que causa el cuadro sea una visión accidental , el pintor medita , con gran atención, los equilibrios tanto cromáticos como compositivos , que concurren a crear esa sensación de casualidad

Mercedes Tamara ( autora )

1-07-2015

Bibliografia : El Impresionismo , Vol 1 

TARRO CAFETERA Y FRUTA PAUL CÉZANNE

TARRO CAFETERA Y FRUTA 1867-1869

Tarro, cafetera y fruta
óleo sobre lienzo 64 x 81 cm
París, Museo de Orsay

Las frutas y los utensilios familiares ofrecen a Cézanne un rico repertorio de formas que responden coherentemente a su deseo de indagación analítica de la realidad. Modelos dóciles , presencias tranqulizadoras el pintor gusta de ponerlos a posar con esmero y después de observarlos largo rato, traducir su absorta y discreta belleza en el lienzo. La mesa de su cocina es pobre ,son las cosas que en ella coloca : falta de elegancia de las mesas servidas por Manet , pues al pintor no le interesa nunca el objeto en si , sino su valor formal , su precisa sustancia volumétrica . Si de Manet toma los estridentes contrastes de negros y blancos , sus naturalezas muertas de estos años , simplificadas y expresivas , recuerdan más la clásica compostura que las de Chardin , artista muy apreciado por el joven Cézanne .

Este cuadro, aparentemente desordenado y provisional, deja ver con claridad su carácter estático y compuesto, su vocación de inmovilidad y silencio . Los objetos manifiestan bien su potencia volumétrica y se imponen con formas puras capaces de acoger , merced a la fuerza del color , una luz fina y brillante. Cézanne construye con densos empastes , las superficies espesas y lúcidas de los artículos de cocina, marcando con negro los contornos para conferirles más presencia material. Trabaja atentamente en la forma de las frutas y las dispone sobre un mantel blanquísimo que abre sus tonos blancos al vibrante contraste con el cuchillo negro . Todo emana una sensación de quietud , de absorta concentración que sorprende si se compara con sus contemporáneas 

composiciones de figuras , tan expresamente atormentadas y dinámicas. 

La naturaleza muerta parece ser un asunto especialmente afín al pintor porque le obliga al contacto directo con la realidad de las cosas , con su variedad de objetos , le ayuda a encausar los efectos de su fantasía visionaria y le enseña el inapreciable valor de la observación atenta y escrupulosa de la naturaleza

Mercedes Tamara

28-06-2015

Bibliografia : Cézanne, Edit Biblioteca El Mundo 

ROSAS EN UN JARRÓN PIERRE-AUGUSTE RENOIR

ROSAS EN UN JARRÓN 1910

Rosas en un jarrón
óleo sobre lienzo 29 x 33 cm
París, Museo de Orsay

Renoir realiza a partir de 1896 numerosos cuadros de rosas , flores que lo fascinan por su fragante materia cromática , además de la alusión a la belleza femenina , cuyos secretos más íntimos parecen simbolizar . En una de las conversaciones mencionadas en la biografía de Ambroise Volland ( 1918 ) el pintor confiesa que muchos fragmentos pictóricos con rosas sugieren como estudios de color para sus desnudos : al parecer coloca las flores junto a los desnudos femeninos porque, durante la búsqueda de la tonalidad idónea para representar la epidermis dispone el empaste casi instintivamente en forma de rosa , dando de ese modo una razón concreta a una analogía puramente simbólica.

Es curioso y sintomático que en esos mismo años Monet, inmerso en su jardín de Giverny , pinte con devoción panteísta sus nenúfares, mientras Renoir , en la naturaleza mediterránea de su casa de Les Collettes, en Cagnes sur Mer, coloca rosas junto a los desnudos de la mujer , sirviéndose , por decirlo así de la flor para representar lo que más le interesa , la belleza femenina . Como ya en los tiempos en los que, en las riberas del Sena , pintaban uno al lado del otro los mismos motivos con distintos resultados , una vez más los dos grandes pintores captan diferentes aspectos de imágenes análogas : para uno la pintura se torna abandono ante las solicitaciones del cosmos , para el otro es la ocasión de crear una " naturaleza humanizada " ,de regalar al espectador unas formas que están en plena armonía con el verde , el azul, el rosa que lo rodean y que están condicionados en su sustancia , como ya ocurría en el período impresionista , por la luz que emanan de esos colores

Mercedes Tamara

24-06-2015

LAS FRESAS PIERRE AUGUSTE RENOIR

LAS FRESAS 1908

Las fresas
óleo sobre lienzo 23 x 39 cm
Burdeos, Museo des Beaux Arts

Por la total inexistencia de contenidos literarios , la naturaleza muerta es uno de los géneros predestinados por derecho propio a las experimentaciones formales de los impresionistas : pensemos en las calibradas composiciones de Henri Fantin Latour ( amigo de Renoir desde los tiempos que ambos acudían al taller de Gleyre ) , que continúa exponiendo en el Salón aunque sigue próximo al grupo impresionista , y en Edouard Manet , que da repetidas pruebas de capacidad para captar las vibraciones tonales y la atracción sensual de las flores y hortalizas que pinta.

Desde su actividad juvenil como decorador de porcelanas , Renoir pinta con notable maestría y virtuosísmo técnico naturalezas muertas de flores : en su período "impresionista " el pintor tiende a abandonar estos temas en favor de unas amplias panorámicas de la vida moderna y de los retratos.

En los años noventa , con la vuelta a la pintura de interiores hogareños acomete de nuevo el cultivo de la naturaleza muerta de la cual este cuadro es un ejemplo de gran calidad . La representación de las fresas, además , da a Renoir ocasión de hacer uso de diversas tonalidades en rojo , su color preferido estos años para reproducir las carnaciones de los niños , desnudos femeninos rosas . 

Con su amplia predilección por el color rojo , desde los esfumados rosáceos de las carnes hasta el tono purpúreo de las rosas, gustaba de captar el fluir de las formas vivas , modulando este color en una amplia gama de gradaciones , modelando los volúmenes con su pincelada menuda , que testimonía ,además de su profunda sabiduría , su inmediatez , su frescura indestructible

Mercedes Tamara ( autora )

21-06-2015

Bibliografia ; " Atlas del Impresionismo "

BAILARINA SUBIENDO LA ESCALERA EDGAR DEGAS

BAILARINA SUBIENDO LA ESCALERA 1886.1890

Bailarina subiendo la escalera
óleo sobre lienzo 39 x 89,5 cm
París, Museo de Orsay

Edgar Degas ( París 1834-1917 ) se llamaba en realidad Hilaire Germain  Edgar de Gas y descendía de una familia de banqueros . Estudió entre 1853 y 1855 en París, con los sucesores de Ingres, Louis Lamotrhe e Hippolyte Flandrín, que el inculcaron significativos valores del maestro. Degas cultivó la amistad de Monet y Renoir y participó en la exposición impresionista. Su tema favorito es el ser humano , sobre todo el cuerpo femenino . 

Degas entiende y plasma sus poses y movimientos como encarnación de la perfección y la armonía. El tratamiento del espacio y la luz en sus representaciones de jinetes, bailarinas y lavanderas, que a partir de 1870 realizó mayoritariamente en pastel, marcan claramente sus diferencias con los maestros clasicistas y caracterizan su arte como mucho más cercano al impresionismo.

Bailarina subiendo la escalera resulta ser una obra extraordinariamente moderna debido a sus excéntricas perspectivas y a sus encuadres extremos . Es característico de este artista representar en primer plano situaciones aparentemente sencillas y prosaicas . Unas bailarinas suben apresuradamente las escaleras hacía la pista de baile para asistir a clase con sus compañeras . Las dos figuras de la izquierda están bruscamente cortadas por el marco del cuadro . 

El hecho de que una de las muchachas mire hacía atrás otorga a la obra un dinamismo especial . Al fondo se ve las otras bailarinas ,reunidas ya . La superficie vacía de la derecha y la pared desnuda de la izquierda , contrastan en gran manera con las figuras de distintos tamaños . Degas demuestra una vez más con el encuadre su gran talento artístico. 

                                                                       Mercedes Tamara  

                                                                       14-06-2015

Bibliografia : Degas, Edit Biblioteca El Mundo 

JARDÍN FLORIDO EN SAINTE-ADRESSE CLAUDE MONET

JARDÍN FLORIDO EN SAINTE-ADRESSE 1886

Jardín florido en Sainte- Adresse
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
París, Museo de Orsay

Claude Monet ( Paris 1840- Giverny 1928 ) empezó a pintar al aire libre en Le Havre bajo la influencia de Boudin. En el taller de Charles Gleyre conoció a Renoir , Sisley y Bazille . Obtuvo un gran éxito con sus cuadros de figuras y acusó la influencia de William Turner . En 1874 cuando expuso en el estudio de Nadar el cuadro Impresión, Sol naciente ( 1872) la crítica encontró el nombre con el que se conoce al grupo de artistas reunidos alrededor de Monet, impresionistas. A través de la variación hasta el infinito del mismo motivo para lograr un profundo estudio de la luz y la atmósfera, Monet llevó hasta sus últimas consecuencias el arte de la impresión visual. 

Monet logró encarnar el espíritu impresionista como ningún otro pintor Entre las creaciones de su primera etapa destacan los temas de jardines a veces incorporando figuras humanas y otras, describiendo solamente las imágenes de los jardines con sus elementos más destacados : árboles, arbustos, florecillas y una exhuberante vegetación.

En el año 1886 Monet pintó Jardín florido en Sainte -Adresse una localidad cercana a Le Havre en la que transcurrió su juventud . Se trata de un cuadro fascinante por su colorido intenso y luminoso, que muestra un bello rincón del jardín escogido expresamente . Se trata de la finca de la familia de Jeanne- Magueritte Leocadre de la cual había realizado también un retrato 

En primer término se divisa parte del campo con unos bellos colores verdes oscuros que contrastan con el verde más claro que Monet ha situado a la derecha del lienzo. Tras una hilera de pequeñas florecillas verdes y rojas aparece su finca de un color blanco con unas ventanas semiabiertas en la que se pueden ver parte de las persianas de color verde . La finca está en parte cubierta por un enorme árbol para dar sombra y evitar el calor de la estación estival. 

Mercedes Tamara ( autora )

2-06-2015