VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO BERTHE MORISOT

VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO 1871-1873

Vista de París desde el Trocadero
óleo sobre tela 46 x 81,5 cm
Museo de Arte de Santa Bárbara

Berhe Morisot nació en Bourges en 1841. Aprendió paisajismo con Camille Corot y en el estudio de Archille -François Oudinot, discípulo y amigo íntimo de Corot. Posteriormente ,Edouard Manet , que con el tiempo se convertiría en su cuñado , le dio clases de dibujo anatómico y pintura. Presentó nueve cuadros en la primera exposición impresionista de 1874 y fue un miembro incondicional del movimiento hasta su muerte , en 1895-

Vista de París desde el Trocadero fue creada en la residencia paterna de Berthe Morisot en la calle Franklin. En esa época, la casa tenía una vista panorámica  realmente extraordinaria porque, siguiendo el enrevesado curso del río Sena, alcanzaba el Campo de Marte , enclave donde se levantaba la Exposición Internacional de Paris de 1867. Aunque es más suelta de factura, esta pintura tiene elementos del estilo de Corot. El ancho del cuadro es casi doble de su altura, proporción que Corot utilizaba con frecuencia, sobre todo cuando trabajaba desde un punto de vista elevado. También recuerda mucho a la obra de Corot la masa simplificada de verde del primer plano y las pinceladas amplias que emplea Morisot para describir la superficie de la tierra desde una distancia media hasta la lejanía del horizonte. En su composición , la obra de Morisot se parece a Hyde Park ( h 1871 )  de Monet, mientras que la influencia de Manet se advierte en la frescura de la pintura, sobre todo , en el hábil y muy sugerente retrato de los personajes del primer plano.

A pesar de la vivacidad, Vista de París desde el Trocadero está estudiada con el ojo de un auténtico habitante de la ciudad. La industrialización de la segunda mitad del siglo XIX provocó la rápida expansión de las ciudades europeas más importantes, incluyendo Paris que cambiaron drásticamente de aspecto. La contaminación ambiental fue un factor decisivo. Influyó tanto en la visibilidad como en la coloración del aire. Y esto se halla muy presente en el cuadro de Morisot; los edificios situados en la lejanía desaparecen en la neblina gris púrpura de una atmósfera cargada de humo.

Mercedes Tamara

28-06-2014

Bibliografía . El Impresionismo Edic Taschen

NIÑA CON RAMA CAMILLE PISSARRO

NIÑA CON RAMA 1881

Niña con rama
óleo sobre lienzo 81 x 64 cm
París, Museo de Orsay

El año 1880 fue un año muy importante para el artista, no solo porque la venta de sus cuadros mejoró su precaria situación económica, sino sobre todo porque marcó una nueva etapa en su trayectoria creativa. El fracaso de las primeras exposiciones colectivas de los impresionistas le llevó a reflexionar muy en serio sobre su arte, desde la técnica a los temas, y sobre su relación con el público y la crítica. Lo primero que hizo fue dar más espacio a la figura humana, que hasta entonces solo había aparecido en sus autorretratos y en uno de los pocos retratos de parientes y amigos. Esta tela forma parte de una serie de cuadros muy logrados sobre campesinos jóvenes captados con sencillez y naturalidad durante su trabajo en el campo o descansando , como en este caso.




Desde entonces, durante algunos años, Pissarro dedicó gran parte de sus obras al mundo campesino y al trabajo de campo , en abierta polémica con los burgueses de París y su cómoda vida urbana. La elección de estos temas no hace más que confirmar el interés del artista por la gente del campo, observada con la misma sencillez y naturalidad con que Degas pintaba sus bailarinas o mujeres lavándose o peinándose.







Estilísticamente se aprecia el uso de pequeños toques complementarios que servían a Pissarro para dar una luminosidad más intensa y difusa a la obra, y que le aproximaba a las investigaciones contemporáneas de Seurat y Signac. La estructura de esta obra es a la vez sencilla y lineal, con espacios muy estudiados, para que todo el énfasis se concentre en los aspectos emocionales, que predominan sobre los descriptivos, En este cuadro Pissarro redujo la profundidad del paisaje de fondo y diluyó sus referencias a la realidad, hasta el punto de que llega a parecer un simple decorado teatral. El artista distribuyó con atención y destreza los matices de amarillo y verde para mostrar los efectos del sol entre las hojas del bosque.




Aunque la postura de esta joven campesina pueda parecer torpe y poco agraciada, lo cierto es que ya la hemos encontrado en varios cuadros de los impresionistas ,especialmente en los de Degas . Su intención era que el espectador llegase a percibir la espontaneidad y naturalidad de la escena. La expresión de la cara, ligeramente apoyada en el hombro izquierdo, nos da a entender que la niña está ensimismada en sus pensamientos o fantasías, completamente aislada de la realidad que la rodea. A diferencia de otras obras , donde lo que predomina es el compromiso social y civil, en esta Pissarro privilegió los aspectos poéticos y psicológicos , logrando efectos de una intensidad lírica sorprendente

Mercedes Tamara

10-06-2014

Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen
                       Gran Atlas del Impresionismo, Edic Letea

SANTIAGO RUSIÑOL OBRA Y BIOGRAFÍA

Santiago Rusiñol . Obra y Biografía

Santiago Rusiñol (Barcelona 1861- Aranjuez 1931) intelectual español conocido no sólo por sus magníficas obras de arte sino también por sus escritos y la participación en los círculos modernistas más punteros de finales del siglo XIX quienes encontraron un gran eco en la Barcelona del momento, animados por las expectativas que Cataluña presentaba tanto en el ámbito económico como en el cultural y el social.

Así es el panorama donde comienzan a despuntar los primeros modernistas que lejos de presentar unos rasgos comunes, son tremendamente heterogéneos, hecho que nos impide trazar unas líneas comunes pero que guarda bajo sus faldas a artistas muy distintos. Ese es el caso de Rusiñol cuyas obras encuentran elementos o influencias impresionistas, prerrafaelistas e incluso simbolistas.

Aurora Fernández Polanco ha resumido de forma magistral su trayectoria cuando aseguraba que Rusiñol es un pintor que comienza siendo realista, que pasa por el impresionismo de tonalidades frías y encuadramientos insólitos hasta que, en 1894 viaja a Italia, hablando ya de un Rusiñol simbolista muy cercano al prerrafaelismo. En los últimos años viaja a Granada a partir de lo cual el hombre desaparece de su pintura y en su lugar aparece una naturaleza artificial: la pintura de jardines.

Vida y obra de Santiago Rusiñol
Santiago Rusiñol nace en una familia industrial catalana quedando pronto huérfano por lo que debe abandonar sus estudios e ideales artísticos para ponerse al servicio de su abuelo en la empresa familiar. En 1887 muere su abuelo y Rusiñol se siente liberado por lo que decide romper con su vida llegando a divorciarse de su mujer con la que se había casado pocos meses antes.

Sus primeras lecciones pictóricas son recibidas en la academia Acad, propiedad de Moragas Torras y en el Centro de Acuarelistas. Allí conoce a Casas del que desde este momento se convierte en amigo inseparable. Con él decide realizar un viaje en carro por Cataluña de donde salen una serie de obras de ambiente rural y costumbrista además del amor que Santiago anunciaría por el Mediterráneo especialmente por Sitges que años más tarde sería el escenario de su propio museo. De sus visitas saldrían una serie de obras con paisajes sencillos y bello cromatismo como ocurre en Vista de Valdemosa, La Costa oPatio Azul donde la luz es la verdadera protagonista de la composición. 

Será con Casas con quien del mismo modo realizará su primera exposición en la Sala Pares en el año 1884. 

Esta gran amistad quedó constatada en la obra Rusiñol y Casas pintando, lienzo realizando en 1890 por ambos pintores donde se les ve a ambos en un momento de creación de sus obras.

Tras un tiempo estudiando en España, Rusiñol decide emprender un largo viaje por Europa y América donde terminará de perfilar su estilo a base del conocimiento profundo de multitud de obras de muy diversos artistas.

París será la ciudad en la que desarrolle sus máximas potencialidades. Comenzó frecuentando la Academia Gervec donde fue alumno de Carrière y de Puvis de Chavannes para terminar bebiendo de los impresionistas especialmente de Manet y Degàs de quienes copiará las figuras desdibujadas, las distintas tonalidades del mismo color y la introducción de los sentimientos.

Si importante fue su primera estancia en París, la segunda etapa de su vida en la ciudad francesa marcará un nuevo sentido en su obra a partir de la cual adopta elementos simbolistas donde incluye la figura femenina con un aire triste, melancólico. De este periodo son sus obras La morfinómana (1894) y Cabezas de anarquistas de 1893.

Además de París, Santiago visitó Italia en el año 1894 donde estudia ampliamente el Renacimiento y de donde obtiene definitivamente esa influencia simbolista presente en alguna de sus obras como la colección de tres cuadros llamados La Poesía, La Pintura y La Música, del año 1895.

Rusiñol es conocido como el pintor de los jardines ya que sus obras más conocidas tienen como escenarios bellos paisajes de jardines españoles como el de Granada, Sevilla y Aranjuez. En ellos destacan el ambiente delicado junto con un brillo y cromatismo únicos en el arte español. Obras como Almendros en flor (1929), muralla verde muestran unas obras ordenadas donde la simetría de los árboles marcan la composición.

Si nos referimos a su actividad intelectual, Rusiñol es fundador, junto con otros muchos compañeros, de Els Quatre Gats, centro de reunión de artistas jóvenes. El edificio, diseñado por Josep Puig i Cadafalch, intentaba imitar los lugares de tertulia de Montmatre dando como resultado un edificio que mezcla lo gótico y lo modernista donde se llevaron a cabo debates, exposiciones y espectáculos de toda naturaleza.
Entre sus obras literarias podríamos destacar Desde mi molino, escrita en 1893, Impresiones de arte, del año 1894 o el Místico (1903) aunque su obra más conocida es L `Auca del Senyor Esteve.

Mercedes Tamara

5-06-2014

Bibliografia: " Arte de España " 

El PUENTE JAPONÉS CLAUDE MONET

El PUENTE JAPONÉS 1923-1924

El puente japonés
óleo sobre lienzo 89 x 100 cm
Musée Marmottan, Monet, París

A principios del siglo XX , la pintura de paisajes era el género artístico por excelencia. Las vivas representaciones de los impresionistas iban dirigidas a las clases medias que poblaban las ciudades y, en general , consideraban el campo un lugar de esparcimiento .

En 1890, Claude Monet ( 1840-1926 ) compró una casa en Giverny y embelleció su jardín con un estanque de nenúfares de estilo japonés y otros elementos asombrosos. El jardín se convirtió en el motivo central de sus pinturas, hasta el punto de que pasaba casi todo su tiempo en él plasmando imágenes de una luz y un color esvanescentes. Monet empezaba pintado al aire libre y luego reelaboraba las telas en su estudio.

El puente japonés era uno de sus temas favoritos y Monet lo pintaba sin descanso , con distinta iluminación y diferente espíritu.  A partir de 1906 , el artista empezó a perder la vista y las pinturas que realizó con este impedimento tienen un tono bastante rojizo en general , síntoma característico de las personas cuya visión queda afectada por las cataratas.

En 1923, Monet se sometió a un tratamiento que resultó eficaz , pero este cuadro que terminó tras su intervención quirúrgica, se origina como una de las obras más abstractas . Aunque se puede reseguir el perfil del puente en la parte central de la tela , son las enérgicas pinceladas , las que forman el remolino de árboles, plantas y agua. Monet trabajó tanto en este tema que la obra terminó diluida en un juego de color, luz, follajes y reflejos. La pincelada genera un impasto, influiría posteriomente en los expresionistas abstractos.

Mercedes Tamara

5-06-2014

Bibliografía : Claude Monet , Edit Biblioteca El Mundo

                       El Impresionismo, Edic Taschen

LA MONTAÑA DE SAINTE-VICTOIRE CON PINOS PAUL CÉZANNE

LA MONTAÑA DE SAINTE-VICTOIRE CON PINOS 1882

La montaña de Sainte-Victoire con pinos

óleo sobre lienzo 67x 99,5 cm

The Courtauld Gallery, Londres

Paul Cézanne ( 1839-1906 ) nació en Aix en- Provence , en el sur de Francia . Su padre era fabricante de embutidos y copropietario de un banco , bajo su influencia Cézanne empezó a estudiar derecho . En 1861 empezó empezó a interesarse por el arte y se inscribió en la Académie Suisse de París donde conoció a Pissarro . Regresó a Paris y allí expuso en el Salón de los Refusés y se relacionó con artistas impresionistas . No obstante, no tuvo éxito comercial . Sus primeras obras están repletas de fantasías mórbidas y , a menudo, violentas . Esta tendencia cambió después de conocer a la vendedora de libros Mari- Hortense Fiquet en 1869, Cézanne temía la reacción de su padre , por lo que mantuvo la relación en secreto.





Cézanne trabajó en Pontoise junto a Pissarro quien le ayudó a desarrollar un estilo más maduro . Participó en dos de las exposiciones impresionistas , pero prefería trabajar en la soledad de Aix  La montaña de Sainte-Victoire con pinos está situada al este de Aix-de Provence , esta montaña fue el tema más recurrente en la pintura del artista . Pintó más de sesenta representaciones de la misma montaña , la usaba para llevar a cabo sus radicales experimentos con la pintura de paisajes y de hecho, cambió continuamente su técnica pictórica . Mientras que los impresionistas se habían centrado en los efectos fugaces de la luz y el clima del paisaje, Cézanne intentó analizar la geometría subyacente de las rocas y la vegetación " para tratar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cono " . Su principal objetivo profesional fue reproducir sus escenas exactamente como las veía : un árbol por ejemplo , podía aparecer a través de unos pocos planos de color. Cézanne estudió la montaña Sainte-Victoire desde diversos ángulos , mediante bloques de color para conseguir un efecto espacial conocido como " profundidad plana " y representar así la topografía de la montaña de forma más efectiva.




Cézanne pintó este lienzo desde un rincón de la propiedad de su cuñado , desde donde solía trabajar en dos imágenes de la misma vista al mismo tiempo. Cuando Cézanne expuso esta obra , por primera vez en una sociedad de pintores amateur  de Aix , la Societé des Amis des Arts, fue recibida con cierta incomprensión . La única persona que admiró su pintura fue el hijo de un amigo de la infancia de Cézanne , el joven poeta y escultor Joachim Gasquet. El artista agradeció tanto esta apreciación que firmó la pintura - algo que hacía en raras ocasiones- y se la regaló a Gasquet.



A Cézanne le preocupaba más el efecto general de su pintura que los detalles individuales. Entre las ramas del árbol pueden verse trozos pintados de gris y verde que pueden ser nubes u hojas. Estos trozos contribuyen a crear un efecto deseado: hacer que la parte superior del lienzo desprendiera movimiento. Dibujó los elementos principales con marcas muy simples hechas con carboncillo y después añadía parches de color. Construía unas formas orquestando minuciosamente los tonos de dichos parches. La superficie escarpada de la montaña se transmite únicamente a través del color.




El árbol constituye un marco para el motivo principal: la montaña . La ligera curva del tronco complementa la suave pendiente diagonal del paisaje que aparece en primer plano . De un modo similar, las ramas de la derecha siguen la linea de la hondonada que puede verse a lo lejos. El artista incluye en la pintura el Pont de l Árc , el principal monumento artificial del valle, Cézanne fue omitiendo estos rasgos identificables a la hora de representar detalles específicos, prefería usarlos únicamente como vehículos para explorar la interacción entre color y forma

Mercedes Tamara

25-04-2014

Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen

LA EJECUCIÓN DE MAXIMILIANO ÉDOUARD MANET

LA EJECUCIÓN DE MAXIMILIANO 1867-1868

La ejecución de Maximiliano
óleo sobre lienzo 252x 305 cm
Staatliche Kunstahalle ,Baden Baden

En enero de 1866, tres años de persuadir al archiduque Maximiliano de Habsburgo para que aceptara el trono de México, Napoleón III decidió retirar las tropas francesas del país y dejó al duque completamente indefenso. Las guerrillas que dirigía Benito Juárez capturaron y ejecutaron a Maximiliano poco después , inspirándose en el cuadro de Francisco de Goya Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 ( 1814 ) y en los reportes fotográficos de la época.

Edouard Manet ( 1832-1963 ) pintó La ejecución de Maximiliano ( 1867-68 ) Ese mismo año el escritor francés Emile Zola publicó un estudio biográfico y crítico de la obra de Manet en el que defendía su arte, rechazado por los académicos . La ejecución de Maximiliano es un tema definitivo que Manet realizó a partir de cuatro estudios sobre el mismo tema . Su acostumbrada dureza en el estilo y la primorosa atención que dedica a la superficie del plano pictórico hacen de Manet una artista moderno.

La obra se expuso al público por primera vez en 1879 en Nueva York, ya que el pintor no pudo presentar el cuadro en Francia porque el régimen imperial de la época lo consideró politicamente incorrecto.

Mercedes Tamara

30-03-3014

Bibliografia : Manet , Edit Biblioteca El Mundo

LOS RECOLECTORES DE ACEITUNAS VICENT VAN GOGH

LOS RECOLECTORES DE ACEITUNAS 1889

Los recolectores de aceitunas
óleo sobre lienzo 72,,4 x 89,9 cm
Colección particular

Este cuadro data de un momento crucial en la corta vida de Vicent van Gogh ( 1853-1890 ) .Artísticamente estaba en la cúspide de su carrera , realizando cuadros radicalmente diferentes a los de sus contemporáneos. Sin embargo, su frágil salud había comenzado a empeorar . Tras el colapso que sufrió en diciembre de 1888 fue ingresado en el sanatorio de Saint Remy. Durante el largo período de su recuperación , Van Gogh comenzó a pintar olivos , En total produjo catorce telas entre el verano de 1889 y la primavera siguiente, entre los que se cuenta esta escena de la época de la cosecha.

A Van Gogh le gustaba expresar sus emociones mediante formas naturales y los olivos resultaron un medio perfecto para plasmar su angustia personal. Las retorcidas y nudosas ramas de los árboles le recordaban los brazos humanos, alargados y anhelantes, las pinceladas nerviosas pero controladas del artista son un tranquilo grito de auxilio. Además estaban también las connotaciones bíblicas .

Para Van Gogh que había sido predicador durante su juventud, las ramas estaban inextricablemente ligadas al sufrimiento de Cristo en el jardín de Getsemaní, en el monte de los Olivos.

Van Gogh tenía muy presente la conexión bíblica porque en 1889 Paul Gauguin había pintado una versión de Cristo en el jardín de los Olivos en el que el Mesías tenía los rasgos del pintor. A Van Gogh le gustó la idea , pero jamás se sintió cómodo pintando escenas imaginarias . Prefirió dar una expresión de angustia, sin apuntar hacía el histórico jardín de Getsemaní.

Mercedes Tamara

29-03.2014

Bibliografía : Van Gogh, Edit Biblioteca El Mundo