ROCAS DE JÁVEA Y BOTE BLANCO 1905
lunes, 4 de agosto de 2014
lunes, 14 de julio de 2014
DESNUDO AZU LIII HENRI MATISSE
DESNUDO AZULIII HENRI MATISSE
DESNUDO AZUL III 1952-1953
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| Desnudo azul III guache sobre papel 113x 73 Musée National d´Art Moderne , Paris |
La serie " Desnudos azules " compuesta por cuatro obras y creada por Henri Matisse ( 1869- 1934) durante el período comprendido entre 1952 y 1954 surgió de una combinación de tradición y experimentación. Desnudo azul III representa un paso hacía la abstracción , si bien aún se reconoce la forma humana. El color azul significaba distancia y volumen para Matisse .
Fustrado en sus tentativas de conseguir maridar tonos dominantes y contrastados , el artista utilizó al principio bloques de color sólido de un único tono. Las formas recortadas y pintadas de guache que componen la serie "Desnudos azules "se inspiraba en la colección de escultura africana de Matisse y en una visita que realizó a Tahití en 1930. Tras veinte años, Matisse sintetizó aquellas influencias en esta serie.
El artista descubrió en el proceso de ensamblar formas recortadas de guache pintando una técnica mucho más manejable que la de trabajar directamente con pintura sobre el lienzo. Denominó a este proceso " Dibujo con papel " y la definición de la figura se encuentra en los intersicios de los recortes. El efecto es casi el que produce un relieve pero en dos dimensiones.
Como culminación de la larga búsqueda de una mezcla perfecta de forma y color " Desnudos azules " representa una suerte de desenlace. Pero dado su originalidad desembocó en un nuevo comienzo para los sucesores de Matisse. Los artistas franceses de la década de 1960 como Vollat y los abstraccionistas estadounidenses , como Rotho , constituyeron sobre esos cimientos y fueron aclamados por derecho propio
Mercedes Tamara
14-07-2014
sábado, 28 de junio de 2014
VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO BERTHE MORISOT
VISTA DE PARIS DESDE EL TROCADERO 1871-1873
Mercedes Tamara
28-06-2014
Bibliografía . El Impresionismo Edic Taschen
martes, 10 de junio de 2014
NIÑA CON RAMA CAMILLE PISSARRO
NIÑA CON RAMA 1881
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| Niña con rama óleo sobre lienzo 81 x 64 cm París, Museo de Orsay |
El año 1880 fue un año muy importante para el artista, no solo porque la venta de sus cuadros mejoró su precaria situación económica, sino sobre todo porque marcó una nueva etapa en su trayectoria creativa. El fracaso de las primeras exposiciones colectivas de los impresionistas le llevó a reflexionar muy en serio sobre su arte, desde la técnica a los temas, y sobre su relación con el público y la crítica. Lo primero que hizo fue dar más espacio a la figura humana, que hasta entonces solo había aparecido en sus autorretratos y en uno de los pocos retratos de parientes y amigos. Esta tela forma parte de una serie de cuadros muy logrados sobre campesinos jóvenes captados con sencillez y naturalidad durante su trabajo en el campo o descansando , como en este caso.
Desde entonces, durante algunos años, Pissarro dedicó gran parte de sus obras al mundo campesino y al trabajo de campo , en abierta polémica con los burgueses de París y su cómoda vida urbana. La elección de estos temas no hace más que confirmar el interés del artista por la gente del campo, observada con la misma sencillez y naturalidad con que Degas pintaba sus bailarinas o mujeres lavándose o peinándose.
Estilísticamente se aprecia el uso de pequeños toques complementarios que servían a Pissarro para dar una luminosidad más intensa y difusa a la obra, y que le aproximaba a las investigaciones contemporáneas de Seurat y Signac. La estructura de esta obra es a la vez sencilla y lineal, con espacios muy estudiados, para que todo el énfasis se concentre en los aspectos emocionales, que predominan sobre los descriptivos, En este cuadro Pissarro redujo la profundidad del paisaje de fondo y diluyó sus referencias a la realidad, hasta el punto de que llega a parecer un simple decorado teatral. El artista distribuyó con atención y destreza los matices de amarillo y verde para mostrar los efectos del sol entre las hojas del bosque.
Aunque la postura de esta joven campesina pueda parecer torpe y poco agraciada, lo cierto es que ya la hemos encontrado en varios cuadros de los impresionistas ,especialmente en los de Degas . Su intención era que el espectador llegase a percibir la espontaneidad y naturalidad de la escena. La expresión de la cara, ligeramente apoyada en el hombro izquierdo, nos da a entender que la niña está ensimismada en sus pensamientos o fantasías, completamente aislada de la realidad que la rodea. A diferencia de otras obras , donde lo que predomina es el compromiso social y civil, en esta Pissarro privilegió los aspectos poéticos y psicológicos , logrando efectos de una intensidad lírica sorprendente
Mercedes Tamara
10-06-2014
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Bibliografía : El Impresionismo, Edic Taschen
Gran Atlas del Impresionismo, Edic Letea
jueves, 5 de junio de 2014
SANTIAGO RUSIÑOL OBRA Y BIOGRAFÍA
Santiago Rusiñol . Obra y Biografía
Santiago Rusiñol (Barcelona 1861- Aranjuez 1931) intelectual español conocido no sólo por sus magníficas obras de arte sino también por sus escritos y la participación en los círculos modernistas más punteros de finales del siglo XIX quienes encontraron un gran eco en la Barcelona del momento, animados por las expectativas que Cataluña presentaba tanto en el ámbito económico como en el cultural y el social.
Santiago Rusiñol nace en una familia industrial catalana quedando pronto huérfano por lo que debe abandonar sus estudios e ideales artísticos para ponerse al servicio de su abuelo en la empresa familiar. En 1887 muere su abuelo y Rusiñol se siente liberado por lo que decide romper con su vida llegando a divorciarse de su mujer con la que se había casado pocos meses antes.
Será con Casas con quien del mismo modo realizará su primera exposición en la Sala Pares en el año 1884.
Esta gran amistad quedó constatada en la obra Rusiñol y Casas pintando, lienzo realizando en 1890 por ambos pintores donde se les ve a ambos en un momento de creación de sus obras.
París será la ciudad en la que desarrolle sus máximas potencialidades. Comenzó frecuentando la Academia Gervec donde fue alumno de Carrière y de Puvis de Chavannes para terminar bebiendo de los impresionistas especialmente de Manet y Degàs de quienes copiará las figuras desdibujadas, las distintas tonalidades del mismo color y la introducción de los sentimientos.
Además de París, Santiago visitó Italia en el año 1894 donde estudia ampliamente el Renacimiento y de donde obtiene definitivamente esa influencia simbolista presente en alguna de sus obras como la colección de tres cuadros llamados La Poesía, La Pintura y La Música, del año 1895.
Rusiñol es conocido como el pintor de los jardines ya que sus obras más conocidas tienen como escenarios bellos paisajes de jardines españoles como el de Granada, Sevilla y Aranjuez. En ellos destacan el ambiente delicado junto con un brillo y cromatismo únicos en el arte español. Obras como Almendros en flor (1929), muralla verde muestran unas obras ordenadas donde la simetría de los árboles marcan la composición.
Entre sus obras literarias podríamos destacar Desde mi molino, escrita en 1893, Impresiones de arte, del año 1894 o el Místico (1903) aunque su obra más conocida es L `Auca del Senyor Esteve.
Mercedes Tamara
5-06-2014
Bibliografia: " Arte de España "
El PUENTE JAPONÉS CLAUDE MONET
El PUENTE JAPONÉS 1923-1924
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| El puente japonés óleo sobre lienzo 89 x 100 cm Musée Marmottan, Monet, París |
A principios del siglo XX , la pintura de paisajes era el género artístico por excelencia. Las vivas representaciones de los impresionistas iban dirigidas a las clases medias que poblaban las ciudades y, en general , consideraban el campo un lugar de esparcimiento .
En 1890, Claude Monet ( 1840-1926 ) compró una casa en Giverny y embelleció su jardín con un estanque de nenúfares de estilo japonés y otros elementos asombrosos. El jardín se convirtió en el motivo central de sus pinturas, hasta el punto de que pasaba casi todo su tiempo en él plasmando imágenes de una luz y un color esvanescentes. Monet empezaba pintado al aire libre y luego reelaboraba las telas en su estudio.
El puente japonés era uno de sus temas favoritos y Monet lo pintaba sin descanso , con distinta iluminación y diferente espíritu. A partir de 1906 , el artista empezó a perder la vista y las pinturas que realizó con este impedimento tienen un tono bastante rojizo en general , síntoma característico de las personas cuya visión queda afectada por las cataratas.
En 1923, Monet se sometió a un tratamiento que resultó eficaz , pero este cuadro que terminó tras su intervención quirúrgica, se origina como una de las obras más abstractas . Aunque se puede reseguir el perfil del puente en la parte central de la tela , son las enérgicas pinceladas , las que forman el remolino de árboles, plantas y agua. Monet trabajó tanto en este tema que la obra terminó diluida en un juego de color, luz, follajes y reflejos. La pincelada genera un impasto, influiría posteriomente en los expresionistas abstractos.
Mercedes Tamara
5-06-2014
Bibliografía : Claude Monet , Edit Biblioteca El Mundo
El Impresionismo, Edic Taschen
viernes, 25 de abril de 2014
LA MONTAÑA DE SAINTE-VICTOIRE CON PINOS PAUL CÉZANNE
LA MONTAÑA DE SAINTE-VICTOIRE CON PINOS 1882
Paul Cézanne ( 1839-1906 ) nació en Aix en- Provence , en el sur de Francia . Su padre era fabricante de embutidos y copropietario de un banco , bajo su influencia Cézanne empezó a estudiar derecho . En 1861 empezó empezó a interesarse por el arte y se inscribió en la Académie Suisse de París donde conoció a Pissarro . Regresó a Paris y allí expuso en el Salón de los Refusés y se relacionó con artistas impresionistas . No obstante, no tuvo éxito comercial . Sus primeras obras están repletas de fantasías mórbidas y , a menudo, violentas . Esta tendencia cambió después de conocer a la vendedora de libros Mari- Hortense Fiquet en 1869, Cézanne temía la reacción de su padre , por lo que mantuvo la relación en secreto.
Cézanne trabajó en Pontoise junto a Pissarro quien le ayudó a desarrollar un estilo más maduro . Participó en dos de las exposiciones impresionistas , pero prefería trabajar en la soledad de Aix La montaña de Sainte-Victoire con pinos está situada al este de Aix-de Provence , esta montaña fue el tema más recurrente en la pintura del artista . Pintó más de sesenta representaciones de la misma montaña , la usaba para llevar a cabo sus radicales experimentos con la pintura de paisajes y de hecho, cambió continuamente su técnica pictórica . Mientras que los impresionistas se habían centrado en los efectos fugaces de la luz y el clima del paisaje, Cézanne intentó analizar la geometría subyacente de las rocas y la vegetación " para tratar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cono " . Su principal objetivo profesional fue reproducir sus escenas exactamente como las veía : un árbol por ejemplo , podía aparecer a través de unos pocos planos de color. Cézanne estudió la montaña Sainte-Victoire desde diversos ángulos , mediante bloques de color para conseguir un efecto espacial conocido como " profundidad plana " y representar así la topografía de la montaña de forma más efectiva.
Cézanne pintó este lienzo desde un rincón de la propiedad de su cuñado , desde donde solía trabajar en dos imágenes de la misma vista al mismo tiempo. Cuando Cézanne expuso esta obra , por primera vez en una sociedad de pintores amateur de Aix , la Societé des Amis des Arts, fue recibida con cierta incomprensión . La única persona que admiró su pintura fue el hijo de un amigo de la infancia de Cézanne , el joven poeta y escultor Joachim Gasquet. El artista agradeció tanto esta apreciación que firmó la pintura - algo que hacía en raras ocasiones- y se la regaló a Gasquet.
A Cézanne le preocupaba más el efecto general de su pintura que los detalles individuales. Entre las ramas del árbol pueden verse trozos pintados de gris y verde que pueden ser nubes u hojas. Estos trozos contribuyen a crear un efecto deseado: hacer que la parte superior del lienzo desprendiera movimiento. Dibujó los elementos principales con marcas muy simples hechas con carboncillo y después añadía parches de color. Construía unas formas orquestando minuciosamente los tonos de dichos parches. La superficie escarpada de la montaña se transmite únicamente a través del color.
El árbol constituye un marco para el motivo principal: la montaña . La ligera curva del tronco complementa la suave pendiente diagonal del paisaje que aparece en primer plano . De un modo similar, las ramas de la derecha siguen la linea de la hondonada que puede verse a lo lejos. El artista incluye en la pintura el Pont de l Árc , el principal monumento artificial del valle, Cézanne fue omitiendo estos rasgos identificables a la hora de representar detalles específicos, prefería usarlos únicamente como vehículos para explorar la interacción entre color y forma
Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen
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La montaña de Sainte-Victoire con pinos
óleo sobre lienzo 67x 99,5 cm
The Courtauld Gallery, Londres
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Paul Cézanne ( 1839-1906 ) nació en Aix en- Provence , en el sur de Francia . Su padre era fabricante de embutidos y copropietario de un banco , bajo su influencia Cézanne empezó a estudiar derecho . En 1861 empezó empezó a interesarse por el arte y se inscribió en la Académie Suisse de París donde conoció a Pissarro . Regresó a Paris y allí expuso en el Salón de los Refusés y se relacionó con artistas impresionistas . No obstante, no tuvo éxito comercial . Sus primeras obras están repletas de fantasías mórbidas y , a menudo, violentas . Esta tendencia cambió después de conocer a la vendedora de libros Mari- Hortense Fiquet en 1869, Cézanne temía la reacción de su padre , por lo que mantuvo la relación en secreto.
Cézanne trabajó en Pontoise junto a Pissarro quien le ayudó a desarrollar un estilo más maduro . Participó en dos de las exposiciones impresionistas , pero prefería trabajar en la soledad de Aix La montaña de Sainte-Victoire con pinos está situada al este de Aix-de Provence , esta montaña fue el tema más recurrente en la pintura del artista . Pintó más de sesenta representaciones de la misma montaña , la usaba para llevar a cabo sus radicales experimentos con la pintura de paisajes y de hecho, cambió continuamente su técnica pictórica . Mientras que los impresionistas se habían centrado en los efectos fugaces de la luz y el clima del paisaje, Cézanne intentó analizar la geometría subyacente de las rocas y la vegetación " para tratar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cono " . Su principal objetivo profesional fue reproducir sus escenas exactamente como las veía : un árbol por ejemplo , podía aparecer a través de unos pocos planos de color. Cézanne estudió la montaña Sainte-Victoire desde diversos ángulos , mediante bloques de color para conseguir un efecto espacial conocido como " profundidad plana " y representar así la topografía de la montaña de forma más efectiva.
Cézanne pintó este lienzo desde un rincón de la propiedad de su cuñado , desde donde solía trabajar en dos imágenes de la misma vista al mismo tiempo. Cuando Cézanne expuso esta obra , por primera vez en una sociedad de pintores amateur de Aix , la Societé des Amis des Arts, fue recibida con cierta incomprensión . La única persona que admiró su pintura fue el hijo de un amigo de la infancia de Cézanne , el joven poeta y escultor Joachim Gasquet. El artista agradeció tanto esta apreciación que firmó la pintura - algo que hacía en raras ocasiones- y se la regaló a Gasquet.
A Cézanne le preocupaba más el efecto general de su pintura que los detalles individuales. Entre las ramas del árbol pueden verse trozos pintados de gris y verde que pueden ser nubes u hojas. Estos trozos contribuyen a crear un efecto deseado: hacer que la parte superior del lienzo desprendiera movimiento. Dibujó los elementos principales con marcas muy simples hechas con carboncillo y después añadía parches de color. Construía unas formas orquestando minuciosamente los tonos de dichos parches. La superficie escarpada de la montaña se transmite únicamente a través del color.
El árbol constituye un marco para el motivo principal: la montaña . La ligera curva del tronco complementa la suave pendiente diagonal del paisaje que aparece en primer plano . De un modo similar, las ramas de la derecha siguen la linea de la hondonada que puede verse a lo lejos. El artista incluye en la pintura el Pont de l Árc , el principal monumento artificial del valle, Cézanne fue omitiendo estos rasgos identificables a la hora de representar detalles específicos, prefería usarlos únicamente como vehículos para explorar la interacción entre color y forma
Mercedes Tamara
25-04-2014
Bibliografia : El Impresionismo, Edic Taschen
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