EL PAYASO DE PIERRE AUGUSTE RENOIR

EL PAYASO 1909

El payaso
óleo sobre lienzo 120x 77 cm
París, Musée de j´Orangerie

Después del retrato de su segundogénito Jean en traje de Pierrot ( 1902 ) Renoir dedica este cuadro a su hijo menor, Claude ( al que llaman Coco ) nacido en agosto de 1901 . La escena, cualquier cosa menos un espontáneo episodio familiar , está minuciosamente estudiada y se inserta en la línea de los retratos oficiales de autores como Veronés, Velázquez y Van Dyck. La primera referencia , sin embargo, es el Gilles de Watteau , del cual este cuadro es casi  una cita : el protagonista de la obra de Watteau es un personaje de aire melancólico , símbolo del artista incomprendido , pariente espiritual de los saltimbanquis y arlequines de Picasso . El Pierrot de Renoir no tiene, por el contrario, nada de esa tristeza : el pintor está fascinado sobre todo por el traje e interesado en la traducción pictórica del rojo.

La sobria estructuración de la imagen ( véase la columna del fondo habitualmente un atributo de quien ejercita un poder temporal ) sería adecuado para el retrato de un señor aristocrático, mientras que el modelo es la tierna figura de un niño disfrazado de payaso : no está muy claro si Renoir quería rendir homenaje a la retratística oficial -de la cual él mismo , si bien en forma diferente , ha ofrecido excelentes ejemplos- o hacer una parodia de ella.

En sus memorias ( Renoir - Souvenirs de mon père, París 1948 ) , Claude Renoir resume la génesis de la obra , vivida por él como un auténtico fastidio por la molestia de las calzas largas. Tras mucha insistencia y seductores ofrecimientos de su madre , que le promete un trenecito de madera y una caja de colores , " decidí ponerme las calzas de algodón durante unos momentos y mi padre-conteniendo la rabía que parecía que iba a estallar de un momento a otro -consiguió terminar el cuadro, a pesar de las continuas contorsiones que yo hacía para rascarme ".

Mercedes Tamara 

8 julio 2012

Bibliografía : Pierre-Auguste Renoir, Edit Biblioteca El Mundo 

MUJER DE AZUL DE PAUL CÉZANNE

MUJER DE AZUL 1904 

Mujer de azul
óleo sobre lienzo 88,5 x 72 cm
San Petesburgo, Museo Estatal del Ermitage

Una mujer de azul en una silla , con aire de fatigado abandono; la mano izquierda 

apoyada en una mesa ; la mirada absorta , cargada de triste melancolía . Se trata 

de uno de los últimos retratos femeninos realizados por Cézanne , ya al final de su 

trayectoria , quizá en el estudio de Lauves. 

La dama que posa para él no es Hortense, su esposa y modelo favorita . No tiene 

sus rasgos , pero sí los de la protagonista de un cuadro ejecutado por las mismas 

fechas , la Mujer con libro , hoy en Washington . Según Cachín, pudiera tratarse 

de madame Brémond , la gobernanta del pintor tan apreciada por éste , que vivía 

con él en la Rue Boulegon de Aix y tenía fama de ser una óptima cocinera. Émile 

Bernard la conoció cuando fue a Provenza , a casa del maestro en 1904, y percibió 

de inmediato el sincero afecto que la mujer profesaba al huraño pintor al que le 

toleraba con paciencia salidas chuscas como la de que " siempre pasaba junto 

a él sin rozarlo ni siquiera con la falda ".

El retrato que le dedica Cézanne posee un gran vigor expresivo. Su figura se  impone con una fuerza casi monumental . El pintor trabaja de manera refínadisima con el color, haciendo que las modulaciones cromáticas definan por si solas los volúmenes . Azul sobre azul , tono sobre tono : con sabios toques de rosa . Cézanne  destaca los puntos más salientes de la figura y con el negro sigue su perfil para  darle mayor consistencia plástica . La gama cromática es luminosa y viva : del  rosa el pintor pasa al amarillo claro y luego al verde esmeralda hasta llegar al  " tono local " dado por el azul cobalto al que encomienda la tarea de definir  parte del fondo . Ante una pared irreal y abstracta , la figura de la mujer se   recorta vigorosamente , merced también a la compleja perspectiva que le enmarca y la empuja hacía delante , hacía el primer plano, con ayuda de la  esquina de la mesa y su profunda diagonal , que parece proyectarlo todo más  allá de los estrechos límites del lienzo.

Mercedes Tamara 

6 agosto 2012 

Bibliografía : Paul Cezanne , Edit Biblioteca El Mundo

COMIDA EN EL JARDÍN DE CLAUDE MONET

Comida en el jardín
óleo sobre lienzo 160 x 201 cm
París, Musée d´Orsay 

Monet vuelve a tratar un tema que ya había abordado unos años antes en Comida en la hierba, obra en la que demuestra que en esta fecha ya ha superado las enseñanzas realistas de Coubert. En la Comida de los años sesenta , todo estaba descrito con gran abundancia de detalles y se  daba gran relieve a las figuras. En esta versión más tardía del mismo asunto , la protagonista absoluta del cuadro es la naturaleza muerta , compuesta por la mesa puesta y el carrito de  mimbre. Las figuras están presentes , pero asumen el mismo relieve que los objetos. El hijito de Monet , Jean, está sentado junto a la mesa jugando, mientras que desde el fondo avanzan dos figuras femeninas parcialmente ocultas en la densa vegetación.

 Los elementos que componen el  cuadro concurren para ofrecernos un vivaz fragmento del encanto de la vida al aire libre : la composición de frutas y las piezas de vajilla decorada sobre la mesa, el mantel blanco nos informan de que la comida acaba de terminar y los  comensables se han marchado hace un momento.

Este cuadro , de grandes dimensiones , figura en la segunda exposición impresionista ( 1876 ) con el título de Panel decorativo , revelador de la costumbre burguesa de adornar habitaciones con pinturas de paisaje, cuyos temas debían despertar el recuerdo de un campo alegre y soleado. En la afortunada selección cromática y en la adopción de una pincelada larga y sutil. Monet se  aproxima a algunos resultados de Renoir , en cuyas obras la superficie es muy lisa y luminosa , casi nacarada , si bien Monet conserva la pincelada densa y cargada de materia visible sobre todo en la zona del mantel blanco, es decir, en el punto luminoso del cuadro . Su estudio de la luz está resuelto a base de salpicaduras brillantes que se posan sobre la mesa y el banco,  utilizadas después por Renoir para representar el efecto vertiginoso del Baile en el Moulin de la Galette.

Mercedes Tamara 

4 julio 2012

Bibliografía : Claude Monet, Biblioteca El Mundo

                          "           "      El Impresionismo , Edic Taschen

PATIO DE GRANJA DE PAUL CÉZANNE

PATIO DE GRANJA 

Patío de granja
óleo sobre lienzo 63x 52 cm
París, Musée d´Orsay

Cézanne pinta este lienzo en el giro de la década de 1880, periodo durante el que realiza una estancia en Auvers y en Pontoise con de Camille Pissarro. Este último representa además patios de granja parecidos hacia 1875. Pero mientras Pissarro se interesa por la vida de los lugares, que anima mediante la presencia de algunas figuras, el Patio de granja de Cézanne posee una gravedad, exhala una atmósfera de abandono, que contrastan con el tema tal y como está representado habitualmente.

El paisaje está lleno de obstáculos. El trozo de pared de la derecha está utilizado como un rebote. Avanzamos luego paso a paso, plano tras plano, hasta el edificio de la granja cuyas puertas y persianas están cerradas. Frente a éste se erige un árbol sin hojas, de contornos atentamente delineados. En la izquierda, una pequeña dependencia cubierta de paja, cierra completamente la perspectiva e impide a la mirada ir más allá. Una pequeña colina boscosa, plasmada por una serie de plumeados, parece vibrar detrás de la masa imponente de la granja.

Los matices claros y la pincelada fraccionada son todavía típicamente impresionistas y recuerdan que Cézanne había estado muy cercano del grupo, años antes. Pero aquí solo se preocupa de la relación entre la arquitectura y la naturaleza, colocando las formas en el centro de su investigación. Cézanne afirma desde entonces la ruptura entre su orientación personal y aquella de los impresionistas.

Mercedes Tamara 

3 agosto 2012

Bibliografía : Paris, Museo de Orsay , Edic Uffmann

RETRATO DE MADEMOISELLE E.F,,,; A PROPÓSITO DEL BALLET " LA SOURCE " DE EDGAR DEGAS

RETRATO DE MADEMOISELLE E.F,,,; A PROPÓSITO DEL BALLET " LA SOURCE  1867-1868

Retrato de Mademoiselle E. F ...a propósito del ballet " La Source "
óleo sobre lienzo 130 x 145 cm
Nueva york, Brooklyn Museum of Art 

Es la primera obra del artista que tiene como tema un ballet contemporáneo ; éste se titula

" La Source " ( La Fuente )  y fue interpretado por la famosa bailarina Eugène Fiocre en 

París en 1866 , Degas empieza a trabajar en la obra en el verano de 1867 y tiene intención 

de exponerla en el Salón del siguiente año.

En el momento en que el pintor traslada sus intereses de la pintura histórica a episodios de la 

vida contemporánea es natural que se sienta estimulado por los asuntos teatrales , en los que 

de todos modos los dos géneros , histórico y contemporáneo , pueden encontrarse gracias a 

la ficción escénica . Gracias a este compromiso , Degas estructura de manera ambigua un 

cuadro que no se puede definir como un retrato en sentido canónico ni como una escena 

teatral, dado que no hay ningún elemento que defina el escenario.

Hay una influencia estilística de la sosegada interpretación del exotismo sensual de Gustave 

Moreau , amigo y confidente de Degas en sus años de formación y que llegará a ser el adalid 

del simbolismo francés . Otras fuentes importantes para la personal interpretación que hace 

Degas del exotismo incipiente y de la pintura francesa del Salón son los pintores Eugène  

Delacroix y Eugène Fromentín , a los que admira en estos años, y entre los maestros del 

pasado , Poussin , cuya manera amplia y sintética ofrece al artista la clave para otorgar 

a una escena de teatro un aura mítica, sin traicionar no obstante la intención de abandonar 

la pintura del género histórico.

La composición está ambientada a las orillas de un manantial , donde reposan tres muchachas. 

A la derecha de la mujer del traje rojo hay un caballo abrevando . Los reflejos de las mujeres 

y el caballo en el agua están óptimamente resueltos por el pintor . Las rocas apenas están 

descritas en el escaso espacio que se deja al fondo, y merced al uso de los discretos timbres 

cromáticos de las tierras se funden de manera perfecta sin recargar la escena.

Mercedes Tamara Lempicka

3 julio 2012

LIRIOS EN EL JARDÍN DE CLAUDE MONET

LIRIOS EN EL JARDÍN 1900

Lirios en el jardín
óleo sobre lienzo 81x 92 cm
París, Musée d´Orsay

En los cuadros pintados por Monet en el siglo XX , el proceso de desaparición de la forma es cada vez más acentuado ,como podemos apreciar en esta bella escena. El color se adueña de la composición, elimina formas y contornos para acercarse a la pintura abstracta .

Monet elimina lineas y contornos creando sensaciones y atmósferas e imágenes llenas de colorido. Los malvas y los verdes afloran en  esta escena aplicándolos con rápidos  pequeños toques de pincel . La luz será otra de sus preocupaciones como vemos en esta escena contrastándola con las sombras situándolas en el primer plano y en el centro sitúa el sol.

Esta etapa de la pintura de Monet se caracteriza por un entusiasmo continuo por la naturaleza , al que acompaña una producción abundante y una gran tenacidad ejecutiva.De ahora en adelante , la pintura de paisaje dominará sin rival sus opciones y las figuras, cuando las haya las trata como " objetos " a indagar igual que un árbol, una mata o  un arroyo .

Este valor propiamente cognoscitivo que la pintura asume con respecto a la realidad implica el uso del subjetivismo que los impresionistas no dejan de reivindicar.Es una etapa en la que el pintor está todavía centrado en la complejidad de la naturaleza que trata de descifra sometiéndola mediante un proceso de atento análisis .

Monet se sentirá solicitado , en años posteriores a buscar dentro de si la clave interpretativa de lo que ve y desea que el espectador comparta con él la preocupación por el estudio riguroso de los objetos, y desea que los que contemplas sus paisajes sientan una gran emoción ante tanta belleza que ha plasmado en el lienzo.

Mercedes Tamara 

2 agosto 2012

Bibliografía : Claude Monet, Edit Biblioteca El Mundo

TRISTE HERENCIA DE JOAQUIM SOROLLA

TRISTE HERENCIA 1899

Triste herencia
óleo sobre lienzo 210x 285 cm
Colección Artística de la Caja de Ahorros de Valencia , Castellón y Alicante " Bancaja "

Ejecutado en 1899, este cuadro cierra la serie del realismo social sorollesco. Representa el baño de un numeroso grupo de niños tullidos y desvalidos , conducidos por un hermano de la Orden de San Juan de Dios . Sorolla lo quiso titular Los hijos del placer- ya que la invalidez de los niños era fruto de la sífilis de lo padres-pero- ante la dureza del mensaje - el escritor Vicente Blasco Ibañez le insinuó el que actualmente tiene.

La novedad de la pintura radica realmente en el espacio donde sitúa esta terrible escena: al aire libre , en plena playa, con el jugueteo de los rayos del sol y su mágico efecto de luz y color . Con este cuadro consagra definitivamente el ámbito de la playa y avanza su tema  preferido de los niños bañándose en el Mediterráneo , con el intenso sol haciendo brillar su piel desnuda y mojada.

Lo terrible del tema se acentúa , si tenemos la ocasión de verlo junto a otros cuadros posteriores , donde el artista se complace en mostrarnos niños " sanisímos " jugando entre las olas , corriendo o nadando bajo la atenta mirada de sus madres que despliegan amplias toallas o telas blanquísimas para secarlos.A partir de ahora el tema de la playa , desvinculado ya de todo anecdotismo triste o melodramático se irá acrecentando como iconografía principal de su obra.

El baño, estudio para " Triste herencia "1899
óleo sobre lienzo 39x 54 cm
Colección Masaveu

Evidentemente Sorolla tiene conciencia del cambio que se ha operado con esta pintura , que fue premiada en la Exposición Universal de París. Desde esta ciudad escribe a su " Clota " las siguientes palabras : "Triste herencia " es lo más personal de lo que hasta ahora llevo visto " . Aún así, el artista piensa que al lienzo le falta todavía algo , que no está del todo "trabajado ", por lo que , en el porvenir, para llegar a la personalísima meta que él desea,necesita " hacer alguna modificación en la forma de producir ".

Le ayuda en este camino emprendido para llegar a donde desea el contacto y la influencia de otros artistas, que tiene ocasión de conocer en estos momentos. No olvidemos , que, además de Sorolla , en la exposición fueron premiados entre otros Kroyer, Zorn, Whistler, Sargent, Klimt ...todos pintores de primera fila que establecieron contactos con el español.

Apunte para " Triste herencia " 1899
óleo sobre cartón 30 x 40 cm
Colección particular

El giro hacía la modernidad no se produjo en Sorolla hasta ahora, cuando fue capaz de incorporar a su realismo de base, un acusado tratamiento luminista , que soluciona con una habilidad técnica de superdotado.

Otro pintor , el alemán Max Liebermann , al que quizá nuestro artista tuvo ocasión de conocer en sus anteriores viajes y al que, curiosamente, su gran amigo Beruete tachaba de excéntrico  de la pintura , había frecuentado la iconografía de niños , particularmente huérfanos, jugando  o trabajando cerca del mar . Sus tempranas obras sobre el tema, realizadas en torno a 1870, se vieron claramente influenciadas por los pintores alemanes del siglo XVII , particularmente por Frans Hals . En 1904 lleva a cabo su cuadro Después del baño ( Tate Gallery , Londres ) que tiene muchas concomitancias con este.

Mercedes Tamara 

1 agosto 2012

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa