ESQUIFES EN EL YERRES GUSTAVE CAILLEBOTTE

ESQUIFES EN EL YERRES 1877

Esquifes en el Yerres
óleo sobre lienzo 88 x 115.5 cm
Colección particular

Gustave Caillebotte Nació en París el 19 de agosto de 1848. Inició su formación artística en el taller del academicista León Bonnat, y poco tiempo después. Tras desarrollar un estilo muy personal dentro del más puro realismo, fue profundamente influenciado por los impresionistas.

El estilo pictórico de Caillebotte pertenece a la escuela del realismo pictórico; sin embargo, fue profundamente influenciado por sus colegas impresionistas. Al igual que sus precursores, Jean-François Millet y Gustave Courbet, y también su contemporáneo Degas, Caillebotte se enfocaba en pintar la realidad, tal cual como existía y la visualizaba, con la esperanza de reducir la teatralidad inherente de la pintura. Tal vez por su relación cercana con muchos de los pintores de su época, su estilo y técnica varían considerablemente en su obra pictórica, como si estuviese tomando prestado y experimentando, pero realmente sin apegarse a ningún estilo en particular. En ocasiones, parece que tuviese cierta inclinación por el estilo de Degas, plasmando en sus obras un realismo con una amplia riqueza de colores (especialmente en sus cuadros con escenas interiores) y otras veces, comparte el compromiso impresionista de "realidad óptica" y emplea una paleta caracterizada por tonalidades pasteles y una pincelada suelta similar a la de  Renoir y Pissarro 

Sus pinturas de campo en Yerres se enfocaban en los divertidos paseos en barca, en la quietud de los riachuelos, en la pesca, la natación, y en escenas domésticas en torno a la residencia familiar. Frecuentemente, utilizaba una suave técnica impresionista semejante a la de Renoir para expresar la naturaleza tranquila del campo, en contraste con las pinceladas más sobrias y lisas de sus pinturas urbanas


Entre los cuadros que hacen referencia al agua destaca Esquifes en el Yerres , donde 

el artista encontraba a menudo sus temas ya que su familia poseía una casa , a orillas del Yerres En esta obra , el artista aclara la coloración y da mayor soltura al empaste, a diferencia de sus amigos impresionistas , pero sin llegar a una descomposición de los pigmentos que disolviera la plasticidad de los cuerpos representados en el primer término 

El agua tiene movimiento gracias a la introducción del esquife que hunde en el agua el primero de los remeros donde las manchas solares contrastan con el color verde intenso que tienen las aguas del río.


La composición es muy coherente, .Parece ser que Caillebotte fue inspirado por el arte japonés. En su cuadro maneja efectivamente la perspectiva y de una forma más realista que la pintura de Manet, como por ejemplo Paseo en bote (1874).

Mercedes Tamara  ( autora )

6-08-2016

Bibliografia : Wikipedia 

BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE TOULOUSE LAUTREC

BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE 1889

Baile en el Moulin de la Galette
óleo sobre lienzo 88, 5 x 101,3 cm
Corbun Memorial Collection

Si se compara esta obra con el Baile en el Moulin de la Galette de Renoir ( 1876 ), se ven claramente las diferencias entre los dos pintores , interesados en sacar a la luz en el mismo ambiente un local de Montmartre muy frecuentado por los artistas- diversos aspectos de la vie moderne y en captar de manera contraria su atmósfera.

En el lienzo de Renoir triunfan el color y la luz , en una imagen idilíca de alegría festiva , en la cual los personajes se comunican entre sí y bailan entrelazados . En cambio , en la obra de Lautrec , el dibujo prevalece claramente sobre el color ; los tonos son oscuros y los personajes aparecen irremediablemente encerrados en su aislamiento.

La joven prostituta con gorguera , de ojos pícaros un poco ofuscados por el alcohol , sugiere la comparación con otra obras de Lautrec como ( A la mie, La bebedora )
símbolos de la condición degradada del proletariado urbano Téngase en cuenta , que no es una denuncia de carácter social o moral, ya que Lautrec , a su vez alcohólico ,no se propone en ningún momento perturbar la escala social, sino que la acepta tal y como es, buscando en ella tipos humanos , caracteres.

La obra fue expuesta en París en septiembre de 1889 , en el Salón de los Independientes , la primera muestra auténtica en la que Lautrec tomó parte , y suscitó numerosos comentarios

Mercedes Tamara

1-08-2016

Bibliografia : Lautec Edit Biblioteca El Mundo 

TE TIARE FARANI ( FLORES DE FRANCIA ) PAUL GAUGUIN

TE TIARE FARANI ( FLORES DE FRANCIA ) 1891

Te Tiare Farana ( Flores de Francia )
óleo sobre lienzo 72 x 92 cm
Museo Puskhin, Moscú

En esta obra aparece por primera vez el título en lengua tahitiana , procedimiento que Gauguin utilizará en muchos otros lienzos . La naturaleza muerta floral , típico asunto impresionista , se desarrolla aquí en clave exótica.

La muchacha tiene una mirada atenta y vivaz y es más expresiva que los escasos retratos masculinos realizados en la Polinesia . En este caso, como en muchos otros, el cuadro sigue a una gran cantidad de dibujos a lápiz, pasteles y aguadas . Gauguin se sirve de ellos como estudios preparatorios , es decir , reproducciones de obras de arte de épocas y civilizaciones distintas que ha traído de Francia.

El joven de mirada un poco de loco, contempla directamente al espectador. La camisa parece reflejar los colores vivos de las flores y el rostro está en la sombra. La fascinación poética y suave del interior de la cabaña , nace del contraste entre los rostros lineales e indiferentes de los jóvenes y una explosión de ramas de adelfas , como si la naturaleza sustrajese fuerza y exhuberancia al género humano , que se torna pura imagen como don a los frutos y a las plantas.

El nuevo uso del color y la representación de una luminosidad intensa y difusa , evidentes en este espléndido ramo de flores , son la verdadera revolución artística que Gauguin efectúa en la Polinesia . Si en Bretaña prefería los colores puros , aquí la paleta se enriquece con nuevos tonos , muchas veces yuxtapuestos de manera tal que se contrapongan y valoren recíprocamente.

Mercedes Tamara

29-07-2016

Bibliografía : Gauguin Edic Taschen

LA FAMILIA SCHUFFENECKER PAUL GAUGUIN

LA FAMILIA SCHUFFENECKER 1889

La familia Schuffenecker
óleo sobre lienzo 73 x 92 cm
París, Museo de Orsay 

En este cuadro, Gauguin une algunos elementos impresionista a su nuevo estilo sintetista , que se va formando lentamente en esos años . En este período produce poco: alguna cerámica y este cuadro, un retrato de grupo.

En el centro , el grupo de las dos niñas unificadas por el rojo de sus vestidos , está realizado con cierta ternura , pero los retratos de los cónyuges revelan la misma falta de consideración que Gauguin les reserva en la realidad . La mujer, a la que según parece , cortejó con éxito , tiene una expresión tensa y amrga y un mano corva de " arpía " según la definición que Gauguin da en ella en una carta a un amigo.

En cuanto a Schuffenecker , el viejo y afectuoso compañero que, sin embargo, es el destinatario de algunas de sus más bellas reflexiones sobre la pintura , es representado con rasgos caricaturescos , en actitud humilde y relegado a una posición marginal y secundaria en relación con la dominante presencia de la esposa .

El espacio del lienzo ya no habría de reproducir la naturaleza , sino la impresión que ésta suscita en la memoria. El artista puede olvidarse así de la perspectiva , los esfumados , las sombras y el claroscuro para aplicar los colores en superficies planas delimitadas por contornos netos . El rojo  de los vestidos de las niñas destacan sobre diversas tonalidades de  amarillo, mientras que la parte superior de la composición se basa en una armonía de azules y verdes ; sólo la mujer de amarillo , constituye un hábil enlace entre las dos zonas de colores cálidos y fríos.

Mercedes Tamara

17-07-2016

Bibliografía : Atlas del Impresionismo 

EL MERCADO DE ALGODÓN EN NUEVA ORLEANS EDGAR DEGAS

EL MERCADO DE ALGODÓN EN NUEVA ORLEANS 1873

El mercado de algodón en Nueva Orleans
óleo sobre lienzo 73 x 92 cm
Museo de Beaux Arts París

La familia de la madre de Degas, Célestine Musson, residía en Nueva Orleans donde se dedicaba al comercio del algodón. El pintor quiso viajar a Estados Unidos para conocer a esta rama familiar y marchó hacia allí, acompañado de sus hermanos René y Achille, en 1872. Entre octubre de ese año y marzo del siguiente permanecieron en América; allí realizaría esta maravillosa escena en la que muestra una oficina de compraventa de algodón. 

La aventura americana de Degas fue importante para su formación artística , porque le convenció de renunciar definitivamente a los temas históricos de los cuadros de los años sesenta para abordar la realidad cotidiana Degas confesó que le atraía especialmente los habitantes de Estados Unidos y su forma de vivir y hacer las cosas .


El ambiente de la escena que transcurre en una oficina estadounidense es tranquilo y relajado , con cada personaje ocupado en sus quehaceres , sin relacionarse unos con los otros .Algunos detalles estilísticos Degas recurre  a los contrastes cromáticos recurre al blanco, al negro y al siena, como también hacía Manet. 

Degas se propuso transmitir la espontaneidad y naturalidad de la escena imitando el planteamiento de un fotógrafo . Por eso no organizó el espacio siguiendo criterios de equilibrio y simetría , no dispone a los personajes en un  orden claro que diese preferencia al punto de vista del espectador.

El personaje sentado en la mesa, que extiende los brazos para enseñar el algodón . La parte central ( y en general todo el cuadro ) llama la atención por el contraste entre el blanco ( el algodón, el periódico y las mangas de la camisa ) y los colores oscuros de los trajes. A la derecha vemos al cajero inclinado hacía unos registros . El artista situó a sus pies una papelera dibujada con gran atención a los detalles. El personaje que lee el periódico en el centro de la escena parece no interesarse por las conversaciones sobre el algodón. Otro personaje que parece no participar en la escena aparece a la izquierda de pie, apoyado en una ventana.

En cuanto a la luz, penetra un fuerte haz por la izquierda, que ilumina el algodón y ensombrece la oficina a medida que nos adentramos en ella. Otra ventana al fondo deja ver un ligero reflejo lumínico muy atractivo. La obra está relacionada con las pinturas de género que se realizaban en la Inglaterra victoriana más que con la temática impresionista; quizá se deba al deseo de satisfacer a su familia americana o para venderlo a un fabricante de hilados. Expuesto en la muestra impresionista de 1875 llamó mucho la atención de los asistentes, en especial de Émile Zola. Posteriormente, fue vendido al Museo de Bellas Artes de Pau siendo así el primer cuadro de Degas que se exhibía en una colección pública, lo que causó mucha alegría al artista.

Mercedes Tamara ( autora )

19-06-2016

Bibliografia : ARTEHISTORIA 

RETRATO DE HENRI DIHAU TOULOUSSE LAUTREC

RETRATO DE HENRI DIHAU 1891

Retrato de Henri Dihau
óleo sobre cartón 41.8 x 30,º
Albi, Museo de Toulousse Lautrec

Henri Dihau presenta a Lautrec al Pére Forest , que tiene un jardín en el cruce de la Rue Caulaincourt y el Boulevard , donde el pintor acude con frecuencia a pintar retratos al aire libre , entre 1886 y 1891 .

Expuesto en el Salón de los Independientes en 1891, el cuadro se sitúa en la estela de los retratos que hace Manet de hombres elegantes de pie, pero la pintura rica en valores cromáticos inéditos utilizada por Manet se descarna y se altera aquí por el diferente medio utilizado . Lautrec experimenta y adopta en este caso la técnica del color al óleo diluido con aguarrás , que adquiere en ocasiones la consistencia de la acuarela ; el cartón del soporte es bastante grueso y absorbente y en parte se deja a la vista , como de costumbre.

El tono de base de la pintura es el típico azul veteado de violeta - pasado del traje del hombre al paisaje de fondo- , que el pintor utiliza para los trajes oscuros de los personajes que retrata, un color aplicado con una pincelada filamentosa y discontinua , muy distinto al negro luminosisimo de los trajes representados por Manet.

Mercedes Tamara

11-06-2016

Bibliografia Toulousse Lautec Edit Taschen

MUJER VESTIDA DE NEGRO PIERRE AUGUSTE RENOIR

MUJER VESTIDA DE NEGRO 1876

Mujer vestida de negro 
óleo sobre lienzo 65 x 53 cm
San Petesburgo Museo del Ermitage

En el centro sitúa Renoir el pálido rostro de una mujer desconocida , apenas vivificada por toques de carmín en las mejillas y en los labios. En la amplia superficie blanca parece difícil distinguir el paso del mentón al cuello , pintadas con la misma realidad cromática . La blancura de la piel de la mujer está tratada con un modelado estudiado con esmero : en la amplia obra de Renoir es frecuente que un rostro femenino adquiera un fragílisimo de porcelana .

La pintura , carece de efectos de claroscuro en el rostro, contrasta , sin embargo , con el toque veloz y alusivo con el que Renoir indica el vestido, las mangas blancas y el pañuelo azul del cuello , que sugieren una pintura improvisada , derivada de una impresión momentánea . Igualmente desenvuelta y sumaria es la indicación del papel de pared que entrevé el fondo , con flores celestes sueltas sobre el gris .

Según la técnica utilizada , una veces sumaria, otras descriptivas y atenta a los detalles Renor parece llevar al espectador de la mano e indicarle las partes que la han llamdo especialmente la atención : en esta caso , los ojos de la mujer, sus labios , las joyas y otros elementos como las elaboradas mangas en las que detienen los rayos de luz. Para las partes restantes , se limita a sugerir , e indicar, sin dibujo ni esquema preparatorio alguno en la mente : una de las características principales del arte de Renoir es precisamente esa extrema libertad y felicidad en el que pintar, da la impresión de estar ante un pintor que experimenta placer , que casi se divierte con su trabajo.

Mercedes Tamara

8-06-2016