EL HOTEL DES ROCHES NOIRES DE TROUVILLE CLAUDE MONET

EL HOTEL DES ROCHES NOIRES DE TROUVILLE 1870

El Hotel de les Roches noires en Trouville
óleo sobre lienzo 81,1 x 58,3 cm
París, Museo de Orsay

Monet pintó el hotel de Trouville un año después de que Boudin realizara la vista de Deauville . Las nubes están esbozadas con trazos sueltos , al igual que las banderas, que parecen casi desgarradas por el viento . Incluso las figuras como el hombre que se quita el sombrero a la izquierda han sido captadas en una pose espontánea , con unas pocas pinceladas.

El hotel es un suntuoso edificio neobarroco . Esta construcción noble era una de las más lujosas de entre todas las que utilizaban como residencia de verano en la costa de Normandia , una zona conocida por el pintor desde niño.

Tanta la fachada del lujoso edificio como el paseo marítimo están envueltos en un complejo juego de luces y sombras . El gran talento de Monet se aprecía sobre todo en su pintura abierta que se limita simplemente a insinuar . Las libertades que el pintor se toma con el pincel se convierten en virtuosísmo sobre el lienzo . El hecho de que el público no comprendiera su arte se debe en cierta medida al formato del cuadro, el doble de grande que el boceto de Boudin. Debido al gran tamaño de esta obra , daba la impresión de ser un trabajo inacabado , lo que desagradó al jurado.

Mercedes Tamara

14-04-2015

Bibliografia : Monet, Edic Taschen

LA BOYA ROJA PAUL SIGNAC

LA BOYA ROJA 1895

La boya roja
óleo sobre lienzo 81 x 65 cm
París, Museo de Orsay

A Signac le gustaba pintar paisajes marinos y escenas portuarias . En 1891 descubrió la ciudad costera de Saint Trópez , donde solía pasar los veranos , como motivo de inspiración para sus cuadros . 

La boya roja muestra un tema característico de estilo impresionista , con botes y las casas reflejadas en el espejo del agua . A diferencia de Monet y de sus amigos , Signac no dejó que los motivos flotasen libremente , sino que los alineó en una composición estudiada . Al igual que Seurat , utilizó colores puros mezclados, únicamente con blanco, que dan al lienzo un aire espectral .

Al contemplar el cuadro de cerca , las pinceladas de distintos tonos se diferencian claramente las unas de las otras : sólo la distancia hace que se entremezclen en el ojo del observador. Con esta técnica el pintor evita voluntariamente que un cuadro de tal intensidad de colorido tenga el carácter directo y espontáneo de las obras impresionistas.

Mercedes Tamara ( autora )

12-04-2015

BAILARINAS EN AZUL EDGAR DEGAS

BAILARINAS EN AZUL 1890

Bailarinas en azul
óleo sobre lienzo 85 x 75, 5 cm
París, Museo de Orsay

A partir de 1890 Degas empezó a destacar en sus cuadros a tres o cuatro bailarinas del grupo. En estas composiciones ya no interesa , como en sus cuadros anteriores, por la relación entre las figuras y el espacio , sino por los movimientos de los brazos y el torso de las bailarinas. Desaparecen los espejos , la barra y la sala de baile , es

decir, todo aquello que crea un espacio físico , y ni siquiera se reconocen los rostros de las figuras.

Lo único que parece importarle al pintor son las formas y las siluetas , las lineas y los bultos . A veces las figuras dan la impresión de ser manchas de color que se funden las unas con las otras . Degas pintaba las poses de las bailarinas como si fueran secuelas de un movimiento a cámara lenta . La multiplicación de las figuras en sus cuadros se producen de forma proporcional a la intensificación del color .

La enorme cantidad de pinturas de bailarinas que hay en el Museo de Orsay y en otras pinacotecas permite comprender que el nombre de Degas esté intimamente unido al ballet . Degas acudió durante años a los ensayos y eligió una y otra vez ese mundo como motivo para sus cuadros.

Mercedes Tamara

11-04-2015

Bibliografia ; Degas " Edit Biblioteca El Mundo "

LA TENTACIÓN DE SAINT-ANTOINE PAUL CÉZANNE

LA TENTACIÓN DE SAINT-ANTOINE 1875

La tentación de Saint- Antoine
óleo sobre lienzo 47 x 56 cm
París, Museo de Orsay

Este pequeño cuadro de Cézanne, insólito en las producciones de obras impresionistas , presenta la sintesis de las investigaciones del pintor a mediados de la década de 1870. El tema parece haberse inspirado de la novela La tentación de San Antonio de Flaubert , escritor muy admirado por Cézanne. El pintor , amigo de la infancia de Zola, sentía gran pasión por la literatura que había invadido las obras exaltadas , románticas y sombrías de su juventud.

La tentación de San Antonio es un tema que Cézanne , preocupado por el mito de la mujer tentadora , ya había tratado a finales de la década de 1870 . Todavía seguía pensando , al igual que Manet, que era posible
tratar los temas históricos y literarios con un lenguaje pictórico innovador .Cézanne intentó no obstante y en la medida de lo posible imponer una disciplina en sus gustos literarios mediante el trabajo metódico del motivo,

La técnica impresionista utilizada se manifiesta en la aplicación del color, a base de cortas pinceladas dispersas en diferentes direcciones para aportar el movimiento a la escena. El colorido también es más vivo que en la etapa romántica, resbalando la luz por la figura desnuda y resaltando las sombras coloreadas habituales en los cuadros de Pissarro, Monet o Renoir. El abocetamiento de la obra no impide la estructuración formal de la composición, utilizando una línea oscura para delimitar los contornos, tal y como hará posteriormente Gauguin. Curiosamente, el artista dirige la atención del espectador hacia la voluptuosa mujer al colocarla en el centro de la escena, dejando el sufrimiento del santo en una zona residual de la composición. 

Esta obra pertenece a la fase más impresionista de Cézanne . De hecho , los tonos claros y luminosos, las pinceladas fraccionadas , características de esa fase del artista ,denotan el estudio del cuadro al aire libre y aparecen en esta pintura . Aparecen pues dos innovaciones fundamentales : la escena , que se desarrolla en un paisaje de rocas blancas y bajo un cielo azul , se puede fácilmente identificar con la Provenza que había acaparado la atención del pintor en la década de 1880 , y la joven desnuda , figura central de la obra , antecesora de las numerosas bañistas que florecieron y se multiplicaron en las sucesivas obras hasta convertirse en su obra maestra en las Grandes bañistas.
última composición del pintor

Mercedes Tamara ( autora )

10-04-2015

Bibliografia : ARTEHISTORIA

LA LADERA DE LA ERMITA PONTOISE CAMILLE PISSARRO

LA LADERA DE LA ERMITA PONTOISE 1873

La ladera de la ermita , Pontoise
óleo sobre lienzo 61 x 73 cm
Paris, Museo de Orsay

En 1866 Pisarro se instaló en Pontoise , y alrededor de él, se creó un pequeño grupo de pintores entre los que destacaba Cézanne . Todos ellos buscaban paisajes agrestes preservados de los cambios provocados por la industrialización galopante y escuchaban los consejos de Pissarro que perpetuaba la tradición de una paisaje rigurosamente estructurado heredado del estudio de las obras de Corot del que se proclamaba alumno.

La ladera de la ermita, Pontoise revela, al contrario que el impresionismo de Monet que se concentra en la representación del instante , otra manera de ver el interpretar el paisaje . Aunque el cuadro muestra un aspecto determinado del campo durante la triste 

frialdad de una mañana de primavera , numerosos elementos son intemporales . El pintor se detiene en la arquitectura rústica de las casas agrupadas en la ladera. La colina maciza e imponente ocupa todo el espacio del cuadro , dejando sólo un íntimo lugar al cielo .Pissarro opta por una paleta de colores fríos . Por último , se concentra en la representación de las actividades tradicionales de los campos , las parcelas del huerto y el lento caminar de un campesino que lleva un haz de leña . Cézanne aprendió de Pissarro a dominar su fuga imaginativa y a imponer principìos rigurosos a su pincel.

Mercedes Tamara ( autora )

8-04-2015

Bibliografia : Atlas del Impresionismo

 

MUCHACHA LEYENDO THEODORE ROUSSELL

MUCHACHA LEYENDO 1887

Muchacha leyendo
óleo sobre lienzo 152,4 x 161,5 cm
Londres, The Tate Gallery

Theodore Roussell ( 1847-1926 ). Fue un pìntor y grabador autodidacta que llegó a la pintura tras ejercer el servicio militar durante la guerra franco-alemana Influenciado por James McNeill fundador de un grupo de pintores independientes que se oponían a la rigidez de la pintura victoriana pero Roussell ejerció su estilo de un modo independiente .

En Muchacha leyendo sentó a la joven Harriet Hetty Pettigrew

( 1867-1953 ) en una silla plegable en un fondo oscuro en la que destaca la figura de la modelo leyendo con suma atención un libro La pintura tiene pocos adornos pero, destaca, el kimono japonés así como la distribución del espacio -algo característico del arte japonés -muy de moda en el impresionismo 

El contorno del cuerpo de la joven está trazado con gran habilidad de una forma realista que parece imitar a la Olympia 1184 de Manet Combina con eficacia el modernismo del pintor francés, imitando en parte el clasicismo de los desnudos de Jean Auguste Dominique ingres 

Está  obra perfectamente iluminado que contrasta con el claroscuro del fondo del lienzo  fue muy atacada por la crítica ,en especial por el seminario londinense The Spectator que escribió lo siguiente(..) Es el realismo de la peor especie: el ojo del artista ve sólo el aspecto vulgar de la modelo por lo que resulta ser una pintura aburrida . No pensaron igual algunos artistas entre ellos William Orpen que opinó que " era uno de los mejores desnudos de la época ".

El desnudo hasta entonces siempre había servido para mostrar los ideales estéticos de los artistas : casi siempre había sido desnudos mitológicos -que eran los únicos permitidos por la censura -Pero la sociedad británica era muy puritana y consideraba el desnudo como algo degradante y moralmente perverso.

La sociedad estaba sometida a un severo código moral basado en la represión sexual por el pudor, los prejuicios sociales y el mundo de las apariencias . Las mujeres estaban sometidas a una vigilancia extrema para que no mostraran el deseo amoroso o sexual. Esta represión generaba a la vez una obsesión con el tema sexual Por eso, no hay que extrañarse del escándalo que originó esta pintura

Mercedes Tamara 

6-04-2015

RETRATO DE MADEMOISELLE E.F...A PROPÓSITO DEL BALLET " LA SOURCE " EDGAR DEGAS

RETRATO DE MADEMOISELLE E.F...A PROPÓSITO DEL BALLET " LA SOURCE "1867-1868

Retrato de mademoiselle E.F ..a propósito
del ballet " La Source "
óleo sobre lienzo 130 x 145 cm
Nueva York, Broocklyn Museum of Art

Es la primera obra del autor que tiene como tema un ballet contemporáneo ; éste se titula " La Source " ( La Fuente ) y fue interpretado por la famosa bailarina Eugènie Fiocre en Paris en 1806. Degas empieza a trabajar en la obra en el verano de 1867 y tiene intención de exponerla en el Salón del siguiente año.

En el momento en el que el pintor traslada sus intereses de la pintura histórica a episodios de la vida contemporánea es natural que se sienta estimulado por los asuntos teatrales , en los que de todos modos los dos géneros históricos y contemporáneos , puedan encontrarse gracias a la ficción escénica . Gracias a este compromiso . Degas estructura de manera ambigua un cuadro que no se puede definir como un retrato en sentido canónico ni como una escena teatral , dado que no hay ningún elemento que defina el escenario .Hay una influencia estilística de la sosegada interpretación del exotismo sensual de Gustave Moreau , amigo y confidente de Degas en sus años de formación y que llegará a ser adalid del simbolismo francés .

Otras fuentes importantes para la personal interpretación que hace Degas del exotismo incipiente de la pintura francesa de Salón son los pintores Eugène Delacroix y Eugéne Fromentín, a los que admira en estos años y, entre los maestros del pasado , Poussin, cuya manera amplia y sintética ofrece al artista la clave para otorgar a una escena de teatro un aura mística , sin traicionar no obstante la intención de abandonar la pintura del género histórico.

La composición está ambientada a la orilla de un manantial , donde reposan tres muchachas . A la derecha de la mujer del traje roto hay un caballo abrevando . Los reflejos de las mujeres y el caballo en el agua están óptimamente resueltos por el pintor . Las rocas están apenas descritas en el escaso espacio que se aleja al fondo , y merced al uso de los discretos timbres cromáticos de las tierras se funden de manera perfecta sin recargar la escena.

Mercedes Tamara

4-04-2015

Bibliografia : Degas, Edit Biblioteca El Mundo